Metropolitan Opera 2018-19 Rezension: Tosca

Puccinis „Tosca“ wurde am Donnerstag, Okt. 25.

Das Werk zeigte die zweite Wiederbelebung von David McVicars Produktion aus der letzten Saison, mit einigen einzigartigen Unterschieden. Wie in der letztjährigen Rezension dieser Produktion erwähnt, wird diese Version des Erfolgs des Werkes leben oder sterben, je nachdem, ob die Darsteller eine starke Perspektive in die Oper einbringen und sie sich zu eigen machen.

Zum Glück für die Met und Company brachten sie den richtigen Künstler mit, um die Hauptfigur zu übernehmen.

Wahre Diva

Sondra Radvanovsky ist wie guter Wein. Sie scheint mit der Zeit immer besser zu werden, ihr Gesang kraftvoller und sicherer, ihre Charakterisierungen komplexer und faszinierender. Sie singt und spielt nicht nur, sie macht beides gleichzeitig, sie spielt durch ihren Gesang und singt durch ihre Schauspielerei.

Und als Puccinis ikonischste Diva war sie auf einem Niveau, das nur wenige andere heute erreichen.

Als sie die Bühne zierte (glücklicherweise trug sie das gleiche Kleid, das Anna Netrebko anstelle des weißen Pyjama-aussehenden Kleides trug, mit dem McVicar Sonya Yoncheva eintreten ließ), wurde sie mit Applaus begrüßt. Sie hatte sich das von früher verdient, als ihre Schreie von „Mario! Mario“ Offstage füllte den Saal mit üppigem Sound. Während dieses Eröffnungsduetts, Wir haben das Gefühl von Tosca als jüngere Frau, mit enormer emotionaler Instabilität. In einem Moment flirtete sie fröhlich mit Cavaradossi, Radvanovsky verwandelte das hohe B auf „salir le voci delle cose“ in den Höhepunkt eines Kicherns. An einem anderen Punkt ermahnte sie ihn mit aggressiveren Konsonanten und potentem Ton, als sie das Gemälde sah. Aber ihr Sound behielt eine Frische und Konsistenz, die ein Prüfstein ihres ganzen Abends werden würde.

Ein Bereich, in dem viele Soprane in dieser Rolle ins Wanken geraten, sind die tiefen Töne, die einen Großteil der Musik im zweiten Akt durchdringen. Aber der Kern von Radvanovskys Stimme behält Fülle und Vielseitigkeit im unteren Bereich und fühlt sich nie gezwungen oder gedrängt. Infolgedessen eine solche Passage wie „son io che così torturate! Torturate l’anima sì, l’anima mi torturate“, wobei die Gesangslinie von einem natürlichen A bis zu einem natürlichen D knapp über dem mittleren C absteigt, behielt Resonanz und Klarheit in der Sopranstimme. Sie konnte den Abstieg mit Intensität gestalten und klang nie so, als würde sie nach Luft schnappen, als sie das Rallentando Molto und Diminendoed beobachtete. In anderen Momenten neigen Soprane dazu, Text zu sprechen, weil er es einfacher macht, als ihn so tief zu singen; Radvanovsky griff selten auf dieses Maß zurück und kam dafür besser heraus.

Sie ließ alles einfach klingen, keine Note zu herausfordernd oder außerhalb ihrer Reichweite, immer im Dienst des dramatischen Moments. Zum Beispiel, nachdem Cavaradossi für seine Schreie von „Vittoria“ gezwungen wurde,Tosca wird mit einem epischen hohen C-Moll beauftragt, Das ist nur eine gepunktete Viertelnote in der Länge in der Partitur. Aber Radvanovsky hielt es für die gesamte Länge des Vier-Takt-Taktes und Dirigent Carlo Rizzi schien das Tempo noch etwas zu erweitern, um der Note mehr Raum und Zeit zu geben. Es war einer der viszeralen Höhepunkte von Radvanovskys zweitem Akt, der sich als Schrei der Verzweiflung und des Leidens nach so viel Folter durchsetzte (dies war wahrscheinlich das vierte oder fünfte hohe C, das sie bis zu diesem Punkt singen musste, und sie klangen alle perfekt). Man konnte fühlen, wie diese Frau im Begriff war, unter Druck zu implodieren und zu knacken, sie konnte es einfach nicht mehr schaffen.

Sie hat die Folterszene erlebt, wie ich sie noch nicht erlebt habe. Sie sah Absicht Scarpia in den frühen Morgenstunden zu stehen, aber als die Szene entwirrt, so tat sie. Radvanovskys Tosca stand plötzlich hinter Scarpias Schreibtisch, als wäre es eine schützende Grenze vor ihm, und versuchte, vor seiner Verfolgung durch den Raum zu fliehen. Als er schließlich die Kontrolle über sie übernahm, sah die Sopranistin völlig überwältigt aus. Sie versuchte sich von ihm zu befreien, aber jedes Mal verlor sie mehr und mehr die Kontrolle, Ihr Gesang verwandelte sich in Hilferufe; Man konnte sie fast vor Angst in ihrer Stimme zittern hören. Es war echt.

Als sie endlich ihre Rache bekam (Radvanovsky gab uns jeden einzelnen Schlag der Entscheidung, ihn meisterhaft zu töten), gab es ein wahres Gefühl der Katharsis, ihre Schreie von „Muori“ wurden immer intensiver. Als zusätzliche Richtung schien Scarpias Hand ihre in seinen letzten Augenblicken fest zu fassen. Als sie versuchte, sich zu befreien, rief sie die drei Wiederholungen von „Muori“ aus und gab dem Text zusätzliche Bedeutung und Konflikte.

(Als Randnotiz änderte Radvanovsky schließlich die Anweisungen, die McVicar ursprünglich gegeben hatte, Tosca von der anderen Seite des Raumes zu Mario „flüstern“ zu lassen, um um Erlaubnis zum Sprechen zu bitten. Sowohl Yoncheva als auch Netrebko beobachteten dies (ich habe Rowleys Interpretation nicht gesehen), aber Radvanovsky rennt tatsächlich zur Tür, um zu versuchen, ihren Mann zu retten, nur um auf ihren Spuren gestoppt zu werden.)

„Vissi d’arte“ war auf einer ganz anderen expressiven Ebene, das Legato in Radvanovskys Stimme einfach erhaben, besonders in der messa di voce über „diedi fiori agl’altar.“ Man konnte den Schwung spüren und sich auf „perchè Signor“zubewegen, die Sopranistin, die das B-Dur in das folgende A-Dur stützte, bevor ein herrliches Portamento uns zum darauffolgenden G-Dur brachte; Dieser ganze Satz schrie nur vor unglaublichem Schmerz. Und um das Ganze abzurunden, beendete die Sopranistin die Arie mit einem gedämpften „perchè me ne rimuneri così“, dem letzten Es mit einem Crescendo, das sie unter explosivem Applaus in den Saal sprengte. Überall konnte man das Leiden spüren, das mit Sehnsucht und einem allgemeinen Gefühl der Hilflosigkeit verschmolzen war, das perfekt dazu passte, wie Radvanovsky den Charakter während des gesamten Aktes prägte.

Als der dritte Akt kam, wollte man sie nur singen hören, denn jedes Mal, wenn sie den Mund öffnete, blühte ihre Stimme wunderschön auf; Es gab Helligkeit und Hoffnung, die sich im zweiten Akt scheinbar aufgelöst hatten. Hier schien Tosca gewonnen zu haben und war bereits bereit, das zu genießen, was als nächstes in ihrem Leben kam. Am Ende des Duetts singt Tosca „Gli occhi ti chiuderò con mille baci e mille ti dirò nomi d’amor“; Radvanovskys Gesang war hier absolut zart und zart, die Pianissimo-Phrasierung zog uns in einen wirklich intimen Moment, fast wie eine extreme Nahaufnahme in einem Film.

Also ja, Radvanovsky war an diesem Abend in einem ihrer besten Momente auf der Bühne der Metropolitan Opera geradezu brillant.

Schönheit ohne Leidenschaft

Aber es gibt auch zwei Männer in der Oper, die den Titelsopran in verschiedene Richtungen ziehen. Als Held Mario Cavaradossi war Tenor Joseph Calleja, die erwies sich als ziemlich frustrierend im Großen und Ganzen.

Er zeigte den ganzen Abend über wunderbare Chemie mit Radvanovsky auf der Bühne und man glaubte wirklich, dass sie leidenschaftlich ineinander verliebt waren. Der Flirt während des ersten Aktes ließ Sie am Ende lächeln und ihre Begegnung im dritten Akt war Plüsch mit der gleichen Sensibilität füreinander. In dem Moment, als er sie in ihrem ersten Eingang des letzten Aktes sah, wechselte sein ganzes Wesen von einem Gefühl der Niederlage zu einem plötzlichen Gefühl der Freude, Callejas Körper verwandelte sich von humpelnd in ausgeglichen und aufgeregt. Als er sich darauf vorbereitete, sein Schicksal zu treffen, scherzte er und flirtete bis zum Ende mit ihr; Wieder konnte man nicht anders, als über ihre Interaktionen in diesem zutiefst dunklen Moment zu lächeln. Es war ein Ausdruck dafür, wie Liebe unter allen Umständen wirklich heben kann. Aber dann ging dieser sanfte Moment in einen größeren Herzschmerz über, als Callejas Cavaradossi plötzlich erkannte, was passieren würde, umarmte sie mit aller Kraft, die er aufbringen konnte. Und von diesem Moment an erlebten wir einen Ozean von Emotionen, der leider sonst im Gesang des Tenors fehlte.

Der Tenor hat ein herrlich reiches Timbre, er phrasiert mit reichlich Legato, und er hat große technische Sicherheit in seinem gesamten Register. Es ist ein ausgezeichnetes Instrument.

Aber aus welchem Grund auch immer, es packt nicht viel von einem emotionalen Schlag, mit Callejas Musikmachen eher quadratisch und geradlinig. Er sang wunderschön, aber es war schwer, wirklich einen anderen Weg zu finden, um seine Vokalisierung insgesamt zu beschreiben. Es scheint fast, dass er auf Nummer sicher gehen muss, um seinen angenehmen Klang und sein Legato aufrechtzuerhalten. Vielleicht ist es eine Funktion der Rolle, die für seinen lyrischen Tenor auf der schweren Seite steht (ich würde es vorziehen, wenn er seine Stimme für leichteren Belcanto verwendet) oder ein Beispiel für einen Sänger, der in eine Rolle hineinwächst. Aber es war die ganze Nacht über offensichtlich.

In „Recondita Armonia“ kann man nur mit Helligkeit davonkommen, und Callejas sanfterer Klang passte zu den weicheren Abschnitten der Arie. Aber auf dem Höhepunkt bittet Puccini um Forte und Calleja stieg nicht wirklich über die dynamische Markierung hinaus, die er zuvor verwendet hatte.

Wir sahen viel von dem gleichen im Duett, obwohl er ein sanftes Pianissimo auf der A natural appoggiatura einsetzte, als er „T’amo! Ti dirò“, der dem Moment zusätzliche Intimität verleiht.

Im zweiten Akt hatte er einen schärferen Angriff auf die Konversationsphrasen, als er Scarpia gegenüberstand. Aber hier schien Cavaradossi in Bezug auf die Situation in keine Richtung zu bauen. Nach einem pulsierenden A sharp auf „Vittoria“, Wiederholungen des Wortes „Carnefice“ wurden alle mit den gleichen Akzenten und Phrasierung und ohne Gefühl des Wachstums in Frustration oder Wut geliefert. Nicht, dass es erforderlich wäre, aber das Fehlen einer Richtung ließ den Moment flach fallen. Dasselbe gilt für „M’hai tradito“, das Puccini als Allegro Violento bezeichnete, aber in seiner Interpretation alles andere als aggressiv war.

„E lucevan le stele“ ist der Prüfstein für jeden Tenor in dieser Oper. Wieder klang Calleja durchweg wunderbar. Im Gegensatz zu den meisten Tenören, die ein Ritardanto auf „Oh! Dolci baci, o languide carezze,“Calleja beobachtete tatsächlich Puccinis ursprüngliche Absicht und tat keine; es ist vielleicht musikalisch nicht so aufregend, aber es macht auch das Folgende, „Mentr’io fremente le belle forme disciogliea dai veli“ emotional überzeugender. Mit diesem letzten Satz machte Calleja ein erhabenes Diminuendo, seine Stimme aber ein zartes Flüstern, als er zum Ende des Satzes kam. Es war das Highlight.

Von hier aus soll die Arie zu purer Verzweiflung werden, wie Cavaradossi bemerkt: „Muio disperato!“ Aber auch hier schien Calleja in diesem Abschnitt nie eine weitere Kerbe zu finden, und die Arie, die mit einer großartigen Klangqualität endete, nahm nie emotional ab. Die Verzweiflung fehlte. Das Gefühl von Verlust und Niederlage in Musik und Text war nicht vorhanden.

Es war sinnbildlich für die Aufführung als Ganzes.

Lost In The Thick Of Things

Auch Zeljko Lucic erlebte als Scarpia einen durchwachsenen Abend. Er sollte die Rolle ursprünglich nicht singen, sondern trat in die Eröffnungsaufführung ein, als Wolfgang Koch ausstieg. Lucic beendet einen fantastischen Lauf von „La Fanciulla del West“, in dem er einen komplexen Jack Rance spielte. Aber aus welchem Grund auch immer, Scarpia passt einfach nicht zu ihm. Er hat unbestreitbar Fortschritte von seiner Leistung in der letzten Saison in der Rolle gemacht, Aber viele der Probleme aus diesem Lauf bleiben bestehen.

Er ist besser darin, die schlaue Natur von Scarpia in seinen ruhigeren Momenten darzustellen, wie wenn er den „Ventaglio“ / Lüfter entdeckt, der ein Gefühl für einen dunklen methodischen Geist bei der Arbeit vermittelt.

Und seine physische Präsenz als Ganzes war viel nuancierter und potenter, besonders im zweiten Akt der Begegnung mit Tosca. Er ragte über Radvanovsky wie ein Raubtier nach seiner Beute, langsam die Kontrolle über sie zu gewinnen durch Kurven und dann halten der Diva greifen. Es war nicht so aggressiv wie seine Rance-Interpretation im zweiten Akt von „La Fanciulla“, aber es war sicherlich genauso schrecklich, wenn nicht mehr. Irgendwann setzt er sich neben Tosca, um ihr noch eine Chance zu geben, Mario zu retten. Lucic rutschte so nah wie möglich an Radvanovsky heran und legte sein Gesicht direkt an ihr Ohr, Flüstern „Ebbene?“ auf eine haarsträubende Art und Weise, die sie noch unangenehmer aussehen ließ.

Aber trotz seiner starken Bühnenpräsenz scheint sein Sound einfach keinen Weg durch die Potenz von Puccinis Orchester zu finden, und es gab viele Male, in denen er von Carlo Rizzi und den dickeren Texturen des Metropolitan Opera Orchestra einfach weggespült wurde. Um dies zu kompensieren, drückte er die Klänge oft so weit wie möglich aus und erzeugte eine eingeklemmte Stimmqualität. Manchmal funktionierte es, wie seine Rufe nach Sciarrone, Cavaradossi weiter zu foltern. Doch beim Höhepunkt der Arie „Debbo trader, ne voglio altra mercede“ klappte es nicht ganz, denn das hohe Es und G klangen hart und undeutlich. Es funktionierte auch nicht während des „Te Deum“, wo er von Orgel und Orchester begraben wurde und seine Versuche, seine Stimme über das Ensemble zu bringen, es so klingen ließen, als würde er mehr um Hilfe schreien, als seine Macht und Macht zu verkünden.

Eine professionelle Darbietung

Carlo Rizzi und das Orchester zeigten in der Grube insgesamt eine recht professionelle Darbietung. Die Noten schienen alle an den richtigen Stellen zu sein, obwohl es einige Gleichgewichtsprobleme mit den Sängern zu geben schien, Das Orchester wusch manchmal ihre Klänge weg. Aber ansonsten würde man die Leistung des Orchesters wahrscheinlich als die eines Chamäleons beschreiben. Das Orchester war anwesend, trat jedoch in den Hintergrund und wirkte eher wie ein Passagier in der Aufführung als wie ein aktiver Kommentator des Dramas. Es war solide, obwohl kein Moment als besonders haarsträubend heraussprang. Es schien eher die Absicht zu sein, den Sängern so gut wie möglich zu dienen.

Radvanovsky hat noch eine Reihe von Aufführungen übrig und sie allein ist der Eintrittspreis. Sie ist nur auf einer anderen Ebene und es sollte interessant sein zu sehen, wie sie später in dieser Saison mit „Aida“ umgeht.