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Preámbulo Emotivo

Como director de coro, la mayoría de mi experiencia es con conjuntos juveniles y aficionados. Por lo tanto, por lo general trato con un conjunto diferente de preocupaciones y prioridades que muchos lectores de NMBx podrían.

Lo primero que hay que saber sobre los coros por debajo del nivel profesional es que, en mi firme creencia, estamos en ello por la comunidad sobre todo. ¡También hay orgullo en la ejecución técnica, por supuesto! Pero mucho más, se trata de transmitir emoción, y experimentar la misma emoción, y así crear y mantener los vínculos de la comunidad entre sí y con una audiencia.

Además, es bastante común encontrar cantantes corales experimentados que tienen una capacidad limitada de lectura a primera vista, que confían en una habilidad finamente desarrollada para retener y repetir las melodías que escuchan. La notación se convierte entonces, como en la Europa medieval, más en una ayuda a la memoria que en un conjunto de instrucciones explícitas.

Un facsímil del manuscrito para ‘Iubilate deo universa terra’ que muestra una serie de neumas cheironómicas no aclaradas añadidas a los versículos del salmo. (Imagen de dominio público.)

La alegría es que pone la experiencia de hacer música comunitaria al alcance de una población muy grande. El reto es que el director es muy a menudo, por necesidad, un maestro. Por lo tanto, para los coros aficionados, no hay garantía de que los cantantes tengan la conciencia de la partitura completa que es un sello distintivo de los conjuntos de élite; y para muchos, ¡básicamente hay una garantía de que no lo harán!

¿Por qué demonios alguien intentaría traer música microtonal a este ecosistema? Bueno, por un lado, ayudará a perfeccionar la conciencia entonacional de todos, que puede ser muy necesaria. Pero, en sus propios términos: ¡hay nuevos mundos de emoción que explorar que no están disponibles con 12 tonos iguales solo!

Sin embargo, un director en esta circunstancia necesita vender la pieza en cuestión a un conjunto quizás escéptico. Usa todo tu entusiasmo ilimitado para apoyar las técnicas metódicas a continuación. Si les gustas a los cantantes, le darán una oportunidad.

Con todas las advertencias fuera del camino, entonces, pasemos al lado técnico.

El lado técnico

Para la enseñanza de pasajes microtonales, abogo por un enfoque» bimodal basado en objetivos». Elegí este nombre porque necesitaba un título que fuera a la vez preciso e impresionante para una propuesta en papel. (Funcionó.) Pero esto es lo que quiero decir:

Bimodal: Requiere una conciencia integrada de los aspectos horizontales y verticales de cada cambio de tono. Es decir, uno debe tener en cuenta la relación de un nuevo tono con el tono que acaba de dejar, y también su contexto dentro de la sonoridad en la que llega. A menudo son independientes.

Basado en objetivos: Confiar en anticipar lo familiar, ya sea melódico o armónico, o de hecho ambos. Cuando esto se hace, las cosas intervinientes pueden encajar más fácilmente, incluso medio inconscientemente.

Estas dos tácticas ya son necesarias para ser un buen músico coral dentro del repertorio estándar, pero es importante hacerlas explícitas cuando trabajamos con microtonalidad. Un paso útil para usarlos explícitamente en piezas microtonales es usarlos explícitamente para pasajes tonales desafiantes. Por lo tanto, un director podría trabajar en estas tácticas durante el semestre inmediatamente antes de que una pieza microtonal esté en el programa.

Un ejemplo tonal de la estrategia bimodal

Un pasaje ilustrativo está en O Magnum Mysterium de Poulenc. Entre muchos problemas entonacionales en esta pieza, considere el tritono en el tenor de apertura, a las 0:08 y algunas veces después:

La mayoría de los cantantes pueden sacar un tritono, pero no es un intervalo confiable. No es raro que necesite que se le recuerde cómo suena, usando el tema de María o los Simpson como mnemotécnico. (Aquí hay un hilo de comentarios conmovedor del video de los Simpson:)

Incluso cuando lo tienen de forma segura, cada persona lo ejecutará de manera ligeramente diferente, especialmente cuando ninguno de los tonos involucrados actúa como tono principal. El tono de grupo resultante puede ser difuso. Y, debido a que es un intervalo horizontal «disonante», a menudo existe la expectativa de una disonancia donde aterriza.

Entonces, lo cantas lentamente, afinas ese acorde en un tono largo—y se hace evidente que el» Cb » es de hecho un Si natural, ¡el tercio de un Sol mayor!

Los tenores ahora, idealmente, experimentan ese punto problemático en dos niveles. En un sentido, están cantando un tritono desde la nota anterior. Pero en otro sentido, están ocupando un «hogar» muy claro en la armonía resultante, un hogar que no tiene nada que ver con el tritonismo.

En la música microtonal, es aún más importante mantener estos dos niveles separados. Esto se debe a que dicha música inevitablemente requiere cantar algunos intervalos horizontales desconocidos—y el instinto natural de los cantantes será aterrizar en una verticalidad que es igualmente «desconocida», es decir, disonante, y es probable que este instinto esté equivocado. Veremos los desafortunados frutos de este enfoque en una representación de 1962 del Kyrie de la Misa a San Juan XXIII de Julián Carrillo más adelante en este artículo.

Una nota sobre los objetivos

Ahora pasamos a la parte «basada en objetivos» del enfoque. En la música microtonal, por ejemplo, si tu coro necesita cantar una cadena desconocida de pequeños intervalos, dales una idea sólida del intervalo que abarcan, y los tonos intermedios pueden casi inconscientemente encajar en su lugar. Se pueden refinar más tarde, en un segundo paso.

Para reforzar lo fácil que puede sonar cuando se modela, aquí está Jacob Collier haciendo ese tipo de cosas alegremente a un tercio menor:

(Su discusión completa de esto realmente comienza a las 10:12, pero vamos, ve a verlo todo. El tipo es tan moderno, es surrealista.)

El enfoque basado en objetivos no se limita a rellenar melódicamente intervalos familiares. En una escala más amplia, se trata de proporcionar una serie de anclajes conceptuales a lo largo de una pieza, donde los cantantes pueden recuperar su equilibrio, si lo pierden en el camino. Esto puede ser intervalos melódicos de destino como los anteriores, pero también intervalos armónicos de destino para afinar (por ejemplo, para entradas), o acordes de destino.

La novedad aquí es que los objetivos no necesitan ser prominentes musicalmente dentro de la pieza, pueden ocurrir en tiempos débiles, o en lugares sin énfasis dentro de una frase, etc. Solo necesitan estar familiarizados con los cantantes, que luego pueden usarlos para recalibrarlos. Por ejemplo, una sonoridad cadencial exótica podría ser el objetivo musical, pero no necesita ser el objetivo conceptual; ese papel podría ser una sonoridad adyacente, menos importante y más familiar. Aquí hay un ejemplo de eso en una pieza que escribí (que se alojará en NMBx después de su estreno en enero 24):

Extracto de la partitura de la composición coral microtonal de Robert Lopez-Hanshaw, vokas animo.

Esto va de la Solo la mayor, a la 7: 9:11 en la serie armónica de Si duodécimo bemol (en mi notación 72edo preferida). Este último es sorprendentemente fácil de clavar, porque estás dejando un lugar muy familiar, cada parte se mueve básicamente por cuarto de paso, una distancia que se puede practicar fácilmente. El tono común también ayuda.

Construyendo el andamio

La otra cosa que debe guiar su enseñanza microtonal es la idea educativa de andamios, o la «zona de desarrollo proximal».»Todo esto significa que cada nuevo concepto necesita relacionarse con conceptos inmediatamente adyacentes; y los conceptos adyacentes dan lugar a una visión a nivel individual.

Por ejemplo: No aprendes a leer por alguien que te dice cómo leer. No hay manera de hacerlo, excepto hacer la conexión por su cuenta entre los sonidos de letras individuales y la forma en que se combinan en palabras. Su maestro de escuela primaria simplemente proporcionó las condiciones para que usted diera ese salto, haciéndole memorizar los sonidos de letras, luego confrontándolo con combinaciones fácilmente decodificadas (y luego, no tan fáciles).

El principio aquí es importante. A pesar del atractivo de un método de «fuerza bruta», como aprender una pieza de memoria de una grabación sintetizada (¡recién fácil de producir, debido a la tecnología!) , esa táctica no tendrá éxito para la mayoría de la gente, porque no han interiorizado los bloques de construcción para que los nuevos intervalos «se mantengan».»Y muchos podrían no estar dispuestos a dar ese gran salto técnico en primer lugar; no es por eso que están en el coro.

Por lo tanto, tenemos que ver cómo podemos proporcionar el andamio.

Ya hemos cubierto dos cosas importantes, que ocurren en el canto coral normal, y que se pueden aplicar al canto microtonal. Lo que ahora sigue es una lista de conceptos adicionales, cada uno basado en los anteriores, y algunos recursos para dominarlos. Hay dos caminos, un camino de Entonación Justa y un camino de división igual.

Ruta de Entonación justa: Entonación expresiva

Irónicamente, esta ruta comienza con lo opuesto a la Entonación Justa: «entonación expresiva.»

Nada menos que Ezra Sims, el gran exponente de 72edo, fue colocado en el camino microtonal por su director coral de pregrado, Hugh Thomas. Thomas insistió en que sus conjuntos cantaran tonos iniciales muy altos cuando resolvían a tónicos, y cuartos muy bajos cuando resolvían a 3rds, entre otras cosas. Bajo tal influencia, dice Sims, » es probable que te resulte difícil volver a creer (por mucho que los instrumentos de teclado intenten convencerte de que es así) que hay, por ejemplo, una cosa que es Sol sostenido, una frecuencia que lo define por los siglos de los siglos, Amén.»

La entonación expresiva, en su forma más cruda, es muy intuitiva. (¡Exagera la tendencia de los tonos de tendencia! Por lo tanto, si puede lograr el objetivo de eliminar a los cantantes de una forma de pensar de tono fijo, entonces suaviza considerablemente el camino a seguir.

Entonación justa real

Fahad Siadat tiene una serie de artículos, que continuarán, en el sitio web de su editorial, que introducen el tema de la Entonación Justa para coros. Algunos recursos más completos disponibles actualmente incluyen Harmonic Experience de W. A. Mathieu, que mencioné en el último artículo; y el Imprimador de Entonación Justa de David B. Doty, que es bastante más directo.

Un director de coro práctico puede elegir solo unos pocos intervalos para trabajar. Los tercios mayores y las 7 partes armónicas son útiles para empezar, porque son fáciles de demostrar. ¡Trae a un violonchelista para tocar armónicos naturales y compararlos con el piano! ¡Traigan un cuarteto de barbería de alto nivel para» tocar » algunos acordes! Al principio, solo estás desarrollando la idea de que hay varios «sabores» disponibles para un intervalo dado, cada uno con una función diferente.

Use lo que sea relevante para la pieza en cuestión. Si tu coro añade sólo el 7º armónico a su vocabulario, entonces eso es suficiente para empezar a trabajar en I’m Goin’ Away de Ben Johnston.

Cuantificar los cambios de coma

Ross Duffin es bien conocido por su libro sobre los temperamentos meantone y well, Cómo el Temperamento igual Arruinó la Armonía (Y Por qué Debería Importarte). Pero también escribió una maravillosa defensa y un método para la práctica de la entonación, que depende de localizar y usar la coma sintónica. Esta es una forma muy útil de pensar sistemáticamente sobre el ajuste de 3, 6 y 7, en comparación con 4 y 5. Está disponible gratuitamente aquí. Incluso incluye ejercicios para practicar situaciones de entonación problemáticas típicas que pueden ocurrir.

El Conjunto Hilliard y las Voces nórdicas incorporan regularmente este sistema básico (diferente en los detalles) en su práctica. Si su coro canta un contrapunto renacentista un semestre, mirando la entonación a través de esta lente, el siguiente semestre podría extender aún más la microtonalidad:

Entonación extendida

Ahora nos adentramos en las cosas raras. Es posible, con mucha repetición y una referencia sólida como una roca, memorizar y reproducir intervalos de los armónicos superiores de la serie armónica.

Una posible referencia es el canto de armónicos (Fahad Siadat, comunicación personal), que—en un fundamental bajo—puede producir armónicos confiables al menos hasta el 14, y tal vez más. Un teclado digital reajustado es otro recurso potencial.

Pero también hay un conjunto notable de ejercicios disponibles: Andrew Heathwaite ideó un sistema para cantar a través de cada intervalo posible que ocurre entre los miembros de un grupo dado de tonos basados en armónicos, encantadoramente llamados Singtervales. Otros se han explayado al respecto. Es sorprendentemente lógica e intuitiva, con una ligera alteración de las sílabas de solfeo.

Si un cantante hiciera de escuchar, comprender y cantar este tipo de matriz una parte de su práctica diaria, pronto sería capaz de acercarse a una pieza estrictamente armónica (o subtonal) como Contrasten de Henk Badings sin mucho sufrimiento.

Ruta de cuartos de tono: Entre tonos

Comenzando de nuevo al comienzo de un camino diferente, podemos usar la capacidad de las personas para cantar tonos iguales entre los tonos de un intervalo pequeño y familiar, para comenzar a desarrollar un marco de cuarto de tono verdadero. Al principio, simplemente puedes agregar un ejercicio a los calentamientos normales: Canta F-Gb, luego F-F cuarto de punto-Gb, y luego lo mismo en la dirección opuesta. Los tonos exteriores son, por supuesto, fácilmente comprobados en el piano.

Escala completa de 24 tonos

Donde se pone interesante es extrapolar esta técnica simple a todas las posiciones intermedias en la escala cromática. Robert Reinhart, que enseña teoría musical y habilidades auditivas en la Universidad Northwestern, asignó vocales intermedias a las notas de cuarto de tono entre notas de solfeo, como ra-reh-re-rih-ri para todas las variedades de segundo grado de escala re. Luego diseñó, y utilizó en el aula, ejercicios progresivos para entrenar el oído en los nuevos intervalos. En muchos casos, esto implica primero cantar intervalos conocidos; luego llenar los huecos con cuartos de tono; y finalmente cantar solo los tonos alterados, mientras audita los tonos circundantes más familiares.

¡Esto es solo una extensión de la pedagogía del canto a la vista en sistemas móviles! Por ejemplo, para enseñar el patrón do-fa-la (difícil para principiantes), uno puede cantar repetidamente una escala mayor y eliminar gradualmente los tonos intermedios re, mi y sol; primero audiándolos, y luego haciendo el salto cognitivo para simplemente cantar do-fa-la sin ninguna muleta.

Reinhart ha presentado sobre este tema y actualmente está trabajando en una colección sistemática de ejercicios de solfeo de cuarto de tono, clasificados por dificultad.

Usted también podría usar este marco básico para dividir, por ejemplo, semitonos en grupos de tres sextos tonos, o tonos enteros en quintos tonos, si está cantando música enarmónica renacentista. Las vocales específicas en su solfeo extendido no importan mucho, siempre y cuando sean consistentes.

Yendo más profundo: Escala de 72 tonos

Julia Werntz es la actual portadora de la tradición de habilidades auditivas 72edo en el Conservatorio de Nueva Inglaterra, sucediendo a Joe Maneri. Enseña a los estudiantes a escuchar, interpretar y componer con duodécimos tonos, es decir, cuartos de tono divididos en tercios. Su clase comienza desarrollando un marco de cuarto de tono, y elabora a partir de ahí. El libro de texto del curso, Steps to the Sea, es altamente accesible (con muchos ejemplos de audio) y fácilmente disponible.

En el momento en que entramos en duodécimas tonalidades, las rutas de Entonación Justa y división igual comienzan a fusionarse. Para los cantantes específicamente, los intervalos de entonación simples se corresponden con tanta precisión con los tonos en la gama de 72 tonos por octava, que la diferencia, un máximo de aproximadamente 5 centavos, y generalmente menos de 3, es literalmente imposible de producir con la voz.

De hecho, un estudio reciente de Matthias Mauch et al. demuestra que, incluso para cantantes experimentados, la Diferencia Apenas Notable y el error de producción de tono medio en una nota dada rondan entre 18 y 19 centavos, ¡un poco más de un tono 12 completo! El estudio se ocupó del canto melódico solista, y la precisión de entonación puede ser algo mayor en el canto armónico (especialmente en la peluquería); pero no tanto como crees.

(Diferentes fuentes dan diferentes cantidades para la Diferencia Apenas Perceptible en varios contextos, y 5-8 centavos es el valor habitual citado. Pero en el caso de los tonos cantados, parece reinar un poco más de caos.)

Afortunadamente, en caso de que se lo pregunte, los microtonos realmente se pueden aprender, y el entrenamiento auditivo en 72edo realmente tiene el efecto de aumentar la discriminación de tono y la capacidad de producción. Doma parte del caos latente de la creación musical.

El resultado final

Si has pasado por todo esto con tu coro, entonces eres obsesivo, y ellos son todos santos. Lo que realmente debes hacer es elegir entre estas posibilidades, en función de lo que está sucediendo en la pieza en sí. Esto es lo que he hecho. Pero donde aún no he usado una técnica en particular, ha sido probada en el campo por otros. Todos hacen lo que dicen.

Posibles malos resultados

Como prometí anteriormente, aquí está el primer movimiento de la Misa de Carrillo:

Esto no es, digamos, una actuación de piedra de toque. Los cantantes pueden haber asumido que el objetivo era un sonido «de otro mundo», y presumiblemente reclamaron suficiente éxito para lanzar la grabación. Pero desafortunadamente, realizaron toda la partitura incorrectamente, incluyendo lo que deberían haber sido las partes «de este mundo».

Son pitchy desde el principio. Para 0:58, el tenor es un semitono bemol completo en comparación con los demás, lo que lleva a un sonido de Ab mayor en la primera inversión, en lugar del acorde aumentado de Do escrito. (Cuando sucede de nuevo a la 1:07, puedes oírlo moverse hacia arriba para tratar de corregirlo.) En la música que está en cuadro a partir de 1:32, el pobre Bajo 1 canta escrito 5º perfecto como tritones, porque no puede conseguir que la nota más baja baje lo suficiente. Y así sucesivamente. Si uno escuchara esto como un ejemplo de canto coral microtonal, uno podría ser perdonado por agriar la idea.

Pero a pesar de las deficiencias de esta interpretación en particular, la pieza fue escrita de una manera que podría ser fácil de entender, utilizando las tácticas que he descrito anteriormente. ¡Incluso podría funcionar como una primera aventura en la microtonalidad para un coro!

Así es como lo abordaría.

• En primer lugar, añadiría cuartos de tono a los calentamientos al comienzo de los ensayos, simplemente dividiendo un semitono. Esto sucede constantemente en Misa, por lo que el coro obtendría un gran kilometraje de solo ese ejercicio.
• Luego, también en los calentamientos, construíamos acordes aumentados y otras sonoridades de tono completo, como y en diferentes inversiones. Estos son los bloques de construcción de Carrillo para la pieza. Son algo poco comunes como elementos estructurales en el repertorio coral convencional, por lo que requerirían refuerzo para ser útiles como objetivos.
• Luego, yendo a la pieza en sí, cantaríamos segmentos sin los cuartos de tono que intervienen, y nos aseguraríamos de que el coro haya memorizado las sonoridades de tono completo objetivo en su marco armónico más grande.
• Finalmente, es hora de insertar los cuartos de tono. Haríamos esta parte a la vez, al principio, para cimentar la conciencia melódica.
• Ahora, la sorpresa! Carrillo pone todos los cambios de cuarto de tono en la alineación vertical, excepto algunas suspensiones. La pieza alterna entre un «mundo» de 12 tonos y el «mundo» complementario en 24edo. Por lo tanto, las sonoridades construidas por los tonos alterados son generalmente familiares. La sonoridad a 1:11, en el segundo tiempo del último compás en el cuadro, es de hecho un acorde mayor de un cuarto de bemol en la primera inversión, ¡por lo que debería sonar como un acorde mayor en la primera inversión! Todo el mundo conoce ese sonido.

Todo esto se pierde por completo en la entonación aullante y floja de esta actuación. Creo que una interpretación precisa, por otro lado, revelaría una pieza de carácter extraordinariamente diferente de lo que se presenta en la grabación: tal vez sorprendente en lo accesible que es en realidad.

Conclusión: Aspectos prácticos

Aquí hay algunas sugerencias diversas que puedo dar sobre la enseñanza de microtonos a coros.

Use calentamiento para reforzar nuevos conceptos musicales, si eso no estaba claro ya. ¿Por qué perder el tiempo cantando escalas mayores o arpegios durante todo el calentamiento, cuando podrías estar practicando cuartos de tono por repetición, o construyendo acordes de series armónicas? Esto reduce el tiempo de enseñanza en la pieza microtonal en sí.

Absolutamente no toque un grupo de tonos en lugar de un tono intermedio, si está modelando una melodía microtonal en un piano estándar. Esto no hace nada para imaginar el tono (¿»escuchamos» una Re, cuando se toca Do-E? ¡Diablos, no! Entonces, ¿por qué oiríamos un cuarto de tiempo en D cuando se toca D-Eb?), y modela una disonancia, que el coro le dará de buena gana. Es mejor omitir el tono alterado, o mejor aún: Modelo

con la voz siempre que sea posible. Esto no solo es más fácil de seguir que un teclado, sino que también demuestra que el pasaje es, de hecho, ejecutable.

Vuelva a ajustar el teclado, si es digital. La tarea ahora es básicamente trivial, con la tecnología disponible; pero puede que no sea así para usted personalmente. Si ese es el caso, y eres una persona que leería esto, entonces seguramente tienes amigos que son grandes nerds como tú, excepto con computadoras. Puedes pedirles un favor o contratarlos para que lo hagan por ti. BitKlavier es un software libre con una curva de aprendizaje fácil; si pueden programar en Max / MSP, entonces deberían poder usar Datos puros sin mucho alboroto, que también es gratuito; o podría usar PianoTeq Standard, que tiene un sonido de calidad profesional y muy buenos controles de afinación microtonal. Hay muchas otras opciones, pero estas son un comienzo.

Trabajar en estrecha colaboración con su acompañante es fundamental, especialmente si se vuelven a asignar las teclas drásticamente. Pero de nuevo, si eres una persona que está leyendo esto, tu acompañante probablemente esté dispuesto a hacerlo.

Haga primero todo el trabajo coral normal-hable la pieza en ritmo, busque cortes precisos, use fraseos expresivos, interprete las letras – para que se den cuenta de lo mucho que ya saben hacer.

El soporte adecuado para la respiración es absolutamente indispensable. La falta de familiaridad causa incertidumbre, y la incertidumbre causa un soporte inadecuado, y el soporte inadecuado crea un tono flácido y un mal timbre, lo que hace que el proyecto sea infinitamente más difícil. Por lo tanto, nunca pierda de vista ese fundamento de un sonido bien soportado y regrese a él a menudo.

Lo más importante es que tienes que transmitir alegría en la música. ¿Y no es de eso de lo que siempre se trata?

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