Matisse & Picasso
El arte moderno nació feo. «Fue Matisse quien dio el primer paso en la tierra desconocida
de lo feo», escribió un crítico estadounidense, describiendo el Salon des Indépendents de 1910 en París. «El dibujo era crudo más allá de toda creencia, el color era tan atroz como el sujeto. ¿Había comenzado una nueva era de arte?»Incluso el propio Matisse a veces se sorprendió por sus creaciones. Según su biógrafa Hilary Spurling, » Sus propias pinturas lo llenaron de perturbación. En algún momento de 1901 o 1902 cortó una de ellas con una espátula.»
Si Henri Matisse era considerado como el padre del arte moderno en los albores del siglo XX, Pablo Picasso se acostaba con la misma musa. Cuando Picasso terminó su obra maestra rompedora Les Demoiselles d’Avignon en 1907, retratando a cinco prostitutas con caras primitivas como máscaras, su desnudez más geométrica que erótica, incluso su primer comerciante Ambroise Vollard soltó: «Es el trabajo de un loco.»Al principio, a Matisse y Picasso no les gustaban las pinturas del otro, pero parecían sentir a la vez el poder que cada uno tenía para desafiar y estimular al otro. Durante el resto de sus vidas, cada uno vigilaría atentamente el nuevo trabajo del otro, provocándose mutuamente a pintar los mismos temas, a veces incluso con el mismo título. Hay muchas maneras de describir su relación. Se podría llamar una rivalidad, un diálogo, un juego de ajedrez, Matisse mismo lo comparó una vez con un combate de boxeo. Pero también se convirtió en la amistad permanente de dos titanes que, atreviéndose a pintar lo feo, transformaron nuestro sentido de la belleza en arte.
Su relación y su arte adquieren un nuevo significado en una notable exposición, «Matisse Picasso», que se inaugura el 13 de febrero en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en su ubicación temporal en Queens. Este es un espectáculo inspirado en el comentario de Picasso en la vejez, » Tienes que ser capaz de imaginar lado a lado todo lo que Matisse y yo estábamos haciendo en ese momento. Nadie ha mirado la pintura de Matisse con más cuidado que yo; y nadie ha mirado el mío con más cuidado que él.»La exposición, patrocinada por Merrill Lynch, es el resultado de una colaboración entre seis comisarios de tres países, dos de los cuales trabajan con la Tate Gallery de Londres, donde se inauguró por primera vez el año pasado, dos del Centro Georges Pompidou y el Museo Picasso de París, y dos que trabajan con el MoMA de Nueva York, donde se desarrollará hasta el 19 de mayo.
Los propios comisarios expresan un raro sentido de pasión por esta exposición. «La relación de Matisse y Picasso», dice Anne Baldassari, conservadora del Museo Picasso, » reflexiona sobre toda la historia del arte moderno.»Ver a Matisse y Picasso a través de los ojos del otro permite al espectador mirar el arte moderno de una manera fresca, con el mismo sentido de descubrimiento que electrificó a los artistas y sus amigos, y sorprendió a sus críticos, hace casi un siglo. Hemos llegado a ver a Matisse como un pintor figurativo más tradicional, con todos esos hermosos paisajes y odaliscos (chicas turcas de harén), mientras que Picasso, con sus abstracciones cubistas y violentas, estaba rompiendo tradiciones como un minotauro en una tienda de porcelana. En Matisse vemos lo decorativo, en Picasso lo destructivo. Pero esto es lo que hemos aprendido a ver. El espectáculo en el MoMA deja en claro que tales categorías no pueden contener a estos artistas y solo pueden ocultar de qué se trata el modernismo.
Baldassari señala que Picasso dijo una vez, «Si no estuviera haciendo las pinturas que hago, pintaría como Matisse», y Matisse dijo lo mismo de Picasso. Uno comienza a ver, cuando sus pinturas se colocan una al lado de la otra, que sus elecciones dependían tanto de sus personalidades, temperamentos y emociones, como de sus habilidades y estilos como pintores. Ambos eran figurativos y abstractos.
Matisse, que a menudo pintaba peces dorados, fue descrito más tarde por un compañero de estudios en las clases de arte de París de 1900 como un pez dorado «que se deleita intensamente con los colores del arco iris y las formas visibles a través del globo distorsionador de su tazón de vidrio, y que, si pudiera pintar, los representaría sin preocuparse por lo que realmente representan.»Picasso, por otro lado, insistió en que estaba pintando directamente de la naturaleza. «Siempre apunto al parecido», le dijo a su amigo el fotógrafo Brassaï. En cada caso, las citas son engañosas pero verdaderas, porque ambos artistas estaban llenos de inconsistencias y siempre listos para cambiar lo que ellos—u otros artistas—habían hecho antes.
Los dos pintores estaban bien versados en el arte del pasado, y ambos buscaban formas de escapar de su influencia cuando se conocieron alrededor de 1906. La reunión fue organizada por la escritora de vanguardia estadounidense y expatriada Gertrude Stein, quien, con su hermano Leo, había comenzado a coleccionar atrevidamente las nuevas pinturas de Matisse cuando casi todos los demás en París se reían de ellas. Como escritor, Stein estaba reorganizando la sintaxis inglesa en nuevas formas que parecían un ultraje para el buen sentido. No es de extrañar que le gustaran las figuras desafiantemente crudas y los colores salvajes de Matisse, afrentando los cánones de la belleza y la sensibilidad.
Cuando los Steins visitaron por primera vez el estudio de Picasso, compraron pinturas por valor de 800 francos (aproximadamente 3 3,000 hoy en día), una suma enorme para un pintor que había quemado sus propios dibujos para mantenerse caliente en 1902 y no estaba mucho mejor cuando los Steins aparecieron en 1905. Aunque las obras de Matisse y Picasso se exhibieron juntas en una pequeña galería en 1902, aparentemente no se habían conocido. Los Steins llevaron a Matisse al estudio de Picasso e invitaron a ambos pintores a sus salones semanales. Allí, los dos artistas podían ver las pinturas del otro en las paredes, entre los Cézannes.
En el momento en que Matisse y Picasso se conocieron, parecían tener poco en común. Eran tan diferentes, dijo Matisse, como los Polos Norte y Sur. Matisse nació en un distrito del norte de Flandes francés en 1869, en una familia y región inmersa en el tejido de textiles de colores brillantes. Había ido a París para estudiar derecho, más tarde se dedicó a la pintura a escondidas, asistiendo a clases de arte antes y después de un día de trabajo como asistente legal. Tenía 22 años cuando decidió convertirse en artista, listo para copiar a los viejos maestros en el Louvre y aún más ansioso por capturar la vida parisina en papel y lienzo.
Picasso nació 12 años después, en 1881, en la ciudad española de Málaga. Su padre era pintor, y se decía que la primera palabra del bebé era «lápiz».»Un niño prodigio, absorbió las lecciones de su padre. Como escribe el biógrafo Patrick O’Brian, cuando el padre de Picasso no pudo enseñarle más, » entregó sus pinceles al niño.»En 1900 Picasso tenía casi 19 años y estaba listo para París. Para entonces podía dibujar como Rafael e Ingres, pero había furias en él que exigían algo más. «La formación académica en belleza es una farsa», dijo una vez. «Hemos sido engañados, pero tan bien engañados que apenas podemos recuperar ni una sombra de la verdad.»
Matisse tuvo casi una década de pintura radical en su haber en 1906, mientras Picasso estaba emergiendo de sus ensoñaciones azules y rosas, y a punto de estallar en cubismo. Matisse era el líder de los» fauves», o» bestias salvajes», como se les conocía, por su uso de colores» brutales». «Todo lo que nos dan en el camino de la luz del sol», dijo un crítico de las pinturas de Matisse en 1906, «son problemas con la retina.»El compañero de Matisse en la creación de paisajes fauves, André Derain, recordó más tarde su sentido de violencia artística. «Los colores se convirtieron en palos de dinamita», dijo. «Estaban preparados para descargar la luz. Matisse, más gentilmente, dijo que estaba descubriendo cómo hacer que mis colores cantaran.»
Una de las pinturas que Picasso vio en 1906 fue la extraordinaria síntesis de Matisse de sus experimentos fauves-Le Bonheur de vivre, o La alegría de Vivir (p. 63). Es una escena idílica de desnudos recostados, abrazando amantes y bailarines despreocupados. Los colores son planos, las figuras dibujadas, algunas dibujadas tan sensualmente como los desnudos de Ingres, otras tan audazmente como los bañistas de Cézanne. Nunca se había pintado nada igual, ni siquiera por Matisse. Picasso entendió esto de inmediato y lo tomó como un desafío.
Mostrado por primera vez en el Salon des Indépendents en 1906, Le Bonheur de vivre parecía incomprensible. Fue recibido, recordó la primera traficante de Matisse, Berthe Weill, con «un alboroto de burlas, balbuceos enojados y risas a gritos. . . . «Sin embargo, en esta pintura Matisse había logrado un nuevo tipo de serenidad, una armonía de elementos inesperados, que aprovecharía a lo largo de su carrera. Picasso bien podría haber tenido en mente este lienzo cuando dijo, años después, «Al final, todo depende de uno mismo, de un fuego en el vientre con mil rayos. Nada más cuenta. Por eso, por ejemplo, Matisse es Matisse. . . . Tiene el sol en el estómago.»
Y en cierto sentido, Picasso se convirtió en Picasso porque no dejaba que Matisse lo eclipsara. Poco después de ver Le Bonheur de vivre, se puso a trabajar en su pintura más ambiciosa y sorprendente, Les Demoiselles d’Avignon. Lo repintó una y otra vez, usando máscaras primitivas y postales de mujeres africanas para modelos, inspirándose en Cézanne y Gauguin como guías, invocando toda su voluntad de deshacer el pasado e inventar el futuro. Comenzó como un cuadro con un marinero rodeado de cinco prostitutas, todas sorprendidas por un estudiante sosteniendo una calavera que entraba en el escenario a la derecha. Terminó con solo las mujeres, sus miradas dirigidas directamente al espectador. A medida que Picasso trabajaba, simplificó, reduciendo los rostros a máscaras crudas, los cuerpos a fetiches fragmentados, imbuyendo al lienzo de un poder primitivo e inimaginablemente nuevo. Nada de esto fue fácil o rápido.
Mientras Picasso luchaba con sus señoritas, fue sacudido de nuevo por Matisse, quien exhibió su impactante Desnudo Azul: Memoria de Biskra (abajo) en 1907. Matisse también había usado una postal (de una figura desnuda) como modelo, y estaba mirando fijamente a Cézanne y Gauguin. Con esta nueva pintura, Matisse pisaba los pies de Picasso antes de que éste pudiera pisar el suelo. Los Steins agarraron el Desnudo Azul, con su figura deforme (algunos críticos dijeron «reptiliana») reclinada contra un fondo decorativo de palmas. En The Steins, Picasso vio a un joven visitante de Nueva York, el escritor Walter Pach, mirando la obra. Más tarde, Pach dio este relato: «‘¿Te interesa eso?»preguntó Picasso. En cierto modo, sí . . . me interesa como un golpe entre los ojos. No entiendo lo que está pensando.»Yo tampoco,» dijo Picasso. Si quiere hacer una mujer, que haga una mujer. Si quiere hacer un diseño, que lo haga. Esto es entre los dos.'»
Es un comentario que refleja la propia lucha de Picasso en ese momento. Años más tarde le contaría al escritor francés André Malraux otra cosa que dio forma a sus señoritas. Matisse le había mostrado una estatua africana que había comprado. Luego Picasso fue al sucio museo etnográfico de París, el Trocadero, con su colección de artefactos primitivos. Olía a mercadillo, pero le abrió los ojos a la magia de las máscaras y los fetiches. «Si le das una forma a los espíritus, te liberas de ellos», dijo. De repente, » Comprendí por qué era pintor. Solo en ese museo, rodeado de máscaras, muñecas indias rojas, maniquíes cubiertos de polvo. Las Señoritas deben haber venido ese día . . . porque fue mi primera película exorcizadora.»Cuando terminó de pintarlo, Picasso lo había cambiado todo. El historiador de arte británico John Golding, uno de los comisarios de la muestra, escribe en el MoMAcatalog: «Si Le Bonheur de vivre es uno de los hitos en la historia del arte, las Señoritas . . . cambió su curso. Sigue siendo la pintura más significativa del siglo XX.»Pero en 1907, nadie lo sabía, ni siquiera Picasso. Matisse se horrorizó, junto con los demás que vinieron a verlo al estudio de Picasso. El pintor Georges Braque casi ahogada, Vollard retrocedió, Leo Stein se rió y Picasso, frustrado y herido, finalmente se llevó el lienzo de su camilla y se puso a un lado sin mostrarla.
Matisse perdió poco tiempo en pintar una respuesta inquebrantable: sus Bañistas de 1908 con una tortuga. Es una pintura que realmente distingue a los dos pintores, incluso cuando dibujaron en las mismas fuentes. Cézanne estaba en todas partes en la pintura de Picasso, especialmente en sus fragmentaciones geométricas. Pero otro aspecto de Cézanne era evidente en el nuevo trabajo de Matisse, un estilo de dibujo incómodo, casi infantil. El momacurador y estudioso de Matisse John Elderfield dice de los artistas: «Picasso está llevando los elementos de Cézanne-el cono, el cilindro y la esfera—al cubismo. Matisse está tomando el interés de Cézanne en la integridad y la claridad de las figuras. Están tomando interpretaciones casi opuestas de lo que ven en Cézanne: Picasso lo entiende como descomposición, y Matisse lo entiende como composición.»
Cézanne no fue su única fuente de inspiración. Picasso y Matisse habían visto una colección de xilografías de Gauguin en 1906, y su primitivismo de los Mares del Sur apareció en xilografías que ambos hicieron poco después. Como comenta el curador francés Baldassari, tanto Matisse como Picasso estaban mirando cualquier cosa que les ayudara a romper con el pasado. «Picasso estaba completamente fascinado por la fotografía», dice. «Y Matisse dijo que usaba fotografías para superar su forma académica de dibujar. Usaban imágenes del cine erótico destinadas a voyeurs, no a pintores. La cuestión de la línea, de la composición, era secundaria, aunque la distorsión, la perversión de la línea, era muy importante para ellos. Era un juego con la forma, con la figuración. ¡Desfiguraron la figuración! La pregunta en este momento era cómo dejar el pasado. Era la cuestión de la fealdad . . . ¿por qué no fealdad?»
En el otoño de 1907, Matisse y Picasso habían acordado intercambiar pinturas. Como cuenta Gertrude Stein, cada pintor seleccionó lo que consideraba el peor ejemplo de la nueva obra del otro, como para tranquilizarse. Picasso eligió un retrato de Marguerite, la hija de Matisse, y Matisse eligió un bodegón, una Jarra, un Tazón y un Limón. Se dijo que Picasso colgó el Matisse en una habitación donde sus amigos le lanzaron dardos falsos. Puedes encontrar esta historia en el lujoso MoMAcatalog de 400 páginas, pero no todos los comisarios de la serie lo creen.
» ¡Está mal!»Baldassari insiste. «El retrato era la pintura más importante para Picasso, y Matisse lo eligió para él porque seis años antes Marguerite había tenido una operación de garganta seria. En el momento de la operación, Matisse fue a una exposición de Picasso en la galería de Vollard y vio un retrato que tenía la misma estructura plana, el mismo aspecto, como un recorte. Matisse se sorprendió entonces, pero su retrato de Marguerite era un espejo exacto de él. La pintura era una especie de broma, un homenaje a Picasso.»
Y la pintura de Picasso también era una broma para Matisse. Poco tiempo antes del intercambio, explica Baldassari, Matisse había sido atacado en la prensa por un bodegón propio. «Los limones no son planos, monsieur Matisse», había escrito un crítico. El limón de Picasso era incluso más plano que el de Matisse. Además, el bodegón de Picasso, hecho al mismo tiempo que las Señoritas, es un claro salto hacia el cubismo. «Es un intercambio muy importante», dice Baldassari, » un intercambio hermoso. Es como un emblema, mostrándose el uno al otro que entienden el programa del otro. Es como la primera clave para entenderlos.»Es como si se dijeran el uno al otro:» Así es como se puede ser moderno.»
Ninguno de los dos estaba convencido. Cuando el amigo de Picasso, Braque, envió un grupo de sus propias pinturas nuevas al Salon d’Automne en 1908, Matisse fue uno de los miembros del jurado. «¡Están hechos de pequeños cubos!»protestó mientras votaba para rechazarlos. Un crítico escuchó esto y bautizó el «cubismo» en la prensa. Al mismo tiempo,Matisse llevó a su coleccionista más importante, un zar textil ruso llamado Shchukin, a ver a las Señoritas en el estudio de Picasso. Shchukin, cuya casa en Moscú ya contaba con paredes de Monets, Renoirs, van Goghs, Gauguins y Cézannes junto con sus Matisses, se sorprendió al principio, pero pronto comenzó a comprar Picasos también. Fue un acto de gran generosidad por parte de Matisse.
Picasso se sumergió en el cubismo con ambos pies, colaborando al principio con Braque. La respuesta de Matisse se puede ver mejor en una de sus pinturas más bellas, un retrato de Madame Matisse realizado en 1913, en el que su rostro parece enmascarado (p. 65). Baldassari dice que Picasso estaba enfermo ese verano y Matisse lo visitaba a menudo. En el estudio de Picasso, vio una máscara blanca africana colgando cerca del retrato de Marguerite que le había regalado a Picasso. «Cuando pintó la máscara blanca para la cara de Madame Matisse», continúa, » Matisse estaba jugando una especie de truco con Picasso. Y justo después de esto, se involucró en explorar el cubismo en su propia pintura.»Del retrato de Madame Matisse, el poeta Guillaume Apollinaire dijo que Matisse había reinventado la voluptuosidad en la pintura. Por abstracto que sea, con su rostro enmascarado y su sentido del espacio aplanado, el retrato sereno contrasta sorprendentemente, a pesar de ciertas similitudes en formato y tema, con el Retrato de una niña de Picasso, realizado al año siguiente. En esta pintura, el enfoque cubista de Picasso socava la serenidad de la pose. Pero incluso en oposición, como en estos dos retratos, el diálogo entre los dos artistas era claro.
A veces, sin embargo, era más sutil. Un pintor podría mirar lejos en el pasado del otro, retomando lo que había dejado hace mucho tiempo. Hay muchos ejemplos de tal polinización cruzada en el espectáculo, pero uno de los más llamativos es el monumental de Picasso Los Tres Bailarines. Se hizo en 1925, cuando estaba trabajando en los decorados para los Ballets rusos del gran Diaghilev. Matisse había hecho los decorados y el vestuario de un ballet de Diaghilev unos años antes, lo que molestó a Picasso cuando se enteró de ello. «¡Matisse!»se rompió. «¿Qué es un Matisse? ¡Un balcón con una gran maceta roja que cae por todas partes!»
Pero cuando Picasso se puso a trabajar en Los Tres Bailarines, probablemente estaba mirando por encima del hombro una pintura que Matisse había hecho en 1912, Capuchinas con ‘Dance’. Las analogías visuales son obvias: ambas distorsionan el tema clásico de las Tres Gracias, ese trío de diosas griegas que dispensan encanto y belleza. La pintura de Picasso, sin embargo, era completamente salvaje, mientras que Matisse conservaba cierto sentido de gracia. En ese momento, el matrimonio de Picasso con Olga, una ex bailarina, estaba fallando, y acababa de recibir noticias de la muerte de un viejo amigo. Las Tres Bailarinas, como las Señoritas, era una especie de exorcismo.
En la década de 1920, los dos pintores se habían distanciado. Matisse se instaló en un hotel en Niza pintando lujosas odaliscas y dibujando retratos de mujeres con sombreros emplumados. «El fauve bañado por el sol», escribió el cineasta y poeta Jean Cocteau de Matisse, » se ha convertido en un gatito Bonnard.»En contraste, Picasso dibujaba minotauros y sátiros y pintaba figuras pedregosas neoclásicas. Pero incluso entonces se vigilaban el uno al otro.
A finales de la década de 1920, Picasso se enamoró de Marie-Therese Walter, una joven casi griega en su gracia. Para pintarla, Picasso se encontró tomando prestadas las líneas más fluidas, las figuras redondeadas y los colores vivos de Matisse. Por su parte, Matisse continuó destilando la luminosidad de lo Agradable en sus pinturas. «Hace un rato tomé una siesta bajo un olivo», había escrito en 1918 a un amigo, » y las armonías de colores que vi eran tan conmovedoras. Es como un paraíso que no tienes derecho a analizar, ¡pero eres un pintor, por el amor de Dios! ¡Bonito es tan hermoso! Se enciende tan suave y tierna, a pesar de su brillo.»
Bañado en esa luz, Matisse estaba más o menos abandonando al dios Cézanne. En años anteriores se había atrevido a decirse a sí mismo: «Si Cézanne tiene razón, yo tengo razón.»Pero hablando con un visitante en 1920, tomó un cuadro de Courbet de su pared y dijo:» ¡Esto es lo que yo llamo pintura! Mientras que esto . . . tiene menos efecto en mí.»Y Picasso, inspirándose en Matisse e incluso en Renoir mientras pintaba a su nueva amante, también se suavizaba. Hubo momentos en que los retratos de Picasso y los de Matisse parecían pintados con el mismo pincel, si no con la misma mano.
Aunque Picasso se quedó en París y Matisse permaneció en el sur durante la Segunda Guerra Mundial, su respeto y amistad se profundizaron. Picasso cuidaba las pinturas de Matisse, almacenadas en una bóveda de un banco. Matisse, enfermo de salud, defendió a Picasso de sus críticos. «Este pobre hombre», escribió Matisse a su hijo Pierre, » está pagando un precio muy alto por su singularidad. Vive en París tranquilamente, no quiere vender, no pide nada.»
Sin embargo, ambos hombres eran demasiado espinosos para mantener la paz. Al final de la guerra en 1945, una gran muestra de su trabajo se llevó a cabo en el Victoria and AlbertMuseum de Londres. Mientras se preparaba para esta exposición, Matisse escribió en un cuaderno: «Mañana, domingo, a las 4, visita de Picasso. Como espero verlo mañana, mi mente está trabajando. Estoy haciendo un programa de propaganda en Londres con él. Puedo imaginar la habitación con mis fotos en un lado, y las suyas en el otro. Es como si fuera a convivir con un epiléptico.»
Cuando la salud de Matisse se hundió en sus 80 años, su arte se disparó. Su larga lucha por purificar la forma, por hacer bellas las figuras haciéndolas más simples, por mostrar la esencia y borrar los detalles, lo llevó de vuelta al arte del niño de los recortes de papel. Algunas de ellas eran enormes, otras lo suficientemente pequeñas para que pudiera manejarlas desde la cama. Cuando un sacerdote dominico lo invitó en 1947 a diseñar una capilla en la ciudad de Vence, preparó algunas de las imágenes para las vidrieras y decoraciones de las paredes cortando papel. Picasso también tomó un par de tijeras. Hizo una serie de esculturas que parecen recortes de papel, aunque son de chapa metálica. Y sus pinturas parecían adoptar una forma de simplicidad Matisana, incluso una exuberancia decorativa.
En retrospectiva, uno debería haber visto esto venir. Algunas de sus primeras pinturas, como el retrato de Marguerite de Matisse, tenían un aspecto recortado en papel. Y las colaboraciones de Picasso con Braque implicaban cortar y pegar papel en collages cubistas. Incluso hubo indicios anteriores. Matisse siempre se basó en las tradiciones de tejido de su lugar de nacimiento, utilizando patrones textiles para subvertir la perspectiva y, como señala Hilary Spurling, «recurrió como pintor a trucos de tejedores antiguos como fijar un patrón de papel a un lienzo a medio terminar.»Picasso había aprendido el mismo truco de su padre, que usaba papel recortado para construir sus propias pinturas. «Es un medio antiguo y formal para que los pintores académicos construyan una pintura», explica Isabelle Monod-Fontaine, curadora del PompidouCenter. «El papel cortado y pegado era una forma para que un pintor conceptualizara su trabajo. Picasso y luego Matisse tomaron esto de un nivel bajo, una técnica oculta, y lo pusieron al frente, en la superficie, en el arte mismo. Y eso es una parte importante del arte moderno.»
El pintor del siglo XIX Eugène Delacroix, que inspiró las odaliscas de Matisse y, después de la muerte de Matisse, la de Picasso, escribió una vez sobre su propia lucha por ser moderno. El problema, como él lo veía, era cómo mantener la frescura de un primer boceto al hacer una pintura final y terminada. De eso se trataba poner trucos ocultos por adelantado. Es por eso que Matisse y Picasso eligieron dibujar crudamente cuando cada uno podía dibujar como Ingres, por qué a Matisse le gustaba que sus pinturas parecieran inacabadas y Picasso estaba empeñado en destrozarlo todo. Tomaron diferentes enfoques, pero entre ellos hicieron el arte moderno.
«Solo una persona tiene derecho a criticarme», dijo Matisse. «Es Picasso.»Después de la muerte de Matisse en 1954, Picasso estaba solo, pero no del todo. «Cuando Matisse murió, me dejó sus odaliscos como legado», proclamó, y procedió a diseccionarlos en una serie de sus propias pinturas. Picasso murió en 1973, creyendo hasta el final, como dijo, «Considerando todo, solo hay Matisse.»