deBrevedIn Touch with Harmonics

Hay muchos lugares para aprender sobre armónicos; todos los libros tienen pequeños comentarios y hay muchas guías en línea. Todos dicen que puedes hacer esto o aquello, pero todos parecen hablar de las cosas de forma aislada, como si la única vez que tocas un armónico fuera como una nota completa con un descanso antes y después de ella. Es muy similar a la información, o la falta de ella, en las paradas dobles. De hecho, hay muchas similitudes entre el rendimiento de los armónicos y los topes dobles, por lo que se aplican algunas de las mismas consideraciones.

Primero veamos los tipos básicos de armónicos: naturales y artificiales (o falsos). Esto será breve, ya que hay muchos otros recursos que entran en muchos detalles sobre esto. Voy a cortar a lo que es práctico.

Los armónicos naturales son cuando el jugador toca la cuerda solo en un nodo armónico. Es una buena idea comprometerlos a la memoria, ya que la misma matemática se aplica cuando llegamos a armónicos artificiales.

• Tocar en la octava, divide la cuerda por la mitad, pitch = una octava
• Tocar en la 5ª, divide la cuerda en 3rds, pitch = una octava y una 5ª
• Tocar en la 4ª, divide la cuerda en 4ª, pitch = 2 octavas
• Tocar en la 3ª Mayor, divide la cuerda en 5ª, tono = 2 octavas y una tercera mayor

Estos también se pueden tocar en otras posiciones de la cuerda. Por ejemplo, para obtener una octava y una quinta, no importa qué nodo toque, siempre y cuando «corte» la cadena en 3rds. Esto significa que el jugador puede acceder al mismo armónico desde cualquier extremo de la cuerda. También hay muchas otras posibilidades armónicas naturales. Los que menciono son los más comunes, y aparte de la octava, los que se transfieren bien a armónicos artificiales.

Al considerar la diferencia en el sonido de un armónico natural frente a un armónico artificial, es bueno pensar en ellos de la misma manera que pensamos en usar una cuerda abierta frente a una cuerda detenida. Si bien no es tan obvio como lo es con las notas normales, la diferencia sigue ahí. Open tiene un sonido ligeramente más grande y estridente que fingered, donde la almohadilla del dedo quita un poco el borde.

Mientras que los armónicos naturales son muy útiles en notas individuales, cuando desee reproducir frases, debe considerar armónicos artificiales. Hasta ahora nos hemos limitado a las notas fundamentales de las cuerdas abiertas, lo que limita las notas disponibles como armónicos. Pero si miramos armónicos artificiales, podemos usar cualquier tono como raíz. Para tocar un armónico artificial, toca el fundamental, luego toca el nodo. La matemática es la misma que con la armónica natural; el único factor limitante es a qué intervalos puede estirarse la mano. Por ejemplo, el primer armónico, la octava, no es posible. La más fácil y común es lo que llamo un «toque 4» (dos octavas). Esto es fácil para todos los instrumentos de cuerda, excepto el bajo, que explicaré más adelante.

Lo que he cubierto hasta ahora es la misma información que está en la mayoría de los libros. Sin embargo, hay algunas cosas de las que no dicen mucho.

Debe tener en cuenta el rendimiento de los armónicos artificiales. De forma aislada, todo es posible, pero en realidad su rendimiento comparte algunas de las mismas consideraciones que las paradas dobles, ya que estás usando dos dedos al mismo tiempo. Eso significa que es difícil tocar una línea de legato. Si la nota mueve un paso, es bastante fácil moverla rápidamente. Pero ten cuidado, es difícil aterrizar en el siguiente campo a la perfección. A medida que se mueve hacia arriba o hacia abajo, la distancia entre el nodo fundamental y el nodo cambia. No es tan simple como bloquear los dedos a una distancia determinada y moverlos. Esto hace que apuntar a un tono sea un poco difícil, y es fácil perderse la siguiente nota de una frase. A menudo oyes a alguien en la sección perder el armónico. Es posible que obtengas una nota muerta, la fundamental u otro armónico. Si el cambio es más grande que un escalón, escuchará un deslizamiento o habrá un hueco mientras pausan el arco y mueven los dedos.

Sin embargo, hay formas de evitarlo, y es posible obtener una buena línea de legato con una orquestación cuidadosa.

Notarán que he solapado un poco las notas. Las cuerdas tienen una tendencia a tocar notas un poco más cortas que la duración escrita, también «se alejan» de los extremos. Al superponer las notas, contrarrestará esto y obtendrá una línea conectada. Podrías simplemente escribir la duración verdadera y pedirles que toquen un poco más, pero si tienes poco tiempo, de esta manera no necesitas decir nada. Un efecto muy fresco es alargar estos aún más para que realmente escuches la superposición. Funciona aún mejor cuando tienes el violín I a la izquierda y el Violín II a la derecha y, en lugar de dividirlo en el soporte, haz que los primeros toquen la parte superior y los segundos la parte inferior. Es un gran efecto ‘estéreo’.

Hay varias razones por las que el touch 4 es el más común. En primer lugar, la matemática es fácil, suena dos octavas. En segundo lugar, la forma de la mano en el violín y la viola es perfecta para el touch 4, es justo donde está el meñique por defecto. El touch 5 es elástico, por lo que no es tan ergonómico. Como la cuerda se está cortando en divisiones para tocar un armónico, el touch 5 es un sonido ligeramente más grande que el 4. Los touch 3 no son difíciles de tocar, pero como la cuerda ahora está cortada en muchas piezas, el sonido no es tan claro. Cuanto mayor sea el instrumento, menor será el problema, ya que las cuerdas son más largas.

Ejemplos del mundo real

Aquí hay una pequeña melodía que surgió en una entrada reciente. La única forma de reproducirlo con precisión era dividirlo. Los dos duelos superiores se dividen en el soporte. Teníamos 24 violines, así que se dividió 8/8 y luego la línea de pizz fue tocada por los 8 sobrantes. En el estudio, todos los violines se copian en la misma parte, por lo que este tipo de divisiones no son un problema. Mezclando los armónicos touch 4 y 5, podía dejar la mano en la misma posición para varias notas, haciendo que la parte fuera mucho más fácil de tocar. El hecho de que las diferentes notas provenían de diferentes instrumentistas no se notaba en el sonido resultante.

Aquí hay otra figura del mismo taco. Anoté la primera ‘ B ‘ como un toque 5, ya que la mano está en una posición fácil para el siguiente armónico. Podría haber escrito los tonos con círculos como en los pentagramas guía, pero apostaré por alguien que toque el Mi como armónico natural y, por lo tanto, no se equilibre con las otras notas.

Armónicos de notación

Para armónicos naturales, coloque una nota de diamante en el nodo y especifique la cuerda con un número romano o » Sul » (a menos que solo sea posible en una cuerda).

Históricamente, ha sido común escribir todos los armónicos naturales como diamantes huecos, lo que significa que tienes que escribir el ritmo anterior si no es obvio. En ocasiones, he escrito usando diamantes sólidos y no tuve ningún problema, pero este es un lugar donde siento que la forma tradicional no es la más ideal. En la 99.el 9% del trabajo que hago, nunca uso este sistema de todos modos. La forma más fácil es escribir el tono de sonido y poner un círculo arriba(ver el primer ejemplo de «suena como» arriba). Si es un armónico natural obvio, se tocará como tal.

En el estudio, prefiero usar armónicos artificiales. La ventaja de los armónicos artificiales es que los instrumentistas pueden sintonizarlos con el contexto, mientras que los armónicos naturales están bloqueados.

Hay dos maneras de anotar los armónicos artificiales: escribir el tono sonoro y poner un círculo encima de él, o escribir las notas con dedos. A lo largo de los años he ido y venido un poco sobre lo que es mejor, pero en la mayoría de los casos ahora escribo la versión con dedos. Está claro para los jugadores y también me ayuda a visualizar lo que el jugador tiene que hacer, incluyendo dónde estará su mano, y puede asegurarse de que jueguen de forma artificial, no natural, armónica. Si no está seguro de lo que está haciendo, opte por el tono sonoro y el círculo. Si sabes cómo crear el armónico, entonces creo que es mejor escribir la digitación. Un problema con el uso del método de tono sonoro es que cuando te colocas, necesitas usar 8va o 15ma y eso puede ser confuso para leer e interpretar. También puede tomar tiempo para que los jugadores encuentren la mejor manera de hacerlo y qué nodos usar. El método del círculo también presenta problemas cuando se trata de bajos, ya que hay una escuela de pensamiento que los armónicos en clave de sol (escritos con el círculo pequeño) se escriben en tono (no transpuesto), por lo que necesita aclarar. Si escribes las notas con los dedos, no hay confusión.

A menudo verá la nota sonora escrita encima de las notas con dedos entre paréntesis. Esto puede ser útil en situaciones académicas o si está escribiendo muchos armónicos diferentes, pero es más conveniente para el lector de partituras y no para los instrumentistas. Después de todo, la digitación solo puede producir un resultado. En mis partituras no añado el tono sonoro, ya que sé cuál será la nota y también lo hacen los instrumentistas.

También he visto a personas confundirse y combinar aspectos de estos diferentes métodos. Por ejemplo, agregar un círculo encima de un diamante. El diamante indica un nodo armónico, por lo que es harmonic ¡un armónico! El círculo en este caso es redundante e incorrecto, ya que significa ‘armónico en este tono de sonido.»Los instrumentistas de cuerdas son personas bastante inteligentes y resolverán la mayoría de las cosas, pero al igual que es posible leer texto con errores ortográficos, no es necesariamente agradable. Uno siempre debe esforzarse por estar en lo correcto, no solo lo suficientemente cerca.

Otra cosa que me parece redundante es la continuación de círculos armónicos en notas largas empatadas.

Esta es la forma correcta de hacerlo, pero me pregunto si los círculos son necesarios después de la primera nota. Nunca he hecho esto, y nunca he tenido mi sección de un cambio repentino a una nota normal.

Quién puede hacer qué?
Los violines pueden tocar todos estos armónicos, ya que pueden alcanzar fácilmente una quinta parte. Las violas también pueden hacerlo, sin embargo, la quinta es más difícil para las personas con manos más pequeñas. Se pone más interesante con el violonchelo. Como las notas están mucho más separadas, solo pueden alcanzar la cuarta moviendo toda la mano sobre el tablero del traste y usando el pulgar para mantener pulsada la fundamental. El estiramiento de la quinta no es posible hasta una quinta por encima de la cuerda, por lo que G en la cuerda de Do es la primera vez que pueden alcanzar un nodo para crear el armónico. El bajo tiene un tiempo aún más difícil. No pueden alcanzar hasta una sexta mayor y, al igual que el violonchelo, también tienen que mover el pulgar hacia arriba. Las notas están muy separadas en la parte inferior del diapasón, por lo que es imposible estirarlas. La dificultad añadida con el bajo es que debido a la posición del diapasón, no pueden colocar cómodamente su mano en la parte superior hasta el sexto. En esta posición, los armónicos touch 3 y touch 4 son posibles. Cuando suben a la octava, el toque 5 también es una opción. Todas estas son reglas seguras para tocar orquestalmente. Para los solistas, los límites pueden ser empujados y ciertos jugadores con manos grandes o hombros flexibles pueden hacer más, pero consulte con el jugador antes de escribir.

Recuerde, sin embargo, que los armónicos naturales todavía funcionan en los rangos donde la mano no puede alcanzar.

Efectos
Hay algunos efectos muy interesantes que puedes crear con armónicos. Las guías armónicas son fáciles y muy efectivas. Un deslizamiento armónico natural es donde tocas ligeramente la cuerda abierta y deslizas el dedo alrededor. A medida que se mueve, golpea diferentes nodos y el tono cambia. Todas las alturas se basarán en la serie armónica de la cuerda abierta. Una versión más interesante con un resultado de sonido más aleatorio es el uso de armónicos artificiales. Como mencioné anteriormente, la distancia entre notas se acerca a medida que subes por el tablero de dedos. Si desea deslizar el mismo tono, debe ajustar la distancia entre los dedos. Pero si no los ajustas y los mantienes bloqueados, tocarás diferentes nodos a medida que subes y bajas. Cuando tienes una sección entera haciendo esto, suena bastante bien, como una bandada de gaviotas.

Hay muchas maneras de anotar algo como esto. Podrías crear algunos gráficos locos, pero siempre prefiero usar notación estándar y una descripción de texto «al grano». Me encanta cuando veo gráficos locos y luego una gran explicación de lo que significa el gráfico loco.

De forma predeterminada, los jugadores no tocan armónicos con vibrato. Sin embargo, pueden hacerlo; lo mejor es consultar con un jugador y ver si ese es el sonido que desea. Puede ser un efecto frío, pero en general esperamos que los armónicos sean vidriosos y estáticos.

Sesiones de puntuación y armónicos
Creo que es importante que también hable de la dificultad para obtener un rendimiento limpio de los armónicos. ¡Es difícil! Incluso si el pasaje es fácil, o lo has escrito de una manera que hace que sea más fácil de interpretar, todavía es muy difícil obtener un sonido afinado y limpio de toda una sección. Es muy fácil ‘perder’ el armónico por un poco y obtener un tono ‘muerto’ o un chirrido de algún tipo. También hay mucha acumulación de ruido. Por estas razones, a menudo dejamos armónicos como muestras en películas y partituras de televisión. Si elegimos grabar, a menudo lo rayaremos.