Fine Art Photography

Eine frühere Version dieses Artikels wurde erstmals 2015 veröffentlicht. Es wurde aktualisiert.

Der Markt für Kunstfotografie hat sein eigenes Vokabular und seine eigenen Methoden zur Bewertung von Wert und Preis. Fotografen, die ihre Kunstdrucke an Sammler oder Museen verkaufen möchten, müssen Entscheidungen darüber treffen, wie sie ihre Arbeit bewerten, welche Größe ihre limitierten Auflagen haben sollten, wie sie ihre Arbeit vermarkten und wie sie ihr Inventar verwalten, während sie Verkäufe tätigen. Sie müssen auch verstehen, wie sich der Markt und das Geschäft mit dem Betrieb einer Galerie angesichts des wirtschaftlichen Drucks und des technologischen Wandels verändern, die Sammlern neue Möglichkeiten bieten, Kunstfotografie zu entdecken und zu kaufen.

Um die Funktionsweise des heutigen Kunstmarktes besser zu verstehen, hat PDN zahlreiche Galeristen, private Händler und Sammler interviewt und auch mit Fotografen gesprochen, denen es gelungen ist, erfolgreiche Karrieren aufzubauen, Kunst zu machen und Drucke sowohl alleine als auch über Galerien zu verkaufen. Ihre Ratschläge und Erfahrungen, die sie aus Artikeln in den Archiven von PDN gewonnen haben, sind ein Leitfaden für Fotografen, die ihre Kunstdrucke vermarkten und ihre Karriere als Künstler vorantreiben möchten.

Die archivierten Artikel hier ausgeschnitten. Klicken Sie auf die Überschriften, um die vollständigen Geschichten zu lesen.

Ein Leitfaden zur Preisgestaltung Ihrer Drucke
Galeristen sind sich einig: Sie können die Preise immer erhöhen, aber niemals senken. Aufstrebende Künstler bewerten ihre Arbeit nicht nur zu hoch, bevor sie etabliert sind, sondern machen auch den Fehler, zu große Editionen herauszugeben. Ausgaben klein zu halten – idealerweise sechs Drucke oder weniger, sagt sie — wird immer wichtiger, da immer mehr zeitgenössische Kunstsammler, die früher in einzigartige Gemälde investiert haben, anfangen, Fotografien zu sammeln. „Ich bitte die Künstler, eine Edition von drei bis fünf herauszugeben“, sagt die New Yorker Galeristin Andrea Meislin.

Die Erhöhung Ihrer Preise hängt von vielen Faktoren ab, sagen Galeristen, darunter nicht nur, wie gut sich Ihre Drucke verkauft haben, sondern auch, wer sie gekauft hat.

Was bedeutet „Limited Edition“ wirklich?
Vor zwanzig Jahren war eine Auflage von weniger als 20 Drucken selten; heutzutage verkaufen Galerien selten Arbeiten eines Fotografen, der in Auflagen von mehr als zehn Exemplaren druckt. Sammler erwarten, dass die Fotoabzüge, die sie erwerben, knapp bleiben, damit sie ihren Wert behalten. Aber viele Fotografen haben zu einem späteren Zeitpunkt neue Ausgaben in größeren Formaten oder mit anderen Druckverfahren oder beidem herausgegeben: Manchmal aus kreativen Gründen, aber oft, um vom steigenden Wert eines Werks zu profitieren, für das die vorhandenen limitierten Drucke ausverkauft sind. In New York, Kalifornien und anderen Bundesstaaten gibt es Gesetze, die eine „Limited Edition“ definieren und einschränken, was ein Fotograf tun kann, um ein einzelnes Bild zu nutzen. Der in Philadelphia ansässige Fotohändler Alex Novak, für einen, zerkleinert keine Worte. „Ob es illegal ist oder nicht, es ist unethisch“, neue Ausgaben herauszugeben, vor denen frühere Käufer keine Warnung hatten, sagt er. „Es tut den Leuten weh, an die Sie zuvor verkauft haben.“ Und Fotografen verletzen sich selbst, indem sie den Marktwert ihrer Arbeit und ihres Namens verwässern.

Verwalten Ihres Inventars an limitierten Drucken
Durch die Begrenzung der Editionen begrenzen Künstler auch das Inventar, das sie verkaufen können. Wenn der letzte Druck in einer Ausgabe verkauft wird, „kann man nicht einfach einen für die Nachwelt drucken“, sagt der Privathändler Lee Marks von Lee Marks Fine Art. Ob Sie verkaufen oder für die Zukunft sparen — wenn Sie möglicherweise Eigenkapital benötigen, oder geben Sie es an eine Institution oder einen Erben — ist eine sehr persönliche Entscheidung, die jeder Fotograf PDN unterschiedlich betrachtet, abhängig von ihrer Karriere, ihre Aussichten und ihre Sicht auf ihr Erbe.

Die Verwaltung Ihres Inventars hängt auch von der genauen Aufzeichnung ab. Das ist besonders wichtig für Händler, die eine gestufte Preisgestaltung verwenden: In einer Auflage von zehn Exemplaren verkaufen sich beispielsweise die Drucke 1 bis 3 zum niedrigsten Preis und die Nummern 4 bis 6 kosten bis zum letzten Druck mehr. Genaue Aufzeichnungen darüber zu führen, wie viele Drucke sie verkauft, verschenkt oder für eine Ausstellung ausgeliehen haben, ist für jeden Fotografen unerlässlich, um Preisfehler zu vermeiden — wie den Verkauf des vierten Drucks zum Preis des dritten Drucks. „Wenn jemand anruft und sagt:’Ich mag dieses Bild. Wo steht es in der Edition?“ wir wissen es“, sagt Michael Foley von der Foley Gallery.

Was erwartet Sie von der Beziehung Fotograf / Galerie
Wer bezahlt Produktion, Promotion, Versand? Was genau bedeutet „Exklusivität“ oder „Sendung“? „Ein schriftliches Dokument ist unerlässlich“, betont die bekannte Fotoberaterin Mary Virginia Swanson, Autorin von Finding Your Audience: Ein Leitfaden zur Vermarktung Ihrer Fotos. „Viele Galerien verwenden keine, daher müssen sich Künstler mit einem Händler zusammensetzen, wenn sie keinen Vertrag vorlegen, um die Erwartungen zu besprechen.“

Händler, Fotografen und Galeristen diskutieren einige der auszuhandelnden Begriffe – und erklären, wo es häufig zu Missverständnissen kommt.

Was (und wie) Sammler jetzt kaufen
In PDNS Artikel 2011 „Was Sammler wollen“ erklärten begeisterte Fotosammler, wie sehr sie von der Editionsgröße, dem Preis und dem Ruf der Galerie des Künstlers beeinflusst werden.

Bis 2018 hatte die Anzahl der Möglichkeiten, wie Sammler Künstler fanden und Drucke kauften, zugenommen. PDN interviewte fünf Sammler: Dazu gehörte eine Newcomerin, die sich über den Fotomarkt informierte, ein Sammler, der eine große Sammlung von Bildern in einem Genre angehäuft hat, Ein langjähriger Händler, der Drucke „überall und überall“ für sich kauft,Und eine Gelegenheitssammlerin, die sagt, sie und ihr Mann kaufen ein Foto, das sie bewundern, wenn „wir es gerne jeden Tag sehen würden.“

Diese Sammler gaben an, die von ihnen gekaufte Kunst über Online-Auktionen für gemeinnützige Organisationen und Kunstorganisationen, eBay, regelmäßig besuchte Galerien, gemeinnützige Kunsträume sowie Veröffentlichungen und Blogs wie Photograph und the Washington Post In Sight gefunden zu haben Blog.

Mindestens einer sagte, er finde Künstleraussagen „abstoßend“, schätzt aber die Gelegenheit, Fotografen zu treffen und mehr über ihren Prozess und ihre Einflüsse zu erfahren. Als die in San Francisco lebende Fotografin Sarah Christianson einem Sammler erzählte, dass sein Kauf von Drucken es ihr ermöglichte, ihr Projekt fortzusetzen, „ging die kleinste Glühbirne aus“, sagt der Sammler. „Es hat mich irgendwie in diese Phase meines Sammelns gebracht, in der ich das Gefühl habe, dass es sich lohnt, Künstler zu unterstützen.“

Ein anderer Sammler hat Werke junger Künstler gekauft. Einige, wie Alex Prager, Sam Falls und Matthew Pillsbury, „sind bekannt geworden“, sagt er. Er fügt hinzu: „Es macht Spaß, in sie zu investieren, weil diese Künstler, besonders die Jungen, es schwer haben, ihren Lebensunterhalt zu verdienen.“

So verkaufen Sie Ihre Arbeit ohne Galerie
Fotografen, die Drucke selbst verkaufen, verfolgen verschiedene Ansätze, vom Verkauf kleiner, offener Ausgaben zu niedrigen Preisen, um ein hohes Käufervolumen anzusprechen, bis zum Verkauf limitierter Auflagen zu Preisen auf Galerieniveau. Unabhängig von den gewählten Methoden müssen sie jedoch Möglichkeiten zur Überwachung der Druckqualität, zur Abwicklung von Zahlungen und zur Verwaltung des Versands festlegen. Es gibt keine Möglichkeit, den Kundenservice zu optimieren. Helen Jones-Florio, die eine Online-Galerie ins Leben gerufen hat, um Arbeiten von Jason Florio und anderen Fotografen zu präsentieren, sagt, dass Käufer zwar Drucke anzeigen und eine Preisliste online erhalten können, aber dennoch persönlichen Service erwarten. Es öffnet einen Dialog und hilft, ihre Gedanken zu beruhigen „, sagt sie.

Das Verpacken und Versenden von Drucken ist „eine Menge Arbeit, es sei denn, Sie haben einen Vollzeit-Studiomanager und ein oder zwei Praktikanten“, sagt Ryan Pfluger. Viele Fotografen ziehen es vor, diese Aufgabe dem Labor zu überlassen, das auch den Druck übernimmt. Fotografin Sara Macel kümmert sich selbst darum. Sie sagt ihren Käufern, dass der Versand, sobald sie die Zahlung per PayPal oder eine Kreditkartentransaktion erhalten hat, etwa zwei Wochen dauern kann und je nach Größe des Drucks zwischen 100 und 150 US-Dollar kostet. „Ich versuche, persönliche Akzente zu setzen, um zu zeigen, dass es direkt von mir kommt, nicht vom Drucker“, sagt sie. In den Ferien schickt sie ihren Sammlern eine Notiz und ein Kleingedrucktes. „Es ist eine Möglichkeit, in Kontakt zu bleiben und ihnen eine nette Nachricht zu senden, aber auch daran zu erinnern, dass ich vielleicht mehr Sachen habe, die sie kaufen können.“

13 Tipps zum Aufbau Ihres Fine-Art-Netzwerks
Ein wichtiger Teil der Arbeit als Künstler besteht darin, Beziehungen zu Menschen aufzubauen, die ehrliche Ratschläge und Kritiken geben, sich vorstellen, sich für die eigene Arbeit einsetzen und sie unterstützen und Freundschaft und Gemeinschaftsgefühl bieten. Diese Personen können ältere Künstler, Kollegen, Kuratoren, Galeristen, Gönner oder andere sein, die ein Interesse an Kunst und ihrer Förderung haben. „Die Kunstwelt ist sozialer als alles andere“, sagt Daniel Shea. „Es ist eine Welt, die politisch um zwischenmenschliche Beziehungen herum existiert, zum Guten oder Schlechten.“

Fotografen, die für andere Künstler gearbeitet haben oder mit Gleichaltrigen kritische Gruppen gebildet haben, sagten, sie hätten von den Ratschlägen und gemeinsamen Informationen profitiert. Andere bewarben sich und landeten Künstlerresidenzen, in denen sie andere Künstler treffen konnten, oder suchten Mentoren, indem sie sich an Künstler wandten, die sie bewunderten. Zu Beginn seiner Karriere kontaktierte Shea Brian Ulrich um Rat. Shea erinnert sich, „Ich denke, er konnte sagen, dass ich wirklich hungrig und lernbegierig war, und dass ich das, was ich tat, sehr ernst nahm und wirklich respektierte, was er tat.“
Während es für die meisten Künstler nicht realistisch ist, zu Beginn ihrer Karriere mit großen Kuratoren, Galerien oder Institutionen zusammenzuarbeiten, haben Fotografen, die Verbindungen zu jungen Kuratoren und Galerieassistenten hergestellt haben, lange Beziehungen aufgebaut. Christopher Churchill erinnert sich an einige Ratschläge, die er von einem Galeriedirektor erhalten hat: „Sie müssen sich mit den Kuratoren treffen, die in Ihrem Alter sind, die sich dafür einsetzen und sich durch ihre Karriere bewegen werden, während Sie sich durch Ihre Karriere bewegen.“ Um diese Leute zu finden“, sagt Ulrich, „zeigen Sie allen Arbeit.“ Das ist der Rat, den er von einem Galeriedirektor erhalten hat, und er hat „viel Druck von diesen Treffen gelindert“ und ihn ermutigt, Leute zu kontaktieren, „nur um sich zu treffen, Hallo zu sagen und ihre Gedanken über die Arbeit zu hören.“

How to Put Together a Standout Submission for Awards and Juried Reviews
Jurierte Wettbewerbe, Ausstellungen und Portfolio-Reviews bieten Künstlern die Möglichkeit, ihre Arbeiten Kuratoren, Herausgebern und Verlegern vorzustellen und einen Fuß in die Tür mit Galerien, Museen und gemeinnützigen Kunstorganisationen zu bekommen, die keine unaufgeforderten Einreichungen akzeptieren. Direktoren von gemeinnützigen Organisationen empfehlen, zu recherchieren, was die Galerie oder der Wettbewerb zuvor ausgezeichnet hat, und zu wissen, was andere Fotografen zu dem von Ihnen angesprochenen Thema getan haben. Laura Pressley vom CENTER sagt, Juroren suchen nach Bildern, die „eine Geschichte auf eine neue, einfallsreiche Weise“ erzählen, und rät Fotografen daher, rechtzeitig und riskant in Arbeiten einzusteigen.

Ein Fotograf muss sicherstellen, dass seine digitale Einreichung eine gute Darstellung seiner Arbeit darstellt. Sarah Stolfa von PPAC in Philadelphia sagt, dass die Juroren eine gute Abfolge von Bildern bemerken: „Das hilft, die Intentionalität des Künstlers zu kommunizieren.“ (Weitere Informationen zu diesem Thema finden Sie in unserem Interview mit einem gemeinnützigen Galeriedirektor darüber, wie Fotografen nach einer Portfolio-Überprüfung nachverfolgen sollten)

Haben stationäre Galerien eine Zukunft?
2017 trafen sich Kunsthändlerin und Beraterin Sasha Wolf und Galerist Michael Foley zu einem Gespräch über das Geschäftsmodell der stationären Galerie und die neuen Möglichkeiten, wie potenzielle Käufer Künstler finden. Ihr Gespräch, Das fand ein paar Monate statt, nachdem Wolf ihre Galerie nach zehn Jahren geschlossen hatte und begann, Kunst privat zu verkaufen, wurde vom Galeristen David Dixon moderiert, und organisiert von Stropheus, Ein Kollektiv von Kunstrechts- und Geschäftsleuten, das sich auf die Kunstszene spezialisiert hat.
Wolf nannte eine Reihe von Gründen, ihren Platz aufzugeben.

„Eines der Dinge, die mich dazu veranlasst haben, meinen öffentlichen Raum aufzugeben, ist, dass die überwiegende Mehrheit meiner Verkäufe an Leute ging, die nicht hereinkamen“, um den Galerieraum zu besuchen, sagt Wolf. „Die letzten sechs oder sieben Verkäufe, die ich gemacht habe, waren an Leute, die ich nie getroffen habe.“ Zu der Zeit, sagt sie, war ihre Suche nach einem Raum in Manhattan „wirklich verrückt.“ Ein weiterer Faktor, sagte sie, waren die Erwartungen ihrer Künstler, dass sie alle zwei Jahre eine Show machen mussten, weil das „die Industrienorm “ ist.“ Sie erklärt: „Egal wie oft ich meinen Künstlern immer wieder sagte, sie sollten sich entspannen und dass dies nur ein falsches Paradigma sei, sie konnten wirklich nicht davon wegkommen, weil die Branche so funktioniert. Es begann sich nicht gut anzufühlen, als würde ich zu viele Shows veranstalten, die nicht vollständig gebacken waren.Facebook Instagram „

Foley, dessen Galerie sich in Manhattans Lower East Side befindet, sagte, eine Ausstellung sei der einzige Ort, an dem ein Sammler neue Arbeiten sehen könne, „nicht über Instagram, nicht über Facebook, nicht über diesen Beitrag und diesen Beitrag.“ Ich denke, ein Künstler muss vorsichtig sein, was er veröffentlicht und wann er es veröffentlicht.“

Foley stellt auch fest, dass Kunstmessen und Online-Marktplätze jetzt häufiger sind. „Wir müssen versuchen, all diese verschiedenen Arten zu verstehen, wie Menschen Kunst erleben und kaufen und sich damit beschäftigen, und herausfinden, was am besten ist und wie viel meiner Ressourcen in jede einzelne fließen müssen und welche sich als die erfolgreichste herausstellt. Im Moment scheint es, als ob sie alle gleichzeitig auftreten, aber die Frage ist, fünf oder zehn Jahre später, was wird an die Spitze steigen?“

Der wachsende Markt für Fine-Art-Videos
Technologische Entwicklungen helfen Sammlern, sich mit der Idee vertraut zu machen, videobasierte Kunst zu kaufen. Der Kauf von Videoarbeiten bedeutet nicht mehr, sich auf die Installation eines sperrigen Fernsehers zu verpflichten oder Platz für einen Projektor zu finden; Videokunst und Multimedia können jetzt nahtlos auf schlanken Monitoren angezeigt werden, die sauber an einer Wand aufgehängt sind. Die von PDN befragten Fotografen, die zu Videokünstlern wurden, erklären, dass zu den Sammlern von Videoarbeiten heute sowohl Einzelpersonen als auch große Institutionen gehören.

Die Vertretung von Videokünstlern wie Gregory Scott hat „unseren Markt vollständig erweitert“, sagt Catherine Edelman, die eine Galerie besitzt, die für den Verkauf von Fotografie bekannt ist. Diese Sammler sind in erster Linie Sammler zeitgenössischer Kunst. „Es gibt etwas an Video, das heute so zugänglich ist“, fügt Edelman hinzu. „Wir suchen alle nach dieser Person, die unser Herz in Schwung bringt, und ist der einzige Weg, den ich definitiv suche.“

Wie man von einem Kunstberater wahrgenommen und beauftragt wird

CPWS Direktor über die Bedeutung von Follow-up nach einer Portfolio-Überprüfung

Brian Ulrich: Über die Schaffung, Finanzierung und Aufrechterhaltung Ihres langfristigen Fotoprojekts

Cole Barash über das, was er von Daniel Shea über die Präsentation von Fine-Art-Fotografie gelernt hat