Endspiel

BY admin

| Oktober 28, 2021

EINFÜHRUNG
AUTORENBIOGRAPHIE
ZUSAMMENFASSUNG DER HANDLUNG
CHARAKTERE
THEMEN
STIL
HISTORISCHER KONTEXT
KRITISCHER ÜBERBLICK
KRITIK
QUELLEN
WEITERFÜHRENDE LITERATUR

SAMUEL BECKETT
1957

EINLEITUNG

Endgame ist Samuel Becketts zweites veröffentlichtes Stück. Die Handlung ist kontinuierlich, ungebrochen durch separate Szenen oder Handlungen. Roger Blin produzierte dieses Stück erstmals 1957 in Frankreich am Königlichen Hof, und später produzierten Blin und Georges Devine es erneut in einer englischen Produktion. Beide wurden von fast allen Londoner Kritikern schlecht aufgenommen. Erst nach der mittlerweile berühmten Pariser Produktion von 1964 mit Patrick Magee und Jack Macgowran in den Rollen von Hamm und Clov wurde Endgame als Meisterwerk anerkannt.

Zu Beginn des Stücks stirbt Hamm in einer Welt, die zu Ende zu gehen scheint. Es ist befriedigend zu wissen, dass die gesamte Existenz zu nichts verblassen kann. Hamm ist auf einen Stuhl beschränkt, und während des Spiels verwirft er widerwillig die anhaltenden Aussichten auf Leben: Essen; Schmerzmittel; sein Diener Clov, von dem er völlig abhängig ist; die Stange, die es ihm ermöglicht, seinen Rollstuhl zu bewegen; und hält den Hund, auf dem er seine Zuneigung verschwendet.

Hamms Eltern Nagg und Nell, die vor vielen Jahren bei einem Fahrradunfall ihre Beine verloren haben, leben in Ashbins, aus denen sie gelegentlich hervorgehen, nur um von ihrem Sohn verflucht zu werden. Seine Mutter stirbt und Hamm, wissend, dass Clov ihn verlässt, bereitet sich auf seine letzte Schlacht vor, zuerst um seinen Vater zu überleben und dann dem unvermeidlichen Tod ohne die Hilfe der wenigen Objekte zu begegnen, die ihm in seinen letzten Tagen Trost gegeben haben. Hamm soliloquizes in Bezug auf die letzten Züge im Schach, ein König ausweichen Schachmatt so lange wie möglich mit strengen Seiten auf Religion, „Raus hier und einander lieben! Leck deinen Nachbarn wie dich selbst!“ Er erinnert an Pozzos Totengräber-Aphorismus in Warten auf Godot, wenn er sagt: „Das Ende ist am Anfang und doch gehst du weiter.“ Clov bereitet sich darauf vor zu gehen, hasst Hamm für vergangenes Unrecht, aber jetzt ohne Mitleid mit Hamm.

BIOGRAFIE des AUTORS

Samuel Barclay Beckett wurde am 13.April 1906 in Foxrock County, Dublin, Irland, geboren. Er war der zweite von zwei Söhnen eines protestantischen anglo-irischen Paares. Als kleiner Junge war er sehr energisch und zeichnete sich durch Sportarten wie Cricket, Tennis und Boxen aus. Er studierte am Earlsfort House in Dublin und dann an der Portora Royal School in Enniskillen, der gleichen Schule, die Oscar Wilde besucht hatte. Hier begann er zuerst Französisch zu lernen, eine der beiden Sprachen, in denen er schreiben würde.

Er studierte Romanistik am Trinity College in Dublin. Er unterrichtete in Belfast, bevor er als Lecteur d’anglais an der École Normale Supérieure nach Paris ging; dort traf er 1928 den Dubliner James Joyce, mit dem er eine dauerhafte Freundschaft schloss. Beckett war einer von Joyces Assistenten beim Bau von Work in Progress, später mit dem Titel Finnegan’s Wake. Inspiriert von der Pariser Literaturszene begann Beckett zu schreiben. Sein erstes veröffentlichtes Schreiben war ein Essay über Joyce (1929). Seine erste Geschichte, „Assumption“, erschien 1929 in Transition, und 1930 kehrte er als Dozent an das Trinity College in Dublin zurück.

1930 veröffentlichte Beckett sein erstes Gedicht „Whoroscope.“ Kurz darauf veröffentlichte er eine Studie über den kürzlich verstorbenen Proust, einen Autor, den Beckett ungeheuer bewunderte. Beckett erkannte schnell, dass das akademische Leben nichts für ihn war und verließ das Trinity College, um Vollzeitautor zu werden. Anschließend verbrachte er fünf unruhige, einsame Jahre in Deutschland, Frankreich, Irland und London, bevor er sich 1937 endgültig in Frankreich niederließ. Auf eine Sammlung von Geschichten, More Pricks than Kicks (1934), folgten eine Reihe von Romanen in voller Länge, darunter der Comic Murphy (1938) und Watt (1953), beide in englischer Sprache.

Als Beckett eines Nachts spät mit Freunden nach Hause ging, wurde er erstochen und fast getötet. Als er sich erholte, erhielt Beckett Aufmerksamkeit von einer französischen Bekannten, Suzanne Deschevaux-Dusmesnil, die seine Lebensgefährtin und Frau werden würde, obwohl sie erst 1961 heiraten würden. Beckett und Suzanne arbeiteten für den französischen Widerstand, entkamen knapp der Gestapo und zogen dann ins unbesetzte Frankreich, wo Beckett im Austausch für Unterkunft und Verpflegung auf einer Farm arbeitete und seinen Roman schrieb Watt.

Viele betrachten den Beginn seines Schreibens auf Französisch (1947-1950) als seine produktivste Schaffensperiode. Becketts Trilogie – Molloy (1951), Mallone Dies (1951) und The Unnamable (1953) — wurden alle ursprünglich auf Französisch geschrieben und alle drei sind innere Monologe oder Monologe. Sein erster französischer Roman, Mercier et Camier, sagt die Form des Wartens auf Godot voraus, mit seinem wandernden Duo, minimalistischem Stil und Wiederholung, wurde aber erst Jahre später veröffentlicht. Ebenfalls 1947 schrieb er sein erstes Stück Eleutheria, das er zu Lebzeiten nicht veröffentlichen ließ und das nach seinem Tod zu großen Kontroversen führte, als Becketts amerikanischer Verleger Barney Rosset gegen den Willen des Beckett-Nachlasses eine englische Übersetzung veröffentlichte. In den Jahren 1948-1949 schrieb Beckett En attendant Godot oder Warten auf Godot. Becketts unverwechselbare, verzweifelte und doch seltsam berauschende Stimme erreichte ein breites Publikum und gewann 1953 mit der Pariser Aufführung von En Attendant Godot öffentliche Anerkennung. Beckett wurde weithin bekannt als Dramatiker im Zusammenhang mit dem Theater des Absurden, dessen Verwendung der Bühne und der dramatischen Erzählung und Symbolik das Drama in England revolutionierte und spätere Dramatiker tief beeinflusste.

In den 1950er und 1960er Jahren setzte sich Becketts Dramatik mit einer Reihe von Meisterwerken fort, darunter Endgame, Krapp’s Last Tape und Happy Days. Er schrieb seine ersten Hörspiele und schuf innovative Prosa-Fiktionen, darunter How It Is (1961) und The Lost Ones (1970).

In den 1970er Jahren interessierte sich Beckett weiterhin für die Produktion seiner Stücke, schrieb Fernsehstücke für die BBC und gründete die autobiografische Romanfirma. In den 1980er Jahren schuf er mehr Prosawerke (Ill Seen Ill Said und Westward Ho) und mehr Theaterstücke (einschließlich Rockaby und Ohio Impromptu). Sein letztes großes Werk war Stirrings Still (1986).

1986 begann Beckett an einem Emphysem zu leiden. Nach seinem ersten Krankenhausaufenthalt schrieb er im Bett und produzierte sein letztes Werk, das Gedicht „Was ist das Wort.“ Nach dem Umzug in das Pflegeheim Le Tiers Temps hinderte Becketts sich verschlechternder Gesundheitszustand ihn daran, neu zu schreiben, aber er übersetzte weiterhin frühere Werke. Suzanne starb am 17.Juli 1989 und Beckett starb am 22.Dezember desselben Jahres. Er ist auf dem Friedhof Montparnasse in Paris begraben.

Beckett erhielt 1969 den Nobelpreis für Literatur, nahm aber nicht an der Preisverleihung teil.

ZUSAMMENFASSUNG DER HANDLUNG

Das Stück beginnt mit der Festlegung der einzigen Mise-Enscéne des Stücks. Clov beginnt sein tägliches Ritual, die Vorhänge zweier Fenster (zuerst des Meeresfensters und dann des Erdfensters) zurückzuziehen. Er entdeckt zwei Ashbins und dann Hamm, der noch schläft. Clov liefert den eröffnenden Monolog des Stücks und stellt die thematische Spannung zwischen Charakteren, die ein Ende suchen, entweder zum Leben oder zu ihren gewohnheitsmäßigen Lebensstilen, und ihrer Impotenz, die Mittel zu diesem Zweck zu aktivieren. Clov sagt: „Ich kann nicht mehr bestraft werden“, was seine Unzufriedenheit als Hamms Diener verstärkt und seinen Wunsch zum Ausdruck bringt, Hamm ganz zu verlassen.

Hamm hält sein erstes Monolog und wir werden in die Meister-Diener-Beziehung zwischen Hamm und Clov eingeführt. Hamm spricht sein blutbeflecktes Taschentuch als „Old Stancher“ an und ist überzeugt, dass sein Leiden größer ist als alle anderen und etabliert die doppelte Metapher im ganzen Stück: die Rhetorik von Schachstrategie und Drama als Spiel und Wettbewerb. Der Dialog des Stücks beginnt mit dem Wort „fertig“ und Hamm drückt seinen Wunsch aus, den Tag mit dem Schlafengehen zu beginnen. Hamm hat Angst, allein gelassen zu werden und wird alles tun, um Clov bei sich zu behalten. Hamm bittet Clov um sein Schmerzmittel und Clov bestreitet ihn. Dies ist das erste von sechs Mal, dass Hamm Clov während des gesamten Spiels nach seinem Schmerzmittel fragt. Später, als Hamm Clov fragt, warum er ihn nicht tötet, Clov sagt ihm, dass es daran liegt, dass er die Kombination des Schranks nicht kennt, in dem die Lebensmittelvorräte aufbewahrt werden. Hamm entlässt Clov in die Küche und züchtigt dann seinen Vater, Nagg, der aus einem der Ashbins hervorgegangen ist, Essen verlangen. Hamm pfeift Clov ein, um Nagg zu füttern, und dann befiehlt Hamm Clov, Nagg zurück in den Mülleimer zu schieben und den Deckel zu schließen. Hamm versucht weiterhin, Clov ins Gespräch zu bringen, scheitert jedoch.

Nell, Hamms Mutter, wird nun vorgestellt. Sowohl sie als auch Nagg, die beiden älteren Charaktere des Stücks, sind in Ashbins, und obwohl sie auf diese Ashbins beschränkt sind, Sie streben immer noch nach Liebe und Romantik:

NELL: Was ist das, mein Haustier? (Pause.) Zeit für Liebe?

NAGG: Hast du geschlafen?

NELL: Oh nein!

NAGG: Küss mich!

NELL: Wir können nicht.

NAGG: Versuch es. (Ihre Köpfe spannen sich aufeinander zu, treffen sich nicht, fallen wieder auseinander.)

NELL: Warum diese Farce, Tag für Tag?

Nagg und Nell diskutieren über ihren Verlust an Sehvermögen, Gehör und Zähnen und wüten gegen Hamm, weil sie ihnen keine ausreichende Nahrung und keinen regelmäßigen Wechsel des Sägemehls in ihren Aschenbechern zur Verfügung gestellt haben. Sie erzählen einander Witze und erinnern sich an ihre romantische Jugend. Einer der Witze, die Nagg erzählt, ist von einem alten jüdischen Schneider, der mehr als drei Monate brauchte, um eine anständige Hose herzustellen, deren Ergebnisse zufriedenstellender waren als Gottes sechstägige Bemühungen, die Welt zu erschaffen.

Hamm, genervt von ihrer Nostalgie, unterbricht seine Eltern, um ihnen mitzuteilen, dass er in körperlicher Not ist. Nagg lacht über Hamms Schmerz. Nell räumt ein, dass „nichts wirklich lustiger ist als Unglück.“ Hamm fordert Schweigen und bittet um ein Ende seiner Qual: „Wird das niemals enden?“ Nagg verschwindet im Aschenbecher, aber Nell bleibt. Hamm ruft: „Mein Königreich für einen Nachtmenschen!“ (ein Stück über Shakepeares Richard III. „Mein Königreich für ein Pferd!“ rede) und winkt Clov, ihn von Nagg und Nell zu befreien.

Als nächstes folgt der erweiterte Dialog zwischen Hamm und Clov. Hamm zeigt, dass er im Mittelpunkt steht. Clov lehnt Hamm erneut sein Schmerzmittel ab (zum dritten Mal), und Hamm verlangt, dass Clov ihn in seinem Sessel durch den Raum führt, woraufhin er genau in der Mitte des Raumes landet. Während der Tour legt Hamm seine Hand gegen die Wand und sagt: „Jenseits ist die … andere Hölle.“

Hamm weist Clov an, die Wetterbedingungen draußen durch das Erdfenster und das Meeresfenster über das Teleskop zu beobachten. Was folgt, könnte aus einem Charlie Chaplin-Film für Becketts Slapstick-Mätzchen in Clovs Verwirrung darüber stammen, zuerst die Leiter oder das Teleskop zu bekommen. Hamm fordert den Wetterbericht, und Clov, Bewegen mit der Leiter und Teleskop auf Hamms Befehl, ist schließlich in der Lage, ihn zu informieren, dass sowohl die Erde und das Meer Fenster sind „corpsed.“ Diese Erkenntnis bestätigt Hamms schlimmste Befürchtungen, dass außerhalb ihres Tierheims nichts existiert. Für Hamm gibt es nichts auf der Welt, und die einzige Schlussfolgerung ist Tod und Aussterben.

Hamm verhört Clov weiter, der versucht, die Diskussion zu ändern, indem er ankündigt, dass er einen Floh in seiner Hose gefunden hat. Dieses Lebenszeichen stört Hamm, der Clov leitet, „Aber die Menschheit könnte von vorne anfangen! Fang ihn, um Gottes willen!“ Clov fährt in einem Chaplin-ähnlichen Szenario fort und versucht, sich vom Floh zu befreien, bevor sie fortfahren:

HAMM: Hast du ihn erwischt?

CLOV: Sieht so aus. (Er lässt die Dose fallen und passt seine Hose an. Es sei denn, er legt Doggo.

HAMM: Verlegung! Lügen meinst du. Es sei denn, er lügt Doggo …. Benutze deinen Kopf, nicht wahr. Wenn er lügen würde, wären wir ed.

Während düster, Beckett kombiniert die Elemente der Tragödie und Komödie einwandfrei. Hamm und Clov besprechen ihre Fluchtmöglichkeiten aus ihrer Situation. Sie diskutieren die Möglichkeit, mit einem Floß nach Süden durch möglicherweise von Haien befallene Gewässer zu fahren. Hamm bittet Clov zum vierten Mal um sein Schmerzmittel, und Clov weigert sich erneut. Hamm erzählt Clov, „Eines Tages wirst du blind sein, wie ich. Du wirst dort sitzen, ein Fleck in der Leere, für immer, wie ich …. Ja, eines Tages wirst du wissen, was es ist, du wirst wie ich sein, nur dass du mit niemandem Mitleid gehabt hast und weil es niemanden mehr geben wird, der dich bemitleidet.“ Hamm hofft, Clov davon abzuhalten, zu gehen, und erinnert ihn daran, dass er ihn als Kind aufgenommen und sich um ihn gekümmert hat, als würde sich ein Vater um sein eigenes Kind kümmern. Während das wahr sein mag, droht Clov wieder zu gehen. Hamm bittet Clov, ihm den Spielzeughund zu holen, den Clov gemacht hat.

Clov holt den Spielzeughund heraus, der nur drei Beine hat. Wie die Charaktere des Stücks ist auch der Spielzeughund verkrüppelt. Hamm nimmt glücklich den Hund. Dieser Teil wird von der Diskussion darüber dominiert, was „am Ende vor sich geht.“

Der nächste Abschnitt entwickelt Clovs Rebellion gegen Hamm. Hamm fordert sein Gaff, kann sich aber ohne Clovs Hilfe nicht bewegen. Hamm erzählt die Geschichte eines verrückten Malers, der im Glauben, das Ende der Welt sei gekommen, in eine Irrenanstalt eingewiesen wurde. Hamm besuchte ihn und führte ihn zum Fenster, um ihm die reiche Welt draußen zu zeigen, aber der Maler zog sich in seine Ecke zurück, weil „alles, was er gesehen hatte, Asche war.“

Auf die Frage von Hamm, ob „dieses Ding lange genug gedauert hat“, stimmt Clov zu, und während Hamm feststeckt, kann Clov Hamm verlassen. Hamm bittet um einen Abschiedskuss, aber Clov lehnt ab. Hamm fragt, wie er wissen soll, ob Clov in seiner Küche gegangen ist oder nicht, da der Gestank verrottender Leichen überall ist. Clovs Antwort ist, den Wecker zu stellen: Wenn es klingelt, ist er weg, wenn nicht, ist er tot. Clov stellt den Wecker auf und es klingelt:

CLOV: Das Ende ist grandios!

HAMM: Ich bevorzuge die Mitte.

Hamm bittet zum fünften Mal um sein Schmerzmittel und Clov verweigert ihm erneut. Hamm bittet Clov, Nagg aufzuwecken. Hamm verspricht Nagg eine Zuckerpflaume, wenn er sich eine Geschichte anhört, die Hamm erzählen möchte. Nagg stimmt zu. Als nächstes folgt ein langer Monolog von Hamm. Hamm erinnert sich an einen armen Mann und sein Baby, die an Heiligabend einmal Hamms Freundlichkeit gesucht hatten. Hamm erzählt die Geschichte mit Eifer und erinnert sich an seine eventuelle Zustimmung, den Mann in seinen Dienst zu stellen und für seinen Sohn zu sorgen. Es wird klar, dass die Geschichte, die Hamm erzählt, die von Clovs Vater ist und wie Clov zu Hamm kam. Hamm genießt seine Macht über die anderen.

Hamm betet zu Gott um Erlösung. Hamm befiehlt sowohl Clov als auch Nagg, zu Gott zu beten, aber Hamm schreit qualvoll: „Der Bastard! Er existiert nicht!“ Nagg verflucht Hamm: „Ja, ich hoffe, ich werde bis dahin leben, um zu hören, wie du mich anrufst, als du ein kleiner Junge warst und Angst hattest, im Dunkeln, und ich war deine einzige Hoffnung.“ Nagg, unfähig, Nell dazu zu bringen, auf seine Schläge auf ihren Aschenbecherdeckel zu reagieren, geht zurück in seinen Aschenbecher und schließt den Deckel.

Hamm erzählt seine Geschichte weiter. Hamm schickt Clov, um zu sehen, ob Nell tot ist. Clov antwortet: „Sieht so aus.“ Hamm bittet Clov zu überprüfen, ob Nagg tot ist. Clov hebt Naggs Aschenbecherdeckel und sagt: „Sieht nicht so aus.“ Hamm fragt, was er tut, und Clov antwortet: „Er weint“, worauf Hamm sagt: „Dann lebt er.“

Hamm dreht sich wieder durch den Raum. Auch hier gibt es kein Licht von der Erde, und das Meer ist ruhig. Hamm akzeptiert den Zustand der Welt und bittet um seinen Vater, erhält aber keine Antwort. Clov wird geschickt, um zu sehen, ob Nagg einen von Hamms beiden Anrufen gehört hat. Clov berichtet, dass Nagg nur einen Anruf gehört hat, aber nicht sicher ist, ob es Hamms erster oder zweiter Anruf war.

Hamm bittet um einen Schoßteppich, den Clov nicht zur Verfügung stellt. Clov weigert sich, Hamm Zuneigung zu zeigen, als Hamm um einen Kuss bittet. Hamm fragt nach seinem Spielzeughund, ändert dann aber seine Meinung. Clov geht in die Küche, um die Ratte zu töten, die er dort entdeckt hat, bevor sie stirbt.

Hamms nächster Monolog beginnt ruhig und nostalgisch und baut Schuldgefühle sowie Neugierde auf, was nach dem Ende des Stückes passiert.

HAMM: Da werde ich sein, im alten Tierheim, allein gegen mein Schweigen und … (er zögert) … die Stille. Wenn ich meinen Frieden halten kann, und ruhig sitzen, es wird alles vorbei sein mit Ton, Bewegung, alles vorbei und fertig.

Clov konnte die Ratte in der Küche nicht töten und die Zeit für Hamms Schmerzmittel ist endlich gekommen. Clov teilt Hamm nun nach all seinen Anfragen mit, dass der Vorrat aufgebraucht ist. Clov erwägt ernsthaft, Hamm zu verlassen. Hamm sagt Clov, er solle die Welt draußen betrachten, „da sie dich anruft.“

Clov hält seinen letzten Monolog und erkennt, dass er leiden lernen muss. Er und Hamm diskutieren über den Zustand der Außenwelt und Hamm protestiert, dass es ihm egal ist, was passiert ist. Clov erinnert Hamm daran, dass er sich geweigert hat, Mutter Pegg Öl für ihre Lampe zur Verfügung zu stellen, und erzählt Hamm weiterhin hart, dass Mutter Pegg an Dunkelheit gestorben ist. Und so glauben wir, dass Mutter Peggs Tod zum Teil Hamm zu verdanken war.

Hamm fragt nach dem Spielzeughund und Clov schlägt ihm damit auf den Kopf. Hamm plädiert dafür, dass Clov eine Axt oder Gaffel benutzt. Als Clov verkündet, dass es keine Särge mehr gibt, sagt Hamm: „Dann lass es enden!“ Hamm und Clov beenden ihre Beziehung und vereinbaren, getrennte Wege zu gehen.

Hamms letzter Monolog beginnt: „Altes Endspiel von alt verloren, spielen und verlieren und haben mit dem Verlieren fertig.“ Clov, gekleidet für seine Abreise, tritt ein und beobachtet Hamm. Nach seinem Monolog ruft Hamm zweimal nach seinem Vater. Es gibt keine Antwort. Hamm wirft dann den Spielzeughund und seine Pfeife weg und ruft nach Clov, der nicht antwortet. Hamm bedeckt sein Gesicht mit „Old Stancher“, dem blutbefleckten Taschentuch. Hamm, blind und gelähmt, scheint sich gegen das Leben entschieden zu haben. Clov, der in seiner Reisekleidung steht, wird mit der Wahl konfrontiert, zu bleiben oder zu gehen und in einer unbekannten Welt zu leben. Ob das klappt oder nicht, weiß Clov weder, noch das Publikum.

CHARAKTERE

Clov

Clov ist Hamms Diener, und er folgt den Wünschen seines Herrn, obwohl er schrecklich behandelt wird. Verkrüppelt, aber nicht handlungsunfähig, ist Clov in der Lage, das Tierheim zu verlassen, das er sein ganzes Leben lang gekannt hat, und sein Risiko in der „anderen Hölle“ jenseits der Mauern einzugehen. Clov zeigt, dass er in der Lage ist, Aufgaben und Leben zu bewältigen, und am Ende des Stücks bereitet er sich darauf vor, Hamm zu verlassen und seine Chancen in der Außenwelt zu nutzen.

Hamm

Hamm stirbt in einer Welt, die zu enden scheint. Hamm ist blind und an einen Rollstuhl gefesselt. Er ist egoistisch und will immer im Mittelpunkt stehen und hält sich für einen gottähnlichen Charakter. Er beschimpft seinen Diener Clov, von dem er völlig abhängig ist. Seine Eltern, Nagg und Nell, leben in Ashbins und tauchen gelegentlich auf, nur um von ihrem Sohn beschimpft zu werden. Obwohl die Welt vielleicht zu Ende geht, ist Hamm zufrieden zu wissen, dass vielleicht alle Existenz zum Aussterben führen kann. Er hofft, lange genug zu existieren, nur um seinen Vater zu überleben.

Nagg

Nagg ist Hamms Vater. Er und seine Frau leben jetzt in Ashbins, nachdem sie vor Jahren bei einem Fahrradunfall ihre Beine verloren hatten. Obwohl ihre derzeitige Situation düster ist, gibt es Momente im Stück, in denen wir verstehen, dass Nagg und Nell in ihrer Jugend eine große und wundersame Liebe hatten. Sie greifen immer noch nach dieser Liebe, trotz der schrecklichen Bedingungen und ihres undankbaren Sohnes.

Nell

Nell ist Hamms Mutter. Sie lebt wie Nagg in einer Mülltonne und hat auch ihre Beine bei dem Fahrradunfall vor Jahren verloren. Sie stirbt in dem Stück zur großen Not von Nagg.

Leben oder sterben?

Die Figuren, gefangen in ihrem Einzelzimmer, beschäftigen sich mit Routinen und Aufgaben. Hamm ist gelähmt und blind, Nagg und Nell können ihre Aschenbecher nicht verlassen, und die Handlung des Stücks findet in einem einzigen Raum statt, außerhalb dessen das Leben offensichtlich nicht überleben kann. Diese Charaktere haben Mühe, weiterzumachen oder Maßnahmen zu ergreifen, und die Maßnahmen, die sie ergreifen, sind oft stagnierend und unscheinbar. Jeder ist für sein Überleben von einem anderen abhängig und stellt niemals den Nutzen eines fortgesetzten Lebens in Frage und belästigt nag oft für das ultimative Schmerzmittel — den Tod.

Die Existenz Gottes wird ebenfalls in Frage gestellt und indirekt geleugnet, indem ein düsteres Bild des Lebens als hart und ohne Erlösung gezeichnet wird, geleitet von den Bedürfnissen behinderter Tyrannen wie Hamm. Als Hamm sowohl Clov als auch Nagg befiehlt, zu Gott zu beten, ruft Hamm qualvoll: „Der Bastard! Er existiert nicht!“ Hamm und die anderen Charaktere haben in ihrem stagnierenden Elend und ihren Frustrationen keinen Glauben an ein wohlwollendes Versprechen Gottes, ihre Angst zu begnadigen oder zu erlösen. Das Leben scheint ein gnadenloser Kreislauf von Verlangen und Trauer zu sein, von Behinderungen und Ashbins, und, zu diesen Charakteren, Der Tod ist keine Belohnung dafür, diesen Zyklus zu ertragen. Die Charaktere von Endgame manövrieren sich durch ein Leben voller emotionaler Auseinandersetzungen, die den Tod vorwegnehmen, obwohl ihnen die Mittel fehlen, um ihn alleine zu erreichen.

Interdependenz

Eines der offensichtlichsten Themen von Endgame ist die Notwendigkeit der Interdependenz, auch wenn die Beziehung eine des Hasses ist. Clov, zum Beispiel, hängt von Hamm für Lebensmittel ab, da Hamm der einzige ist, der die Kombination zum Schrank kennt. Hamm setzt bei Bewegung und Sicht komplett auf Clov. Kritiker vergleichen Endgame oft mit Becketts vorherigem Drama Waiting for Godot und stellen fest, dass die Charaktere in beiden Stücken paarweise gruppiert sind. Endgame ist düsterer und verwirrender, weil ihm die Hoffnung auf Erlösung fehlt, die das Warten auf Godot enthält.

Generationenkonflikt

Generationenkonflikt, insbesondere zwischen Vater und Sohn, taucht ebenfalls als prominentes Thema auf. Hammond erzählt eine Geschichte über Vater und Sohn und scheint Eltern-Kind-Beziehungen nur in Bezug auf Macht und Ressentiments zu sehen. Kritiker haben argumentiert, dass Hamm Nagg, seinem Vater, übel nimmt, weil er in jungen Jahren nicht freundlich zu ihm war, während Hamm Clov, seinem Sohn, übel nimmt, weil er in einer Zeit jung ist, in der sein eigenes Leben im Niedergang begriffen ist. Endgame wurde auch als Darstellung der Verweigerung von Lebensprozessen wie Tod und Fortpflanzung durch die Menschheit interpretiert.

MEDIENADAPTIONEN

Das Beckett on Film DVD Set wurde 2002 von Ambrose Video auf DVD veröffentlicht und ist die erste filmische Vorführung aller neunzehn Stücke von Samuel Beckett. Das gefeierte Beckett on-Filmprojekt bringt einige der angesehensten Regisseure und Schauspieler zusammen, die heute arbeiten. Zu den Regisseuren gehören Atom Egoyan, Damien Hirst, Neil Jordan, Conor McPherson, Damien O’Donnell, David Mamet, Anthony Minghella, Karel Reisz und Patricia Rozema. Das außergewöhnliche schauspielerische Talent umfasst Michael Gambon, den verstorbenen Sir John Gielgud, John Hurt, Jeremy Irons, Julianne Moore, Harold Pinter, Alan Rickman und Kristen Scott-Thomas. Einige der Filme aus dem Beckett on-Filmprojekt wurden auf internationalen Filmfestivals auf der ganzen Welt ausgestellt, darunter New York, Toronto und Venedig.

Artistik

Endgame ist eine selbstreflexive Arbeit, in der oft die Hand Becketts zu sehen ist. Zum Beispiel nimmt Hamms Erzählung in der Entwicklung seiner Persönlichkeit einen eigenen Lauf, während sie gleichzeitig die Idee der Schöpfung kommentiert und auf den kreativen Prozess eines Autors anspielt. Am Ende der Geschichte spricht Hamm über die Schwierigkeit der Schöpfung:

CLOV: Wird es bald enden?

HAMM: Ich fürchte, das wird es.

CLOV: Pah! Du wirst einen anderen erfinden.

HAMM: Ich weiß es nicht. (Pause.) Ich fühle mich ziemlich ausgelaugt. Die verlängerte kreative Anstrengung.

Die Charaktere nehmen in Endgame zahlreiche, explizite Verweise auf ihre Rolle als Charaktere in einem Stück vor. Hamm bei one-Point-Staaten: „Ich bin Aufwärmen für mein letztes Monolog.“ Clov kündigt in einem anderen Fall an: „Das nennen wir einen Ausstieg.“ Solche selbstreflexiven Verweise auf die Handlung des Stücks sind repräsentativ für die Moderne und deuten auch auf die Neigung der Menschheit zur Dramatisierung hin, dem Leben Sinn zu geben und zum Verständnis der Welt beizutragen.

Humor

„Nichts ist lustiger als Unglück.“ Obwohl Endgame dunkel ist, gibt es Humor im Spiel. Clovs Verwirrung darüber, welche Gegenstände er zuerst holen sollte, und seine Possen mit der Leiter könnten direkt aus einem Film mit Charlie Chaplin stammen, den Beckett bewunderte. Beckett kommentierte Endgame selbst und identifizierte den Satz „Nichts ist lustiger als Unglück“ als Schlüssel zur Interpretation und Aufführung des Stücks.

STIL

Worte und Regieanweisungen

Die visuelle Performance und der selbstreflexive Dialog von Endgame erinnern das Publikum ständig daran, dass es sich um eine Aufführung von Schauspielern handelt. Hamm brütet: „Alle Arten von Fantasien! Dass ich beobachtet werde!“ Dies sagt dem Publikum, dass sie Teil der Struktur des Stücks sind, genauso wie Worte, körperliche Bewegung, Beleuchtung, Pfeifen, Hunde, Leitern, Fenster und Stille ihre Rollen spielen. Beckett verwendet Bühnenanweisungen, um dynamische Beziehungen zwischen Charakteren und den Dingen herzustellen, die sie zum Leben benötigen: Hamm braucht seinen Sessel, und Nagg und Nell benötigen ihre Ashbins. Beckett schafft eine lebendige physische Welt, um den kraftvollen und reduzierten Dialog zu ergänzen.

Beckett präsentiert die Unfähigkeit der Charaktere, durch abstrakte Sprache und stagnierende dramatische Struktur zu verstehen. Beckett hat seine Worte und Sätze abgespeckt und auseinander gebrochen. Wörter können sich widersprechen und sind oft elliptisch. Clov spricht die erste Zeile des Stücks aus: „Fertig, es ist fertig, fast fertig, es muss fast fertig sein.“ Indem Beckett das Spiel mit dem Wort „Fertig“beginnt, lenkt er unsere Aufmerksamkeit auf das Ende. Während Becketts Figuren sich selbst und die Welt um sie herum suchen, spiegelt die Sprache das prekäre Gleichgewicht zwischen Verständnis und Verwirrung wider.

THEMEN FÜR WEITERE STUDIEN

Beckett wird oft als Vorläufer der absurden Bewegung im Theater angesehen. Lesen Sie Harold Pinters The Dumb Waiter und David Mamets Glengarry, Glen Ross, und schreiben Sie einen Aufsatz darüber, wie Sie denken, dass ihr Schreiben von Samuel Beckett beeinflusst wurde.
Nagg und Nell, Hamms Eltern, sind während des Spiels in Ashbins. Welchen Einfluss hat dies auf die Gesellschaft und unsere Vorstellungen und unseren Umgang mit älteren Menschen?
Becketts Stücke sind voller Rituale. Welche Rituale führt Clov für Hamm durch, und was sagt das über die Meister-Diener-Beziehung aus, in der sie sich befinden?
Endgame enthält mehrere Elemente der Komödie. Wie fühlen Sie sich diese Elemente in Bezug auf den Gesamtton des Spiels arbeiten? Warum benutzt Beckett Comedy auf diese Weise? Was sagt Beckett über das Leben und die Natur der Komödie?

Becketts Nebenhandlung

Samuel Becketts Handlungen zeichnen sich durch das Fehlen der klassischen dramatischen Struktur aus. Die Nebenhandlung von Endgame ist die von Hamms Eltern, Nagg und Nell. Es ist klar, dass sie in ihrer Jugend eine romantische Liebe hatten, aber sie leben jetzt in Ashbins und werden von ihrem Sohn nicht gut versorgt. Am Ende des Spiels sind sowohl Nagg als auch Nell tot, ohne während des gesamten Spiels viel Befriedigung erfahren zu haben. In der Tat sind die meisten ihrer Interaktionen Versuche, sich an ihr vergangenes Glück zu erinnern oder ihre derzeitige hilflose Situation zu ertragen.

Theater des Absurden

Das Drama, das als Theater des Absurden bekannt ist, beginnt in den 1950er Jahren. Endgame, Becketts erstes Stück nach dem Warten auf Godot, setzt die Tradition fort, die das Warten auf Godot begründete.

HISTORISCHER KONTEXT

Nukleare Fähigkeiten

Obwohl Beckett die Charaktere und Aktionen von Endgame nicht zu einer bestimmten Zeit und an einem bestimmten Ort platziert, kann das einzige Set des Stücks als Luftschutzbunker betrachtet werden, nachdem eine Atombombe gezündet und viel, wenn nicht alles Leben außerhalb des Schutzraums zerstört hat. Dies war sicherlich eine drohende Angst, als Beckett das Stück schrieb und als es 1957 aufgeführt wurde. Obwohl diese Angst heute noch vorhanden ist, war sie 1957 auf einem Allzeithoch, und die Wahrscheinlichkeit eines solchen Ereignisses schien nur allzu möglich und nahe.

Der Kalte Krieg

Die späten 1950er und 1960er Jahre waren geprägt vom Kalten Krieg, einer intensiven Rivalität zwischen den Vereinigten Staaten und ihren Verbündeten gegen die Sowjetunion. Nach dem Zweiten Weltkrieg war Europa in zwei Machtzonen geteilt, einen kapitalistischen Westen und einen sozialistischen Osten. Die Rivalität wurde bald weltweit, und es bestand immer die Gefahr, dass sie sich zu einem umfassenden Atomkrieg hätte entwickeln können. Der Kampf wurde 1950 gewalttätig, als das kommunistische Nordkorea in Südkorea einmarschierte und den Koreakrieg begann, der mit der Teilung des Landes endete.

Die Eisenhower-Doktrin

Die Eisenhower-Doktrin, die am 5. Januar 1957 vom Präsidenten der Vereinigten Staaten, Dwight D. Eisenhower, angekündigt wurde, versprach jedem Land im Nahen Osten, das Hilfe im Widerstand gegen die kommunistische Aggression benötigte, militärische und wirtschaftliche Unterstützung. Die Doktrin markierte eine weitere Eskalation im Kalten Krieg und sollte den zunehmenden sowjetischen Einfluss im Nahen Osten und die zunehmend starke sowjetische Unterstützung der arabischen Staaten verhindern.

Die Absurdisten

Von den als Absurdisten bekannten französischen Schriftstellern waren Arthur Adamov, Eugène Ionesco, Jean Genet und Samuel Beckett die bedeutendsten. In den späten 1930er und frühen 1940er Jahren versuchten Schriftsteller, dramatische Konventionen zu stürzen und das Publikum mit etwas Neuem herauszufordern. Antonin Artaud schrieb Das Theater und sein Double (1938), das ein „Theater der Grausamkeit“ befürwortete, und 1943 Jean-Paul Sartre schrieb Sein und Nichts und kein Ausgang, die Sartres existentialistischen Standpunkt dramatisieren. Sartres Standpunkt, kombiniert mit Albert Camus ‚Schriften, lieferte die Bausteine für die absurde Bewegung, die in den frühen 1950er Jahren Gestalt annahm.

1952 brachte Ionesco sein Stück The Chairs zur Uraufführung, das ein hervorragendes Beispiel für das Theater des Absurden ist. Erst 1953 und mit der Uraufführung von En Attendant Godot oder Waiting for Godot erreichte absurdism ein populäres und internationales Publikum.

Warten auf Godot ist vielleicht das bekannteste Werk der absurden Bewegung. Die Tragikomödie in zwei Akten erzählt die Geschichte zweier alter Männer, Vladimir und Estragon, die sich nicht entscheiden können, ob sie gehen oder bleiben und auf Godot warten sollen, der möglicherweise ankommt oder nicht und sie aus ihrer verzweifelten Situation rettet. Endgame bringt diesen Kampf auf die nächste Ebene, während Hamm und Clov mit der Bedeutung des Lebens kämpfen, wenn es überhaupt welche gibt. Becketts Bedeutung für die absurde Bewegung ist offensichtlich, aber zu sagen, dass er ein absurder Schriftsteller ist, gibt seinem breiten Spektrum an Arbeiten nicht die volle Anerkennung. Becketts Schreiben hebt sich von den anderen absurden Werken durch Einfallsreichtum, Universalität und Menschlichkeit ab.

KRITISCHER ÜBERBLICK

Als Endgame 1957 eröffnet wurde, beschrieb Beckett das Ereignis als „ziemlich düster, wie das Spielen mit Mahagoni oder eher Teakholz.“ In der Tat fanden die meisten Kritiker das Stück verwirrend oder sie mochten es nicht. Kenneth Tynan im Observer sagte, Becketts neues Stück habe „klar gemacht, dass sein Zweck weder darin besteht, uns zu bewegen noch uns zu helfen. Für ihn ist der Mensch ein Pygmäe, der an seiner eigenen unvermeidlichen Erniedrigung leidet.“ Marc Bernard in Nouvelles litteraires sagte, dass er ständig den Eindruck hatte, dass er einem mittelalterlichen Fantasy- oder Comic-Gedicht zuhörte, in dem allegorische Charaktere, falsche Scholastik und aristotelisches Denken zu einer Mischung gemacht wurden, in der Metaphysik plötzlich einen Farce-Ton annahm. Er betrachtete Hamm als „den Intellektuellen, gelähmt, blind so gesprächig wie ein Arzt des vierzehnten Jahrhunderts. Auf ihn wartet der gemeine Mann, auf halbem Weg zwischen Mensch und Tier,“ dem“ ein ähnliches Aussehen verliehen wurde: lange, baumelnde Arme, geschwungener Rücken. Der Vater und die Mutter des Intellektuellen werden in zwei Mülleimer gestopft; Von Zeit zu Zeit wird ein Deckel angehoben und einer der Eltern beginnt zu reden.“ T. C. Worsley sagte in The Listener über das Warten auf Godot: „Mr. Becketts Neurose und meine waren ziemlich lange Zeit auf dem gleichen Thema; in Endgame verhedderten sie sich nie. Er hat in Endgame … nicht die öffentlichen, sondern die privaten Bilder erweitert. Er hat sich nicht auf das konzentriert, was zwischen seinem Publikum und ihm gemeinsam ist, sondern auf das, was in ihm privat ist.“

Als Endgame 1980 am Broadway unter der Regie von Jopseh Chaikin mit Daniel Setzer als Hamm und Michael Gross als Clov produziert wurde, galt es als Klassiker. Mel Gussow schrieb in der New York Times: „Mr. Chaikin und Mr. Setzer vergessen nie das Vorzeichen des Stücks, aber sie verkürzen auch nicht seinen beißenden Humor. Der Regisseur nähert sich Endgame als ein Juwel, das gespielt werden muss, als ein Stück, das aufgeführt werden muss. Herr Chaikin ist ein experimenteller Künstler, der im Umgang mit Klassikern gewissenhaft ist.“ Er schließt: „Das Spiel ist tiefgründig. Das Schauspiel ist erstaunlich.“

KRITIK

Daryl McDaniel

McDaniel ist ein Schriftsteller mit einem Bachelor-Abschluss der University of Michigan. Im folgenden Essay diskutiert McDaniel Becketts Endspiel.

Samuel Becketts Schreiben kann ein Rätsel sein. Es gibt keine endgültigen Positionen oder absoluten Interpretationen. Endgame ist jedoch ein einzigartiges Meisterwerk mit einer komplizierten dramatischen Struktur, die der traditionellen Theaterstruktur widerspricht.

VERGLEICHEN & KONTRAST

1950er Jahre: Die Vereinigten Staaten und die Sowjetunion sind über die Loyalität und Unterstützung des Nahen Ostens gespalten. Die Angst vor einem Atomkrieg wächst.
Heute: Die Vereinigten Staaten und England führen Krieg mit dem Irak. Die Vereinigten Staaten führen weltweit Krieg gegen den Terrorismus. Nordkorea besitzt Atomwaffen, und das Potenzial für einen Atomkrieg scheint wieder nur allzu möglich.
1950er Jahre: Russische Wissenschaftler starten Sputnik in die Umlaufbahn und initiieren das Weltraumrennen zwischen den Vereinigten Staaten und Russland.
Heute: Ab den 1990er Jahren arbeiteten russische Kosmonauten mit amerikanischen Astronauten auf der Raumstation Mir zusammen. Die Vereinigten Staaten und Russland arbeiten weiterhin kooperativ in der Weltraumforschung und -forschung.
1950er Jahre: Eugene O’Neill wird posthum mit dem Pulitzer-Preis für Drama für Long Day’s Journey into Night ausgezeichnet.
Today: Topdog/Underdog von Suzan-Lori Parks gewinnt den Pulitzer-Preis für Drama.
1950er Jahre: Albert Camus erhält den Nobelpreis für Literatur „für sein bedeutendes literarisches Schaffen, das mit klarem Ernst die Probleme des menschlichen Gewissens in unserer Zeit beleuchtet.“
Heute: Imre Kertsz (Ungarn) erhält den Literaturnobelpreis „für ein Schreiben, das die fragile Erfahrung des Einzelnen gegen die barbarische Willkür der Geschichte verteidigt.“

Endgame war bahnbrechend, weil es es wagte, sich nicht an akzeptierte dramatische Regeln zu halten. Beckett

verwendet zirkuläre Dialoge, weigert sich, das Stück oder seine Charaktere mit etwas anderem als dem Nötigsten auszustatten, schafft jedoch eine komplexe fiktive und hoch theatralische Welt, in der seine Charaktere leben können. Beckett wählt seine Worte sorgfältig aus, und die Art des Dialogs ist kreisförmig, zum Beispiel in Hamms einleitendem Monolog: „Und doch zögere ich, ich zögere … zu enden. Ja, da ist es, es ist Zeit, es endete und doch zögere ich-(er gähnt)-zu beenden.“ Die Sprache, die Beckett verwendet, zeigt das prekäre Gleichgewicht zwischen Erkenntnis und Verwirrung. Der Zusammenbruch der Sprache spiegelt den Zusammenbruch der Fähigkeit der Charaktere wider, die Welt um sie herum wahrzunehmen. Seine Verwendung von selbstreflexiven Dialog informiert das Publikum, dass sie in einem Theater sitzen ein Spiel beobachten, anspielend auf das Spiel als „Spiel.“ So wie Beckett nur wenige Worte verwendet, entfernt er jegliches überflüssige Material aus seinem Spiel. Die Struktur von Endgame bricht mit der Theorie, die Jahrhunderte von Dramen und Tragödien geprägt hat. Aristoteles schrieb, dass Tragödie „eine Nachahmung einer Handlung ist.“ Beckett geht es nicht darum, eine Nachahmung oder Illusion der Realität zu schaffen und aufrechtzuerhalten. Beckett streift alle Details außer dem notwendigen Minimum aus, und das Detail, das er liefert, ist oft vage. Becketts Einsatz dramatischer Motivation ist ebenfalls minimal. Im traditionellen Drama werden die Motivationen eines Charakters dem Publikum klar gemacht, aber die Handlungen des Charakters im Endspiel sind eigenartig. Man möchte vielleicht ins Theater gehen, um Schlussfolgerungen und Antworten zu finden, aber Beckett präsentiert eine fiktive Welt, die so komplex ist wie die reale Welt, in der Schlussfolgerungen ungewiss und Antworten nicht leicht zu definieren sind. Endgame kann als die höchste Art von Theater angesehen werden, bei dem Ereignisse mitten im Leben des Publikums stattfinden, und es liegt in der Verantwortung des Publikums, aus dem, was präsentiert wird, das zu nehmen, was es kann, anstatt mit leicht erkennbaren Handlungen zwangsernährt zu werden. Trotz des Fliegens angesichts anerkannter Theatergeräte ist ein innovativer Dramatiker am Werk, der beschließt, Schach zu verwenden, um diese menschliche missliche Lage auszuspielen.

Beckett verwendet Schach als kontrollierende Metapher des Stücks und erforscht das menschliche Dilemma, die Sterblichkeit und die Existenz Gottes, ohne einfache Antworten zu geben, während sich seine Charaktere und das Publikum durch eine unsichere Existenz bewegen. Das Schachspiel wird zur Metapher, die einem scheinbar strukturlosen Spiel ein dramatisches Schema gibt. Die Charaktere in Endgame ähneln Schachfiguren. Der metaphorische König von Endgame steht im Mittelpunkt, und die Schachregeln gelten für die Charaktere, ihre Umgebung und ihre Situation. In Samuel Beckett: Der letzte Modernist schreibt Anthony Cronin:

Als es 1967 in Berlin produziert wurde, sagte Beckett zu einem der Schauspieler: ‚Hamm ist ein König in diesem Schachspiel, das von Anfang an verloren gegangen ist … Jetzt macht er endlich ein paar sinnlose Züge, wie es nur ein schlechter Spieler tun würde … Er versucht nur, das unvermeidliche Ende zu verzögern … Er ist ein schlechter Spieler.‘

WAS LESE ICH ALS NÄCHSTES?

Warten auf Godot (1953) ist Samuel Becketts bekanntestes Stück über zwei Landstreicher, die auf den schwer fassbaren Godot warten.
The Unnamable (1953) ist der dritte Roman von Becketts Trilogie, einschließlich Molloy (1951) und Malone Dies (1951). Alle drei Romane, die ursprünglich auf Französisch geschrieben wurden, sind innere Monologe, die dunkle Humorblitze enthalten.
Krapp’s Last Tape (1958) ist ein weiteres Bühnenstück von Beckett. Es besteht aus einem Monolog, in dem der alte Krapp versucht, die Intensität längst vergangener Tage wiederzuerlangen, indem er Aufnahmen seines jüngeren Selbst hört.
Eugène Ionsecos Stück Die Stühle (1958) handelt von einem Mann, der die Möglichkeit hatte, ein großartiges Leben zu führen, aber stattdessen ein einfaches Leben mit seiner Frau führte. Nach vielen Jahren beschließt er, der Gesellschaft sein Geheimnis zu erzählen. Die einzigen Charaktere im Stück sind der alte Mann, die Frau und die Person, die der alte Mann anstellt, um der Welt sein Geheimnis zu erzählen. Dieses Stück ist ein Grundnahrungsmittel des Theaters des Absurden.
David Mamets Glengarry Glenn Ross (1983) ist ein hervorragendes Beispiel für den Einfluss, den Beckett auf das Schreiben von Stücken hatte. Mamet wurde stark von Harold Pinter beeinflusst, dem Glengarry Glenn Ross gewidmet ist, und Pinter wurde stark von Beckett beeinflusst.
Harold Pinters The Birthday Party (1958) folgt Stanley, einem arbeitslosen Pianisten in einer Pension am Meer. Stanley wird auf mysteriöse Weise von zwei Eindringlingen bedroht und übernommen, die ihm eine bizarre Anklage wegen ungeklärter Verbrechen vorlegen.
Anthony Cronins Samuel Beckett: Der letzte Modernist (1997) ist eine ehrgeizige und gut geschriebene Biographie von Samuel Beckett, dem Schriftsteller, Künstler und Menschen.

Und das Publikum kann die Bewegungen des Königs sehen, sobald das Spiel eingerichtet wurde. Hamm und Clov können als König und Ritter angesehen werden, und Hamms Eltern, Nagg und Nell, fungieren als Bauern. Beckett betont dies weiter, indem er zwei verschiedene Farben verwendet, um seine Charaktere zu beschreiben. Bei der Einführung, Hamm und Clov haben beide ein „sehr rotes Gesicht.“ Nagg und Nell haben beide ein „sehr weißes Gesicht.“ Obwohl seine Figuren zwei unterschiedliche Farben haben, spielen sie nicht so kontrastreich wie in einem Standardschachspiel, das zwischen zwei Gegnern gespielt wird. Im Schach wird jede Figur nach bestimmten Regeln bewegt und vom Brett entfernt, wenn sie durch die Bewegung einer der gegenüberliegenden Figuren in ihr Quadrat gefangen genommen wird. Der König steht im Mittelpunkt des Spiels, da jeder Spieler versucht, den König des anderen Spielers Schachmatt zu setzen. Der König kann ein Feld in jede Richtung bewegen, aber jeweils nur ein Feld und kann nicht in Schach gehalten werden. Hamm, der verkrüppelte König von Endgame, kann sich nur mit Hilfe von Clov, dem Ritter des Stücks, bewegen, was letztendlich zu Hamms Tod führt. Die Bewegung des Ritters im Schach ähnelt einem Großbuchstaben L (zwei Quadrate vertikal gefolgt von einem zur Seite oder zwei zur Seite und einem nach oben oder unten). In der Literatur ist der Ritter oft der glühendste Beschützer des Königs – oder Betrüger. Beckett verwendet diese beiden Ideen mit Clov, der in einer Meister-Diener-Beziehung zu Hamm existiert. Clov verlässt schließlich Hamm (wenn das Publikum glaubt, dass Clov am Ende des Stücks geht), was Hamms Tod zur Folge hat. Die am wenigsten wertvolle aller Schachfiguren ist der Bauer. Bauern können nur ein Feld geradeaus bewegen, mit Ausnahme des ersten Zuges, der zwei Felder geradeaus sein kann. Es ist die einzige Schachfigur, die sich niemals rückwärts bewegen darf. Bauern haben besondere Privilegien, andere Figuren nicht. Becketts Bauern sind von der Art, die nicht in der Lage ist, auf dem Schlachtfeld, das ihr Schutz ist, voranzukommen. In Ashbins enthalten, sind sie machtlos, ihre eigene Agenda voranzutreiben, und sind gefangen und abhängig von ihrem Sohn Hamm.

Hamm, der König, ist für die Zwecke des Dramas das Zentrum aller Aktivitäten. Hamm ist sich seiner begrenzten sterblichen Macht und Fähigkeiten nur allzu bewusst, und er kämpft darum, das Schachspiel zu überleben, indem er versucht, die anderen Charaktere auf der Bühne zu dominieren. Aus Angst, die Kontrolle zu verlieren, die er hat, Hamm sagt Clov, er solle ihn in seinem Rollstuhl durch den Raum drehen. Als Clov, der gehorsame Ritter im Dienste seines Königs, ihn bewegt, beschwert sich Hamm über die geringste Ungenauigkeit seiner gewünschten Position und schreit Clov an, dass er ihn „etwas zu weit nach links“ oder „etwas zu weit nach rechts“ bewegt habe.“ Hamm versucht, seine Dominanz zu behaupten, wann immer er kann. Becketts gezielte Verwendung von Schach als zentrale Metapher des Stücks verstärkt die dramatischen Manöver, die Hamm und Clov in ihren täglichen Spielen miteinander entwickeln, während sie mit dem Zweck kämpfen, überhaupt weiterzumachen. In seinen verzweifelten Anfragen nach Schmerzmitteln schafft Hamm Geräte, die es ihm ermöglichen, noch einen Tag weiterzumachen. Clov hingegen übt seine Hassliebe zu Hamm durch seine engagierte Ausführung der täglichen Routinen aus. Ein Großteil ihres Dialogs impliziert eine innere Debatte jedes Charakters, der um die Kontrolle über den anderen wetteifert, wie wenn Clov fragt, „Warum behältst du mich?“ und Hamm antwortet: „Es gibt sonst niemanden.“ Clov antwortet: „Es gibt nirgendwo sonst.“ Hamm behauptet: „Du verlässt mich trotzdem.“ Clov, antwortet ehrlich: „Ich versuche es.“ Der König, Ritter, Bauer“ kann auch bei der Arbeit gesehen werden, wenn Hamm seinen Vater Nagg züchtigt, wenn er aus seinem Aschenbecher kommt und Essen verlangt. Hamm pfeift Clov ein, um Nagg zu füttern, und dann befiehlt Hamm Clov, Nagg zurück in den Mülleimer zu schieben und den Deckel zu schließen. Im Schachspiel sind Bauern in der Regel die ersten, die ihr Leben verlieren, und so ist es im Endspiel. Sowohl Nagg als auch Nell verfallen vor dem König; nur der Ritter überlebt.

Die Einstellung von Endgame hat ähnliche Einschränkungen in Zeit und Raum, wie Schach. Endgame spielt in einem einzigen Raum, der ein Luftschutzbunker sein kann oder nicht, nachdem ein Atomkrieg die Erde verwüstet hat. Becketts Charaktere existieren in einer Welt, die zu Ende zu gehen scheint, und hier kann das Publikum die Handlungen und Ideen von Becketts Charakteren im Vergleich zu einem Endspiel im Schach sehen. P. H. Clarke Notizen im Übersetzer vorwärts zu Schachenden: Grundlegendes Wissen, von Y. Averbakh:

Alle Mängel in der positionellen Beurteilung und Technik, die inmitten der Komplexität der Öffnungen und des Mittelspiels unbemerkt geblieben sind, werden hier rücksichtslos aufgedeckt; fehler heben sich in größerer Erleichterung ab und haben, was noch schlimmer ist, im Allgemeinen schwerwiegendere Folgen.

Becketts Charaktere wissen, dass die Welt und alles Leben außerhalb ihres bekannten Zufluchtsortes zerstört worden sein könnte — sie sind sich der schwerwiegenden Konsequenzen bewusst, mit denen sie konfrontiert sind, aber sie fühlen sich in dem kleinen Raum, in dem sie leben, etwas sicher (der Spielraum oder das Spielbrett). Hamm beschreibt die Welt, die außerhalb des bekannten Tierheims existiert, als „äußere Hölle.“ Wie der König in einem Schachspiel will Hamm nicht vom Spielbrett genommen werden, denn wenn er es ist, weiß er, dass er die Schlacht verloren hat. Denken und Wahl sind die bestimmenden Faktoren in jedem Schachspiel. Für den Schachmeister werden Züge im Voraus geplant, und es braucht Zeit, um Strategie und Position festzulegen. Der Meisterspieler bewegt sich über die Taktik hinaus zur Strategie – langfristige Planung in Vorbereitung auf spätere Aktionen. Keiner von Becketts Charakteren, wie die meisten Menschen im wirklichen Leben, sind Meisterspieler. Die Schachmetapher ist nicht einfach eine Übung, sondern eine Möglichkeit, die inkohärenten Ideen, wie sich die Menschheit mit sich selbst versöhnt, kohärent darzustellen. So wie der Schachspieler von Einschränkungen geplagt wird, sind es auch die Charaktere in Endgame.

Becketts Charaktere suchen nach einem Verständnis von sich selbst, während Beckett menschliche Grenzen und Sterblichkeit erforscht — während sie sich weiterhin der Frage nach der Bedeutung einer Person in einer möglicherweise gottlosen Welt zuwenden. So wie der König im Schach nur ein Feld nach dem anderen bewegen kann, fragt sich Hamm, warum er so begrenzt ist. In diesem Schachspiel untersucht Beckett den persönlichen Kampf und oft die Unfähigkeit, das eigene Selbst zu verstehen. Beim Blick in die Zukunft begegnen die Charaktere einer Komplexität von Strategie und Bewegung, die im Leben genauso real ist wie im Schach. Transformation kann schwierig zu lokalisieren sein. Beckett bietet keine leicht zu definierenden dramatischen Momente, in denen Veränderungen stattfinden, und Unterscheidung ist bestenfalls rutschig. Clov beschreibt eine Veränderung, die stattgefunden hat, ohne vollständig zu verstehen, was genau passiert ist:

Dann endet es eines Tages plötzlich, es ändert sich. Ich verstehe nicht, es stirbt, oder ich bin es. Das verstehe ich auch nicht. Ich frage die Worte, die bleiben – schlafen, Aufwachen, Morgen, Abend. Sie haben nichts zu sagen.

Hamm räumt auch dieses Phänomen ein: „Abwesend immer. Es passierte alles ohne mich. Ich weiß nicht, was passiert ist.“ So wie ein schlechter Schachspieler plötzlich feststellt, dass ihm das Endspiel und der potenzielle Sieg entgleitet, so tun es auch Becketts Charaktere. Als das Endspiel aus dem Griff gerät, fallen die Gedanken der Charaktere in die Sterblichkeit.

Die Charaktere in Endgame erkennen, dass sie sterblich sind. Die Wiederholungen und Routinen im gesamten Stück repräsentieren die gewohnheitsmäßige Natur des Menschen und implizieren, dass diese Gewohnheiten unser Bewusstsein, dass der Tod sicher und das Leben mysteriös ist, lindern. Die Charaktere diskutieren, was dem Leben einen Sinn geben und es lebenswert machen kann. Die Erfahrung im Leben sollte zu einer sinnvollen Existenz führen. Clov beschreibt in der zweiten Zeile des Stücks, was die Anhäufung von Erfahrungen sein sollte, die Bedeutung erzeugen: „Korn um Korn, eins nach dem anderen, und eines Tages gibt es plötzlich einen Haufen, einen kleinen Haufen, den unmöglichen Haufen.“ Diese Idee artikuliert Hamm gegen Ende des Stücks erneut: „Moment für Moment, prasselnd wie die Hirsekörner von … (Er zögert) … diesem alten Griechen, und das ganze Leben lang wartest du darauf, dass das zu einem Leben wird.“ Bei der Untersuchung ihres bisherigen Lebens müssen die Charaktere und das Publikum ihre Zukunft bestimmen. Für Clov besteht die Entscheidung darin, sein Risiko in der „äußeren Hölle“ einzugehen und die Sicherheit des einzigen Spielfelds zu verlassen, das er gekannt hat. Als Clov sich darauf vorbereitet, Hamm zu verlassen, gibt Hamm seine Niederlage zu. Hamm wirft seine weltlichen Besitztümer in Richtung des Publikums und legt sein Taschentuch über sein Gesicht, ein Akt des Königs, der das Spiel aufgibt.

Trotz seines eventuellen Verlustes wünschte Hamm während des gesamten Spiels persönliche Bedeutung. Becketts Stück gipfelt in der universellsten Frage von allen: gibt es einen Gott und sind wir ihm wichtig? Beckett bittet das Publikum zu überlegen, ob Gott existiert oder ob er ein Mythos ist, der vom Menschen erfunden wurde, damit der Mensch seine Angst vor dem Tod und seine Angst vor der Bedeutungslosigkeit lindern kann. In einer Szene, Hamm befiehlt Clov und Nagg, zu Gott zu beten, aber Hamm weint qualvoll, „Der Bastard! Er existiert nicht!“ Hamm und die anderen Charaktere stellen feierlich die Existenz Gottes in Frage. Einer der komödiantischen Momente des Stücks ist, wenn Nagg und Nell den Witz über einen alten jüdischen Schneider diskutieren, der mehr als drei Monate brauchte, um eine anständige Hose herzustellen, deren Ergebnisse zufriedenstellender waren als Gottes sechstägige Bemühungen, die Welt zu erschaffen. Beckett wirft diese Fragen auf, aber er gibt keine einfachen Antworten. Für den Gläubigen sagt Beckett vielleicht, dass nur Gott die Welt vollständig kennt und dass menschliche Ideen begrenzt sind. Dies ist nicht der Fall für Hamm, der ernsthaft an der Existenz Gottes zweifelt. Hamm sagt, dass es unmöglich scheint, dass die Millionen von Momenten im Leben etwas Bedeutendes bedeuten. Bringen Handlungen oder Beziehungen im Leben etwas anderes als Schmerz, Leiden und Bedeutungslosigkeit? In Becketts Werk kann man die Dinge nicht für bare Münze nehmen. Jeder Mensch muss sich Becketts Herausforderung stellen und selbst nach Antworten und Lösungen für diese universellen und zeitlosen Fragen suchen.

Die Tatsache, dass Beckett einen unkonventionellen, aber erfolgreichen Weg findet, diese gewichtigen Fragen des Lebens in einem anderthalbstündigen Stück anzugehen, zeichnet es als großes Drama aus. Beckett gelingt es, die Paradigmen des traditionellen Dramas zu sprengen. Er verwendet Anspielungen auf und Formen, die Schach ähneln, um Struktur zu schaffen, wo es zunächst keine zu geben scheint. Beckett behandelt sein Publikum mit größtem Respekt, indem er den menschlichen Zustand untersucht, ohne die Hoffnung auf eine absolute Antwort auf die größten Rätsel des Lebens zuzulassen. Becketts Endspiel, obwohl ein Labyrinth in seiner komplexen Konstruktion, ist ein außergewöhnliches Werk der Kunst des zwanzigsten Jahrhunderts.

Quelle: Daryl McDaniel, Kritischer Aufsatz zum Endspiel, in Drama für Studenten, Sturm, 2003.

QUELLEN

Aristoteles, „VI“, in Aristoteles’Poetik, übersetzt von S. H. Butcher, Hill und Wang, 1989, S. 61.

Bernard, Marc, Rezension von Endgame, in Nouvelles litteraires, 5. Mai 1957.

Clarke, P. H., „Vorwort des Übersetzers“ in Chess Endings: Essential Knowledge, von Y. Averbakh, Pergamon Press, 1966, S. vii.

Cronin, Anthony, „Kapitel neunundzwanzig“, in Samuel Beckett: Der letzte Modernist, HarperCollins, 1997, S. 459-60.

Gussow, Mel, „Die Bühne: Chaikin leitet Becketts Endspiel“, in der New York Times, 14. Januar 1980.

Tynan, Kenneth, Überprüfung des Endspiels, im Beobachter, 7. April 1957.

Worsley, T. C., Rezension von Endgame, im Hörer, 4. November 1957.

WEITERFÜHRENDE LITERATUR

Abbott, H. Porter, Die Fiktion von Samuel Beckett: Form und Wirkung, University of California Press, 1973.

Dieses Buch enthält Kapitel über Becketts frühe Kurzgeschichten und die Beziehung zwischen seinen Geschichten und Romanen.

Bair, Deidre, Samuel Beckett: Eine Biographie, Harcourt Brace Jovanovich, 1978.

Diese Biographie über den zurückgezogenen Samuel Beckett ist breit gefächert und verständlicherweise fehlerhaft.

Ben-Zvi, Linda, Samuel Beckett, Twayne Verlag, 1986.

Wegen des großen Umfangs von Becketts Schriften hat diese Studie von Becketts kompletten Werken eine kurze Berichterstattung über jedes Werk erforderlich gemacht.

Bloom, Harold, Hrsg., Samuel Becketts „Endspiel“, Moderne kritische Interpretationen Serie, Chelsea House Publishers, 1988.

Bloom versammelt eine repräsentative Auswahl der acht besten kritischen Interpretationen des Stücks.

Coe, Richard, Samuel Beckett, Grove Press, 1964.

Coes Studie über Beckett konzentriert sich auf seinen philosophischen Hintergrund.

Cohn, Rubin, Zurück zu Beckett, Princeton University Press, 1973.

Cohn präsentiert eine detaillierte Studie von Becketts Fiktion und Drama.

Zurbrugg, Nicholas, „Ill Seen Ill Said and the Sense of an Ending“ in Becketts späterer Fiktion und Drama: Texte für Unternehmen, herausgegeben von James Acheson und Kateryna Arthur, Macmillan Press, 1987.

Zurbrugg behauptet, dass Ill Seen Ill Said weniger eine Geschichte als eine poetische Beschwörung jener Rituale ist, durch die die Lebenden und die Toten in Becketts Fiktion endlos und ziemlich ineffektiv danach streben, ein endgültiges „Gefühl eines Endes“ zu erreichen.“