On Demand Playlists and Tracks

Emotionalist Preamble

Als Chorleiter habe ich die meiste Erfahrung mit Jugend- und Amateurensembles. Daher beschäftige ich mich normalerweise mit anderen Anliegen und Prioritäten als viele Leser von NMBx.

Das erste, was man über Chöre unterhalb des professionellen Niveaus wissen sollte, ist, dass wir meiner festen Überzeugung nach vor allem für die Gemeinschaft da sind. Stolz ist natürlich auch die technische Ausführung! Aber viel mehr geht es darum, Emotionen zu vermitteln und dieselben Emotionen zu erleben und so die Bande der Gemeinschaft untereinander und mit einem Publikum zu schaffen und zu pflegen.

Darüber hinaus ist es durchaus üblich, erfahrenen Chorsängern mit eingeschränkter Sehfähigkeit zu begegnen, die sich stattdessen auf eine fein entwickelte Fähigkeit verlassen, Melodien, die sie hören, beizubehalten und zu wiederholen. Die Notation wird dann, wie im mittelalterlichen Europa, eher zu einer Gedächtnishilfe als zu einer Reihe expliziter Anweisungen.

Ein Faksimile des Manuskripts für ‚Iubilate deo universa terra‘, das eine Reihe von unerleuchteten cheironomischen Neumen zeigt, die zu Psalmversen hinzugefügt wurden. (Bild in der Public Domain.)

Die Freude ist, dass es die Erfahrung des gemeinsamen Musizierens in die Reichweite einer sehr großen Bevölkerung bringt. Die Herausforderung besteht darin, dass der Regisseur sehr oft notwendigerweise ein Lehrer ist. Für Laienchöre gibt es also keine Garantie, dass die Sänger das Bewusstsein für die gesamte Partitur haben, das ein Markenzeichen von Elite-Ensembles ist; und für viele gibt es im Grunde eine Garantie, dass sie es nicht tun werden!

Warum um alles in der Welt sollte jemand versuchen, mikrotonale Musik in dieses Ökosystem zu bringen? Nun, zum einen wird es helfen, das Intonationsbewusstsein aller zu schärfen — was dringend benötigt werden kann. Aber zu seinen eigenen Bedingungen: Es gibt neue Gefühlswelten zu erkunden, die allein mit 12 gleichen Tönen nicht verfügbar sind!

Allerdings muss ein Regisseur unter diesen Umständen das fragliche Stück an ein vielleicht skeptisches Ensemble verkaufen. Verwenden Sie Ihre gesamte grenzenlose Begeisterung, um die folgenden methodischen Techniken zu unterstützen. Wenn die Sänger dich mögen, geben sie ihm eine Chance.

Mit allen Vorbehalten aus dem Weg, dann kommen wir zur technischen Seite.

Die technische Seite

Für den Unterricht mikrotonaler Passagen plädiere ich für einen „bimodalen, zielorientierten“ Ansatz. Ich habe diesen Namen gewählt, weil ich einen Titel brauchte, der sowohl genau als auch beeindruckend für einen Papiervorschlag klang. (Es hat funktioniert.) Aber hier ist, was ich meine:

Bimodal – Erfordert ein integriertes Bewusstsein für die horizontalen und vertikalen Aspekte jeder Tonhöhenänderung. Das heißt, man muss die Beziehung einer neuen Tonhöhe zu der Tonhöhe, die sie gerade verlassen hat, und auch ihren Kontext innerhalb der Klangfülle, in der sie ankommt, im Auge behalten. Diese sind oft unabhängig.

Zielbasiert – Sich darauf verlassen, das Vertraute zu antizipieren, sei es melodisch oder harmonisch oder beides. Wenn dies getan wird, können intervenierende Dinge leichter an ihren Platz fallen, sogar halb unbewusst.

Diese beiden Taktiken sind bereits notwendig, um ein guter Chormusiker im Standardrepertoire zu sein, aber es ist wichtig, sie explizit zu machen, wenn wir mit Mikrotonalität arbeiten. Ein nützlicher Schritt, um sie explizit in mikrotonalen Stücken zu verwenden, ist die explizite Verwendung für anspruchsvolle Tonpassagen. Ein Regisseur könnte also während des Semesters an dieser Taktik arbeiten, unmittelbar bevor ein mikrotonales Stück überhaupt auf dem Programm steht.

Ein klangliches Beispiel für die bimodale Strategie

Eine illustrative Passage ist in Poulencs O Magnum Mysterium. Betrachten Sie unter vielen intonationalen Problemstellen in diesem Stück den Triton im Eröffnungstenor um 0:08 Uhr und einige Male danach:

Die meisten Sänger können einen Triton herausziehen, aber es ist kein zuverlässiges Intervall. Es ist nicht ungewöhnlich, daran erinnert werden zu müssen, wie es sich anhört, indem man Maria oder das Simpsons-Thema als Mnemonik verwendet. (Hier ist ein herzerwärmender Kommentar-Thread aus dem Simpsons-Video:)

Selbst wenn sie es sicher haben, wird jede Person es etwas anders ausführen, besonders wenn keiner der beteiligten Töne als führender Ton fungiert. Der resultierende Gruppenabstand kann unscharf sein. Und weil es ein „dissonantes“ horizontales Intervall ist, gibt es oft die Erwartung einer Dissonanz, wo es landet.

Also, man singt es langsam, stimmt diesen Akkord auf einen langen Ton – und es wird offensichtlich, dass das „Cb“ tatsächlich ein H-Dur ist, die Terz eines G-Dur!

Diesen Trouble Spot erleben die Tenöre nun idealerweise auf zwei Ebenen. In gewissem Sinne singen sie einen Triton von der vorherigen Note. Aber in einem anderen Sinne besetzen sie ein sehr klares „Zuhause“ in der resultierenden Harmonie, ein Zuhause, das nichts mit Triton-ish-ness zu tun hat.

In der mikrotonalen Musik ist es noch wichtiger, diese beiden Ebenen getrennt zu halten. Dies liegt daran, dass solche Musik unweigerlich das Singen einiger unbekannter horizontaler Intervalle erfordert – und der natürliche Instinkt der Sänger wird darin bestehen, auf einer Vertikalität zu landen, die ebenso „unbekannt“ ist, d. H. dissonant, und dieser Instinkt ist wahrscheinlich falsch. Wir werden die unglücklichen Früchte dieses Ansatzes in einer Aufführung des Kyrie aus Julián Carrillos Misa a San Juan XXIII von 1962 später in diesem Artikel sehen.

Ein Hinweis zu Zielen

Wir gehen nun zum „zielbasierten“ Teil des Ansatzes über. In der mikrotonalen Musik zum Beispiel, wenn Ihr Chor eine ungewohnte Kette von kleinen Intervallen singen muss — dann geben Sie ihnen eine grundsolide Vorstellung von dem Intervall, das sie umfassen, und die dazwischenliegenden Töne können fast unbewusst zusammenfallen. Sie können später in einem zweiten Schritt verfeinert werden.

Um zu verstärken, wie einfach das klingen kann, wenn es modelliert wird, macht Jacob Collier diese Art von Dingen munter zu einem kleinen Drittel:

(Seine vollständige Diskussion darüber beginnt wirklich um 10:12 Uhr, aber komm schon, schau dir das Ganze an. Der Typ ist so hip, es ist surreal.)

Der zielorientierte Ansatz beschränkt sich nicht nur auf das melodische Ausfüllen vertrauter Intervalle. Im weiteren Sinne geht es darum, eine Reihe von konzeptionellen Ankern in einem Stück bereitzustellen — in denen Sänger ihren Halt wiedererlangen können, wenn sie ihn unterwegs verlieren. Dies können melodische Zielintervalle wie oben sein; aber auch harmonische Zielintervalle zum Stimmen (z. B. für Eingänge) oder Zielakkorde.

Die Neuheit hier ist, dass die Ziele innerhalb des Stücks nicht musikalisch prominent sein müssen — sie können auf schwachen Beats oder an weniger betonten Stellen innerhalb einer Phrase usw. auftreten. Sie müssen nur den Sängern bereits vertraut sein, die sie dann zur Neukalibrierung verwenden können. Zum Beispiel könnte eine exotische Kadenzklangfülle das musikalische Ziel sein, muss aber nicht das konzeptionelle Ziel sein — diese Rolle könnte eine benachbarte, weniger wichtige, vertrautere Klangfülle sein. Hier ist ein Beispiel dafür in einem Stück, das ich geschrieben habe (das nach seiner Premiere im Januar auf NMBx gehostet wird 24):

Ein Auszug aus der Partitur von Robert Lopez-Hanshaws mikrotonaler Chorkomposition vokas animo.

Dies geht von einem Nur A-Dur-Akkord zu einem 7: 9:11 in der harmonischen Reihe von B Zwölftel (in meiner bevorzugten 72-Bit-Notation). Letzteres ist überraschend einfach zu nageln, da Sie einen sehr vertrauten Ort verlassen, wobei sich jedes Teil im Wesentlichen um Viertelschritte bewegt — eine Entfernung, die leicht geübt werden kann. Der gemeinsame Ton hilft auch.

Das Gerüst bauen

Die andere Sache, die Ihren mikrotonalen Unterricht leiten sollte, ist die pädagogische Idee des Gerüsts oder der „Zone der proximalen Entwicklung.“ All dies bedeutet, dass sich jedes neue Konzept auf unmittelbar benachbarte Konzepte beziehen muss; und die angrenzenden Konzepte führen zu Einsichten auf individueller Ebene.

Zum Beispiel: Sie lernen nicht lesen, wenn Ihnen jemand sagt, wie man liest. Es gibt keine Möglichkeit, dies zu tun, außer die Verbindung zwischen einzelnen Buchstabentönen und der Art und Weise, wie sie sich zu Wörtern verbinden, selbst herzustellen. Ihr Grundschullehrer hat Ihnen gerade die Voraussetzungen für diesen Sprung geschaffen, indem er Sie dazu gebracht hat, sich die Buchstabentöne zu merken, und Sie dann mit leicht zu entschlüsselnden Kombinationen konfrontiert hat (und dann mit nicht so einfachen).

Das Prinzip ist hier wichtig. Trotz der Attraktivität einer „Brute-Force“ -Methode, wie das Erlernen eines Stücks auswendig aus einer synthetisierten Aufnahme (neu einfach zu produzieren, aufgrund der Technologie!), wird diese Taktik für die meisten Menschen nicht erfolgreich sein – weil sie die Bausteine nicht verinnerlicht haben, um die neuen Intervalle „haften“ zu lassen.“ Und viele sind vielleicht nicht bereit, diesen großen technischen Sprung überhaupt zu machen; Deshalb sind sie nicht im Chor.

Wir müssen uns also ansehen, wie wir das Gerüst bereitstellen können.

Wir haben bereits zwei wichtige Dinge behandelt, die im normalen Chorgesang passieren und auf den mikrotonalen Gesang angewendet werden können. Was nun folgt, ist eine Liste zusätzlicher Konzepte, von denen jedes auf dem vorherigen aufbaut, und einige Ressourcen, um sie zu beherrschen. Es gibt zwei Wege, einen gerechten Intonationspfad und einen Gleichteilungsweg.

Nur Intonationspfad: Expressive Intonation

Ironischerweise beginnt dieser Weg mit dem Gegenteil der reinen Intonation: „expressive Intonation.“

Kein geringerer als Ezra Sims, der große Vertreter von 723, wurde von seinem Chorleiter Hugh Thomas auf den mikrotonalen Weg gebracht. Thomas bestand darauf, dass seine Ensembles sehr hohe führende Töne sangen, wenn sie zu Tonika aufgelöst wurden, und sehr niedrige 4ths, wenn sie zu 3rds aufgelöst wurden, unter anderem. Unter solchem Einfluß, sagt Sims, „wird es euch immer wieder schwerfallen zu glauben (egal wie sehr die Tasteninstrumente versuchen mögen, euch davon zu überzeugen), daß es zum Beispiel eine Sache gibt, die G-scharf ist, eine Frequenz, die sie für immer und ewig definiert, Amen.“

Expressive Intonation ist in ihrer gröbsten Form sehr intuitiv. (Übertreiben Sie die Tendenz der Tendenztöne! Wenn es also das Ziel erreichen kann, Sänger aus einer festen Denkweise herauszuschlagen, dann glättet es den Weg nach vorne erheblich.

Aktuelle Just Intonation

Fahad Siadat hat auf der Website seines Verlags eine Reihe von Artikeln veröffentlicht, die das Thema Just Intonation für Chöre vorstellen. Einige umfassendere Ressourcen, die derzeit verfügbar sind, umfassen Harmonic Experience von W. A. Mathieu, die ich im letzten Artikel erwähnt habe; und der Just Intonation Primer von David B. Doty, der eher direkter ist.

Ein praktischer Chorleiter kann nur wenige Intervalle auswählen, an denen er arbeiten möchte. Große Terzen und harmonische 7ths sind zunächst nützlich, da sie leicht zu demonstrieren sind. Bringen Sie einen Cellisten mit, um natürliche Harmonien zu spielen, und vergleichen Sie sie mit dem Klavier! Bringen Sie ein hochkarätiges Barbershop-Quartett mit, um einige Akkorde zu „läuten“! Zunächst entwickeln Sie nur die Idee, dass für ein bestimmtes Intervall mehrere „Geschmacksrichtungen“ mit jeweils einer anderen Funktion verfügbar sind.

Verwenden Sie, was für das vorliegende Stück relevant ist. Wenn Ihr Chor ihrem Vokabular nur die harmonische 7. hinzufügt, reicht das aus, um an Ben Johnstons I’m Goin ‚Away zu arbeiten.

Quantifizierung von Kommaverschiebungen

Ross Duffin ist bekannt für sein Buch über Mittelton- und Well-Temperamente, How Equal Temperament Ruined Harmony (And Why You Should Care). Aber er schrieb auch eine wunderbare Verteidigung und Methode für die reine Intonationspraxis, die davon abhängt, das syntonische Komma zu lokalisieren und zu verwenden. Dies ist eine sehr hilfreiche Art, systematisch über das Tuning von 3rds, 6ths und 7ths im Vergleich zu 4ths und 5ths nachzudenken. Es ist hier frei verfügbar. Er enthält sogar Übungen zum Üben typischer problematischer Intonationssituationen, die auftreten können.

Das Hilliard Ensemble und Nordic Voices beziehen dieses (in den Einzelheiten unterschiedliche) Grundsystem regelmäßig in ihre Praxis ein. Wenn Ihr Chor ein Semester lang Renaissance-Kontrapunkt singt und die Intonation durch diese Linse betrachtet, könnte das folgende Semester die Mikrotonalität weiter erweitern:

Erweiterte Nur Intonation

Jetzt kommen wir zu den seltsamen Dingen. Es ist möglich, mit viel Wiederholung und einer grundsoliden Referenz Intervalle der höheren Obertöne der harmonischen Reihe zu speichern und zu reproduzieren.

Eine mögliche Referenz ist der Obertongesang (Fahad Siadat, personal communication), der — auf einem niedrigen Fundament — zuverlässig Harmonische mindestens bis zum 14. und vielleicht noch weiter erzeugen kann. Eine neu abgestimmte digitale Tastatur ist eine weitere potenzielle Ressource.

Aber es gibt auch eine bemerkenswerte Reihe von Übungen: Andrew Heathwaite entwickelte ein System, um durch jedes mögliche Intervall zu singen, das zwischen Mitgliedern einer bestimmten Gruppe von obertonbasierten Tonhöhen auftritt, charmant Singtervals genannt. Andere haben dies näher ausgeführt. Es ist überraschend logisch und intuitiv und verwendet eine geringfügige Änderung der Solfège-Silben.

Wenn ein Sänger das Hören, Verstehen und Singen dieser Art von Matrix zu einem Teil seiner täglichen Praxis machen würde, wäre er bald in der Lage, sich einem streng obertonalen (oder untertonalen) Stück wie Henk Badings ‚Contrasten ohne viel Leiden zu nähern.

Vierteltonpfad: Zwischen den Tönen

Wenn wir wieder am Anfang eines anderen Weges beginnen, können wir die Fähigkeit der Menschen nutzen, gleiche Töne zwischen den Tonhöhen eines kleinen und vertrauten Intervalls zu singen, um ein echtes Vierteltongerüst zu entwickeln. Zuerst könnten Sie einfach eine Übung zu normalen Aufwärmübungen hinzufügen: Singen Sie F – Gb, dann F – F Viertel-sharp – Gb und dann dasselbe in die entgegengesetzte Richtung. Die Außentöne sind natürlich leicht am Klavier zu überprüfen.

Vollständige 24-Tonskala

Interessant wird es, diese einfache Technik auf alle dazwischen liegenden Positionen in der chromatischen Skala zu extrapolieren. Robert Reinhart, der Musiktheorie und Gehörbildung an der Northwestern University lehrt, ordnete den vierteltonalen Tonhöhen zwischen Solfège-Noten Zwischenvokale zu, wie z ra-reh-re-rih-ri für alle Sorten des zweiten Grades re. Er entwarf dann — und verwendete im Klassenzimmer – progressive Übungen, um das Ohr auf die neuen Intervalle zu trainieren. In vielen Fällen, Diese beinhalten zuerst bekannte Intervalle singen; dann die Lücken mit Vierteltönen füllen; und dann letztendlich nur die veränderten Tonhöhen singen, während die bekannteren umgebenden Tonhöhen vorgespielt werden.

Dies ist nur eine Erweiterung der Sichtgesangspädagogik in Do-Do-Systemen! Zum Beispiel, um das Muster do-fa-la (schwierig für Anfänger) zu lehren, kann man wiederholt eine Dur-Tonleiter singen und allmählich die dazwischenliegenden Töne re, mi und sol entfernen; zuerst auditieren Sie sie und machen dann den kognitiven Sprung, einfach do-fa-la ohne Krücke zu singen.

Reinhart hat zu diesem Thema einen Vortrag gehalten und arbeitet derzeit an einer systematischen Sammlung von Viertelton-Solfège-Übungen, die nach Schwierigkeitsgrad geordnet sind.

Auch Sie könnten dieses Grundgerüst verwenden, um beispielsweise Halbtöne in Gruppen von drei Sechsttönen zu unterteilen – oder ganze Töne in Fünftöne, wenn Sie enharmonische Musik der Renaissance singen. Die spezifischen Vokale in Ihrem erweiterten Solfège spielen keine Rolle, solange sie konsistent sind.

Tiefer gehen: 72-Tone Scale

Julia Werntz ist die aktuelle Trägerin der 72-Tone aural Skills Tradition am New England Conservatory und tritt die Nachfolge von Joe Maneri an. Sie bringt den Schülern bei, mit Zwölftönen zu hören, aufzutreten und zu komponieren — das heißt, Vierteltöne, die jeweils weiter in Terzen unterteilt sind. Ihre Klasse beginnt mit der Entwicklung eines Vierteltonrahmens und erarbeitet von dort aus. Das Kursbuch Steps to the Sea ist sowohl leicht zugänglich (mit vielen Audiobeispielen) als auch leicht verfügbar.

Wenn wir in die zwölften Töne kommen, beginnen die geraden Intonations- und Gleichteilungspfade zu verschmelzen. Speziell für Sänger entsprechen die einfacheren Intonationsintervalle so genau den Tonhöhen im Bereich von 72 Tönen pro Oktave, dass die Differenz — maximal etwa 5 Cent und normalerweise unter 3 — mit der Stimme buchstäblich unmöglich zu erzeugen ist.

Eine aktuelle Studie von Matthias Mauch et al. zeigt, dass selbst für erfahrene Sänger der gerade merkliche Unterschied und der mittlere Tonhöhenproduktionsfehler bei einer bestimmten Note bei 18 bis 19 Cent liegen — ein bisschen über einem ganzen 12. Ton! Die Studie befasste sich mit melodischem Solo-Gesang, und die Intonationsgenauigkeit kann im harmonischen Gesang (insbesondere im Friseursalon) etwas höher sein. aber nicht so viel wie du denkst.

(Verschiedene Quellen geben unterschiedliche Beträge für den gerade wahrnehmbaren Unterschied in verschiedenen Kontexten an, und 5-8 Cent ist der übliche Wert). Bei gesungenen Tonhöhen scheint jedoch etwas mehr Chaos zu herrschen.)

Zum Glück, falls Sie sich gefragt haben, können Mikrotöne wirklich erlernt werden, und das Gehörtraining in 72% hat wirklich den Effekt, die Tonhöhendiskriminierung und die Produktionsfähigkeit zu erhöhen. Es zähmt etwas von dem latenten Chaos des Musikmachens.

Das Endergebnis

Wenn du das alles mit deinem Chor durchgemacht hast, dann bist du besessen, und sie sind alle Heiligen. Was Sie wirklich tun sollten, ist, zwischen diesen Möglichkeiten zu wählen, basierend auf dem, was im Stück selbst vor sich geht. Das habe ich getan. Aber wo ich eine bestimmte Technik vielleicht noch nicht selbst angewendet habe, wurde sie von anderen in der Praxis getestet. Sie alle tun wirklich, was sie behaupten.

Mögliche schlechte Ergebnisse

Wie ich bereits versprochen habe, ist hier der erste Satz von Carrillos Misa:

Dies ist keine, sagen wir, Prüfsteinperformance. Die Sänger mögen angenommen haben, dass das Ziel ein „jenseitiger“ Klang war, und behaupteten vermutlich genug Erfolg, um die Aufnahme zu veröffentlichen. Aber leider haben sie die ganze Partitur ungenau gespielt, einschließlich der „diesseitigen“ Teile.

Sie sind von Anfang an schrill. Um 0:58 Uhr ist der Tenor im Vergleich zu den anderen eine ganze Halbtonebene, was zu einem klingenden Ab-Dur in der ersten Inversion anstelle des geschriebenen C-Dur-Akkords führt. (Wenn es um 1:07 Uhr wieder passiert, können Sie hören, wie er nach oben driftet, um zu versuchen, es zu korrigieren.) In der Musik, die ab 1:32 im Frame ist, singt der arme Bass 1 die perfekten 5tel als Tritone, weil er die tiefere Note nicht weit genug nach unten bringen kann. Und so weiter. Wenn man dies als Beispiel für mikrotonalen Chorgesang hört, könnte man verzeihen, dass man auf die Idee gekommen ist.

Aber trotz der Mängel dieser besonderen Aufführung war das Stück tatsächlich so geschrieben, dass es leicht zu verstehen war — mit der Taktik, die ich oben skizziert habe. Es könnte sogar als erstes Unterfangen in die Mikrotonalität für einen Chor funktionieren!

Hier ist, wie ich es angehen würde.

• Zunächst würde ich zu Beginn der Proben Vierteltöne zu den Warmups hinzufügen — einfach einen Halbton teilen. Dies geschieht ständig in Misa, so dass der Chor eine Menge Kilometer von nur dieser Übung bekommen würde.
• Dann würden wir auch in Warmups erweiterte Akkorde und andere Ganztonklänge bauen, wie und in verschiedenen Inversionen. Dies sind Carrillos Bausteine für das Stück. Sie sind als Strukturelemente im herkömmlichen Chorrepertoire etwas ungewöhnlich, daher müssten sie verstärkt werden, um als Ziele nützlich zu sein.
• Wenn wir dann zum Stück selbst gingen, sangen wir Segmente ohne die Vierteltöne, die eingreifen, und stellten sicher, dass der Chor die angestrebten Ganztonklänge in ihrem größeren harmonischen Rahmen auswendig gelernt hatte.
• Endlich ist es Zeit, die Vierteltöne einzufügen. Wir würden dies zunächst einen Teil nach dem anderen tun, um das melodische Bewusstsein zu festigen.
• Nun, die Überraschung! Carrillo bringt alle vierteltonalen Änderungen mit Ausnahme einiger Aufhängungen hilfreich in die vertikale Ausrichtung. Das Stück wechselt zwischen einer 12-tonigen „Welt“ und der komplementären „Welt“ in 24 Tönen. Die Klangfarben, die durch die veränderten Tonhöhen erzeugt werden, sind also im Allgemeinen vertraut. Die Klangfülle bei 1:11, im zweiten Takt des letzten Taktes im Frame, ist in der Tat ein A-Dur—Akkord in der ersten Inversion – also sollte es wie ein Dur-Akkord in der ersten Inversion klingen! Jeder kennt diesen Sound.

All dies geht völlig verloren in der heulenden, locker-schwankenden Intonation dieser Aufführung. Ich glaube, eine genaue Interpretation, andererseits, würde ein Stück von außerordentlich anderem Charakter enthüllen als das, was in der Aufnahme präsentiert wird: vielleicht verblüffend, wie zugänglich es wirklich ist.

Fazit: Praktisches

Hier sind einige verschiedene Vorschläge, die ich zum Unterrichten von Mikrotönen an Chöre geben kann.

Verwenden Sie Warmups, um neue musikalische Konzepte zu verstärken, falls dies nicht bereits klar war. Warum Zeit damit verschwenden, Dur-Tonleitern oder Arpeggios das ganze Warmup zu singen, wenn Sie Vierteltöne durch Wiederholung üben oder harmonische Reihenakkorde aufbauen könnten? Dies reduziert die Unterrichtszeit am mikrotonalen Stück selbst.

Spielen Sie auf keinen Fall einen Toncluster anstelle eines dazwischenliegenden Tons, wenn Sie eine mikrotonale Melodie auf einem Standardklavier modellieren. Dies tut nichts, um sich die Tonhöhe vorzustellen („hören“ wir a D, wenn C-E gespielt wird? Hölle nein! Warum sollten wir also ein D-Viertel-Sharp hören, wenn D-Eb gespielt wird?), und es modelliert eine Dissonanz, die der Chor Ihnen verbindlich geben wird. Besser die veränderte Tonhöhe überspringen – oder noch besser:

Möglichst mit der Stimme modellieren. Dies ist nicht nur einfacher zu befolgen als eine Tastatur, sondern zeigt auch, dass die Passage tatsächlich ausführbar ist.

Stimmen Sie die Tastatur neu ab, wenn sie digital ist. Die Aufgabe ist jetzt im Grunde trivial, mit der verfügbaren Technologie; aber es kann nicht so für Sie persönlich sein. Wenn das der Fall ist, und du bist eine Person, die dies lesen würde, dann hast du sicherlich Freunde, die große Nerds wie du sind, außer mit Computern. Sie können sie um einen Gefallen bitten oder sie beauftragen, dies für Sie zu tun. BitKlavier ist freie Software mit einer einfachen Lernkurve; Wenn sie in Max / MSP programmieren können, sollten sie in der Lage sein, Pure Data ohne viel Aufhebens zu verwenden, was ebenfalls kostenlos ist; oder Sie könnten für PianoTeq Standard berappen, die professionelle Klangqualität und sehr gute mikrotonale Tuning Kontrollen hat. Es gibt viele andere Optionen, aber diese sind ein Anfang.

Die enge Zusammenarbeit mit Ihrem Begleiter ist von entscheidender Bedeutung, insbesondere wenn Tasten drastisch neu zugeordnet werden! Aber noch einmal, wenn Sie eine Person sind, die dies liest, ist Ihr Begleiter wahrscheinlich ein Spiel dafür.

Machen Sie zuerst all das normale Chormaterial – sprechen Sie das Stück im Rhythmus, zielen Sie auf präzise Cutoffs, verwenden Sie ausdrucksstarke Phrasierungen, interpretieren Sie die Texte –, damit sie erkennen, wie viel sie bereits wissen.

Die richtige Atemunterstützung ist absolut unverzichtbar. Unbekanntheit verursacht Unsicherheit, und Unsicherheit verursacht unsachgemäße Unterstützung, und unsachgemäße Unterstützung erzeugt schlaffe Tonhöhe und schlechtes Timbre, was das Projekt unendlich schwieriger macht. Verlieren Sie also nie das Fundament eines gut unterstützten Sounds aus den Augen und kommen Sie oft darauf zurück.

Am wichtigsten ist es, Freude an der Musik zu vermitteln. Und geht es nicht immer darum?

Melde dich für unseren monatlichen NewMusicBox Newsletter an