deBrevedIn kontakt med harmoniske

der er masser af steder at lære om harmoniske; alle bøgerne har små blurbs på dem, og der er masser af guider online. De siger alle, at du kan gøre dette eller det, men de synes alle at tale om ting isoleret, som om den eneste gang du spiller en harmonisk er som en hel note med hvile før og efter det. Det ligner meget oplysningerne eller manglen på dem på dobbeltstop. Faktisk er der mange ligheder mellem udførelsen af harmoniske og dobbeltstop, så nogle af de samme overvejelser gælder.

lad os først se på de grundlæggende typer harmoniske: naturlige og kunstige (eller falske). Dette vil være kort, da der er mange andre ressourcer, der går ind i en masse detaljer om dette. Jeg vil skære ned på det, der er praktisk.

naturlige harmoniske er, hvor spilleren kun rører strengen på en harmonisk knude. Det er en god ide at forpligte disse til hukommelse, da den samme matematik gælder, når vi kommer til kunstige harmoniske.

• Berør ved oktaven, opdeler streng i halvdelen, tonehøjde = en oktav
• Berør ved 5., opdeler streng i 3., tonehøjde = en oktav og en 5.
• Berør ved 4., opdeler streng i 4., tonehøjde = 2 oktaver
• Berør ved Major 3., opdeler streng i 5., tonehøjde = 2 octave og en major 3.

disse kan også afspilles i andre positioner på strengen. For eksempel for at få en oktav og en femtedel, betyder det ikke noget, hvilken knude du rører ved, så længe den ‘skærer’ strengen i 3rds. Dette betyder, at spilleren kan få adgang til den samme harmoniske fra hver ende af strengen. Der er også mange andre naturlige harmoniske muligheder. Dem, jeg nævner, er de mest almindelige, og bortset fra oktaven, dem der overfører godt til kunstige harmoniske.

når man overvejer forskellen i lyd af en naturlig vs. en kunstig harmonisk, er det godt at bare tænke på dem på samme måde, som vi tænker på at bruge en åben streng vs. en stoppet streng. Selvom det ikke er helt så indlysende som det er med normale noter, er forskellen stadig der. Open har en lidt større, mere skingrende lyd end fingered, hvor puden af fingeren tager kanten af en smule.

mens naturlige harmoniske er meget anvendelige på enkeltnoter, skal du overveje kunstige harmoniske, når du vil spille sætninger. Indtil videre har vi været begrænset til grundlæggende tonehøjder for de åbne strenge, hvilket begrænser de tilgængelige toner som harmoniske. Men hvis vi ser på kunstige harmoniske, kan vi bruge enhver tonehøjde som roden. For at spille en kunstig harmonisk du finger den grundlæggende, og tryk derefter på noden. Matematikken er den samme som med den naturlige harmoniske; den eneste begrænsende faktor er, hvilke intervaller hånden kan strække sig til. For eksempel er den første harmoniske, oktaven, ikke mulig. Det nemmeste og mest almindelige er, hvad jeg kalder en “touch 4” (to oktaver). Dette er let på alle strengeinstrumenter undtagen bassen, som jeg vil forklare senere.

hvad jeg har dækket hidtil er de samme oplysninger, der er i de fleste bøger. Der er dog et par ting, de ikke siger meget om.

du skal overveje udførelsen af kunstige harmoniske. Isoleret er alt muligt, men i virkeligheden deler deres præstation nogle af de samme overvejelser som dobbeltstop, da du bruger to fingre på samme tid. Det betyder, at det er svært at spille en legato linje. Hvis noten flytter et trin, er det ret nemt at flytte det hurtigt. Men vær advaret, det er svært at lande på den næste tonehøjde perfekt. Når du bevæger dig op eller ned, ændres afstanden mellem det grundlæggende og noden. Det er ikke så simpelt som at låse fingrene i en bestemt afstand og flytte dem. Dette gør målretning af en tonehøjde lidt vanskelig, og det er let at gå glip af den næste note i en sætning. Du hører ofte nogen i sektionen gå glip af det harmoniske. Du kan få en død note, den grundlæggende eller en anden harmonisk. Hvis skiftet er større end et trin, vil du enten høre et dias, eller der vil være et hul, når de sætter buen på pause og skifter fingrene.

der er dog måder omkring dette, og det er muligt at få en dejlig legato-linje med en omhyggelig orkestrering.

du vil bemærke, at jeg har overlappet noterne lidt. Strenge har en tendens til at spille noter lidt kortere end den skriftlige varighed, de også ‘hale ud’ enderne. Ved at overlappe noterne modvirker du dette og får en tilsluttet linje. Du kan bare skrive den sande varighed og bede dem om at spille lidt længere, men hvis du har kort tid, på denne måde behøver du ikke sige noget. En meget cool effekt er at forlænge disse endnu mere, så du virkelig hører overlapningen. Det fungerer endnu bedre, når du har Violin I til venstre og Violin II til højre og i stedet for at dele på stativet, skal de første spille toppen og sekunder spille bunden. Det er en fantastisk ‘stereo’ effekt.

der er flere grunde til, hvorfor touch 4 er den mest almindelige. For det første er matematikken let, det lyder op to oktaver. For det andet er formen på hånden på violin og viola perfekt til touch 4, Det er lige hvor pinky er som standard. Touch 5 er en strækning, så ikke så ergonomisk. Da strengen skæres i divisioner for at spille en harmonisk, er touch 5 en lidt større lyd end 4. Touch 3 ‘ erne er ikke svære at spille, men da strengen nu er skåret i mange stykker, er lyden ikke så klar. Jo større instrumentet er, desto mindre er dette et problem, da strengene er længere.

virkelige verden eksempler

her er en lille melodi, der kom op i en nylig cue. Den eneste måde at få det spillet nøjagtigt på var at opdele det. De to øverste stave deler sig på stativet. Vi havde 24 violiner, så det blev delt 8/8, og derefter blev linjen spillet af den resterende 8. I studiet kopieres alle violiner på samme del, så disse typer af divisioner er ikke et problem. Ved at blande touch 4 og 5 harmoniske kunne jeg lade hånden være i samme position i flere toner, hvilket gjorde delen meget lettere at spille. Det faktum, at forskellige toner kom fra forskellige spillere, var ikke mærkbar i den resulterende lyd.

her er en anden figur fra samme cue. Jeg noterede den første’ B ‘ som et tryk 5, da hånden derefter er i en let position for den næste harmoniske. Jeg kunne lige have skrevet tonehøjderne med cirkler som i guidestavene, men jeg vil lægge penge på nogen, der spiller E som en naturlig harmonisk og dermed ikke afbalancerer med de andre toner.

noter harmoniske

for naturlige harmoniske placerer du en diamantnote på noden og angiver strengen med et romertal eller “Sul” (medmindre det kun er muligt på en streng).

historisk set har det været almindeligt at skrive alle naturlige harmoniske som hule diamanter, hvilket betyder, at du skal skrive rytmen ovenfor, hvis det ikke er indlysende. Lejlighedsvis har jeg skrevet ved hjælp af solide diamanter og ikke haft et problem, men dette er et sted, hvor jeg føler, at den traditionelle måde ikke er den mest ideelle! I 99.9% af det arbejde, jeg gør, jeg bruger aldrig dette system alligevel. Den nemmeste måde er at skrive klingende tonehøjde og sætte en cirkel over (se det første ‘lyder som’ eksempel ovenfor). Hvis det er en indlysende naturlig harmonisk, det vil blive spillet som sådan.

i studiet foretrækker jeg at bruge kunstige harmoniske. Fordelen ved kunstige harmoniske er, at spillerne kan indstille dem til konteksten, mens naturlige harmoniske er låst inde.

der er to måder at notere de kunstige harmoniske på: Skriv den lydende tonehøjde og læg en cirkel over den, eller skriv de fingerede noter. I årenes løb er jeg gået lidt frem og tilbage på, hvad der er bedst, men i de fleste tilfælde skriver jeg nu den fingerede version. Det er klart for spillerne, og det hjælper mig også med at visualisere, hvad spilleren skal gøre, herunder hvor deres hånd vil være, og du kan sikre, at de spiller en kunstig, ikke naturlig, harmonisk. Hvis du er usikker på, hvad du laver, skal du gå efter den klingende tonehøjde og cirklen. Hvis du ved, hvordan du opretter det harmoniske, så synes jeg det er bedre at skrive fingering. Et problem med at bruge klingende tonehøjde er, at når du bliver høj, skal du bruge 8va eller 15ma, og det kan blive forvirrende at læse og fortolke. Det kan også tage tid for spillerne at finde ud af den bedste måde at gøre det på, og hvilke noder der skal bruges. Cirkelmetoden præsenterer også problemer, når det kommer til basser, da der er en tankegang, at harmoniske i diskantknude (skrevet med den lille cirkel) er skrevet på banen (ikke transponeret), så du skal afklare. Hvis du skriver de fingerede noter, er der ingen forvirring.

du vil ofte se den klingende note skrevet over de fingernoter i parentes. Dette kan være nyttigt i akademiske situationer, eller hvis du skriver masser af forskellige harmoniske, men det er mere en bekvemmelighed for score læseren og ikke spillerne. Fingering kan trods alt kun give et resultat. I mine scoringer tilføjer jeg ikke den klingende tonehøjde, da jeg ved, hvad noten vil være, og det gør spillerne også.

jeg har også set folk blive forvirrede og flette aspekter af disse forskellige metoder. For eksempel tilføjer en cirkel over en diamant. Diamanten angiver en harmonisk knude, så det er således… en harmonisk! Cirklen i dette tilfælde er overflødig og forkert, da det betyder ‘harmonisk ved denne lydhøjde.’String spillere er temmelig intelligente mennesker og vil arbejde de fleste ting ud, men ligesom det er muligt at læse tekst med stavefejl, det er ikke nødvendigvis behageligt. Man bør altid stræbe efter at være korrekt, ikke bare tæt nok.

noget andet, der forekommer overflødigt for mig, er fortsættelsen af harmoniske cirkler på lange bundne noter.

dette er den rigtige måde at gøre det på, men jeg sætter spørgsmålstegn ved, om cirklerne er nødvendige efter den første note. Jeg har aldrig gjort dette, og har aldrig haft min sektion pludselig bytte til en normal note.

Hvem kan gøre hvad?
violiner kan spille alle disse harmoniske, da de let kan nå en femtedel. Violer kan også gøre det, men den femte er sværere for folk med mindre hænder. Det bliver mere interessant med cello. Da noterne er meget længere fra hinanden, kan de kun nå den fjerde ved at flytte hele hånden oven på båndbrættet og bruge tommelfingeren til at holde det grundlæggende nede. Strækningen af den femte er ikke mulig før en femtedel op i strengen, så G på C-strengen er første gang, de kan nå en knude for at skabe den harmoniske. Bassen har en endnu sværere tid. De kan ikke nå indtil en større sjette op og ligesom cello, de også nødt til at flytte tommelfingeren på toppen. Noterne er langt fra hinanden på den nederste del af gribebrættet, så det er umuligt at strække. Den ekstra vanskelighed med bassen er, at de på grund af placeringen af gribebrættet ikke komfortabelt kan få hånden på toppen før den sjette. På denne position er touch 3 og touch 4 harmoniske mulige. Når de bevæger sig op til oktaven, er touch 5 også en mulighed. Disse er alle sikre regler for orkesterspil. For solister, grænserne kan skubbes, og visse spillere med store hænder eller lette skuldre kan gøre mere, men tjek med afspilleren, før du skriver.

Husk dog, at naturlige harmoniske stadig arbejder på de områder, hvor hånden ikke kan nå.

effekter
der er nogle meget seje effekter, du kan oprette med harmoniske. Harmoniske dias er nemme og meget effektive. En naturlig harmonisk dias er, hvor du let rører den åbne streng og glider fingeren rundt. Når den bevæger sig, rammer den forskellige noder, og tonehøjden ændres. Pladserne vil alle være baseret på den harmoniske serie af den åbne streng. En mere interessant version med et mere tilfældigt lydresultat er brugen af kunstige harmoniske. Som jeg nævnte tidligere, bliver afstanden mellem noter tættere, når du går op på fingerbrættet. Hvis du vil glide den samme tonehøjde, skal du justere afstanden mellem fingrene. Men hvis du ikke justerer og holder dem låst, vil du røre ved forskellige noder, når du går op og ned. Når du har en hel sektion, der gør dette, lyder det ret cool, som en flok måger.

der er mange måder at notere noget som dette på. Du kan komme med nogle skøre grafik, men jeg foretrækker altid at bruge standard notation og en ’til det punkt’ tekstbeskrivelse. Jeg elsker det, når jeg ser skør grafik og derefter en enorm forklaring på, hvad den skøre grafik betyder.

som standard spiller spillere ikke harmoniske med vibrato. De kan dog; det er bedst at tjekke med en spiller og se, om det er en lyd, du ønsker. Det kan være en cool effekt, men generelt forventer vi, at harmoniske er glasagtige og statiske.

Scoring sessioner og harmoniske
jeg synes, det er vigtigt, at jeg også taler om vanskeligheden ved at få en ren præstation af harmoniske. Det er svært! Selvom passagen er let, eller du har skrevet den ud på en måde, der gør det lettere at udføre, er det stadig virkelig svært at få en in tune og ren lyd fra en hel sektion. Det er meget let at ‘savne’ det harmoniske ved bare lidt og få en ‘død’ tone eller knirk af en slags. Der er også meget støjopbygning. Af disse grunde forlader vi ofte harmoniske som prøver på film og TV-scoringer. Hvis vi vælger at optage, vil vi ofte stribe det.