Cinq Étapes faciles pour Améliorer Vos Photos via le Post-traitement

L’une des questions les plus fréquemment posées que je reçois souvent à Photography Life est liée au post-traitement des images. Plus précisément, nos lecteurs veulent savoir comment ils peuvent rendre leurs images belles sans passer trop de temps à les post-traiter. Après tout, tout le monde n’a pas les compétences ou la patience nécessaires pour apprendre à utiliser les nombreux outils de différents logiciels tels que Lightroom et Photoshop. J’ai pensé aux choses que je fais normalement à mes images lorsque je veux effectuer des modifications rapides et j’ai proposé quelques étapes que j’applique systématiquement à toutes mes images. Dans cet article, je vais fournir ces étapes, afin que vous puissiez rapidement apporter des modifications à vos images et les rendre belles sans avoir à passer par beaucoup d’apprentissage. Je vais mettre en évidence les étapes à l’aide de Lightroom et Photoshop, mais vous devriez également pouvoir imiter des étapes similaires à l’aide d’autres logiciels de post-traitement.

Avant de vous montrer les étapes exactes, soulignons d’abord les plusieurs raisons pour lesquelles de nombreuses images finissent par paraître peu attrayantes. Cela expliquera les étapes que je traverse plus bas. Maintenant, gardez à l’esprit que si vous regardez une image BRUTE et que vous vous demandez pourquoi elle a l’air plate et terne, c’est parce qu’elle n’a pas encore été traitée! N’oubliez pas que chaque image BRUTE doit être post-traitée dans un logiciel pour qu’elle soit à son meilleur.

1. L’image est trop sombre – les appareils photo modernes sont conçus de manière à préserver autant d’informations de surbrillance que possible, ce qui aboutit à des images souvent un peu trop sombres lors de la prise de vue avec un mode caméra semi-automatique. Dans de nombreux cas, si ce n’est pas l’appareil photo, les photographes eux-mêmes finissent souvent par rendre les images plus sombres pour préserver ces mêmes reflets. À moins que ce ne soit l’intention spécifique du photographe de communiquer une ambiance spécifique dans une image en la rendant plus sombre, les photographies doivent généralement être ajustées en post-traitement pour paraître plus lumineuses et plus vivantes.
2. L’image manque de contraste – c’est un problème très courant que je vois sur de nombreuses photographies. Lorsqu’une image manque de contraste, elle semble souvent fade et peu attrayante. Dans de nombreux cas, même une légère augmentation du contraste peut faire une énorme différence.
3. Les couleurs sont trop saturées – de nombreux photographes commettent souvent l’erreur de saturer les images dans l’appareil photo (via des profils de couleurs / préréglages de caméra) ou via un logiciel de post-traitement, ce qui rend les couleurs incroyablement riches. Bien qu’il soit tentant de faire paraître les photographies vibrantes, il faut faire très attention au danger de saturation excessive.
4. Le sujet manque de clarté – lorsqu’un sujet est écrasé dans une scène et qu’il n’y a pas de séparation des sujets ou des tons, l’image est probablement peu claire. Ajouter de la clarté à un sujet aide à renforcer sa présence et lui permet de se démarquer clairement de la scène.
5. L’image manque de netteté – une bonne quantité de netteté sur un sujet la souligne et la fait ressortir, ce qui peut être un moyen efficace d’attirer l’attention du spectateur. Bien que la netteté soit importante, il faut savoir l’appliquer correctement aux images sans ajouter trop de bruit, d’artefacts ou de halos autour du sujet.

Évidemment, la liste ci-dessus n’inclut pas beaucoup d’autres facteurs tels que la lumière, le sujet, la composition / le cadrage et la technique de la caméra, car ce sont des facteurs qu’il faut considérer au moment de prendre une photo, pas après. Si une image n’est pas bonne pour commencer, aucun post-traitement ne peut l’enregistrer!

Examinons quelques exemples d’images et voyons ce qui les rend particulièrement attrayantes par rapport à leurs homologues non traités ou traités par caméra. Ci-dessous, une image « Avant » et « Après » de la Mosquée bleue. L’image « Avant » est une image BRUTE non traitée, alors que l’image « Après » a été traitée dans Lightroom en quelques étapes simples qui ne m’ont pas pris plus de quelques minutes:

Comme vous pouvez le constater, la différence est drastique et pourtant il m’a fallu très peu de temps pour obtenir ce résultat. En rendant l’image plus lumineuse, en augmentant son contraste, en ajoutant une certaine clarté globale, en affinant sélectivement la mosquée et ses environs sans jouer avec la saturation des couleurs m’a permis de vraiment faire ressortir l’image.

Regardons une autre image, cette fois un portrait d’un fabricant de tapis. L’image « Avant » est une image JPEG directement sortie de l’appareil photo qui a été redimensionnée pour une résolution Web sans qu’aucune netteté supplémentaire ne lui soit appliquée, alors que l’image « Après » est quelque chose sur lequel j’ai passé au plus 5 minutes, toujours dans Lightroom:

Encore une fois, nous pouvons voir que si l’on est prêt à investir un peu de temps sur ses images, il est possible de produire des résultats très attrayants à partir de fichiers RAW qui ont une apparence bien meilleure que les images JPEG générées par l’appareil photo. Dans le cas ci-dessus, j’ai encore une fois égayé l’image, ajouté un peu plus de contraste, puis ajouté un peu plus de clarté au sujet en ajoutant sélectivement de la luminosité au corps du sujet, de sorte qu’il se démarque de la scène. L’affûtage a été appliqué à un niveau inférieur, mais supérieur à la normale pour mettre en évidence les traits du visage du sujet.

Alors, comment pouvez-vous apporter rapidement des ajustements similaires à vos photos dans un logiciel de post-traitement? Passons en revue les étapes, une à la fois.

Remarque rapide: assurez-vous d’avoir correctement réglé la balance des blancs et le profil d’étalonnage de votre appareil photo avant de commencer à travailler sur l’image.

Éclaircir l’image

La première étape consiste à rendre votre image aussi lumineuse que possible, mais sans perdre aucune information précieuse. À moins que vous ne visiez spécifiquement une image plus sombre et plus sombre (ce qui n’est pas la portée de cet article), vous devez toujours égayer vos images, car des images plus lumineuses feront toujours un meilleur travail pour attirer l’attention du spectateur. De toute évidence, il faut être très prudent lorsque vous éclairez des images où une partie de l’image peut potentiellement entraîner une perte de détails de surbrillance, donc si vous avez affaire à une image d’un lever ou d’un coucher de soleil où une partie de l’image est beaucoup plus lumineuse que l’autre, vous ne pourrez peut-être pas pousser plus loin les niveaux de luminosité globaux. Dans ces situations, vous devrez peut-être utiliser d’autres outils tels que le filtre gradué ou le pinceau de réglage afin d’éclaircir sélectivement les parties les plus sombres de l’image.

Lorsque vous travaillez avec une image RAW, la luminosité globale est ajustée via le curseur « Exposition », qui se trouve dans l’outil Adobe Camera RAW (ACR) de Lightroom et Photoshop:

Expérimentez avec ce curseur en le faisant glisser vers la droite jusqu’à ce que l’histogramme s’équilibre et semble plus étalé, peut-être même en poussant un peu vers la droite. Assurez–vous que lorsque vous faites cela, l’image est toujours belle dans l’aperçu – vous ne voulez pas que l’image soit trop brillante et vous ne voulez certainement pas que quelque chose touche le côté droit de l’histogramme, car cela signifie que vous perdez potentiellement des données. Le but est de rendre l’image juste assez lumineuse pour que nous ayons un bon point de départ. Pour mon image de la mosquée bleue, j’ai augmenté l’exposition de + 0,75, ce qui a fait ressembler mon histogramme à ceci:

Ensuite, vous souhaitez équilibrer ce paramètre d’exposition avec le curseur « Highlights ». Étant donné que la luminosité globale de l’image a augmenté, les parties les plus claires de l’image peuvent être trop lumineuses, donc l’utilisation d’une valeur négative dans le curseur Highlights nous permettra de les assombrir un peu. Alors prenez le curseur et commencez à le déplacer vers la gauche jusqu’à ce que tout ce qui semble trop brillant récupère maintenant le détail. À l’image de la Mosquée bleue, j’ai dû faire descendre un peu les reflets d’ici -75, pour que les détails du ciel reviennent.

Enfin, si vous avez des zones d’ombre importantes qui semblent trop sombres, c’est le moment de les ramener. Cela se fait en composant un nombre positif sur le curseur « Ombres » dans Lightroom et ACR. Maintenant que l’image est, espérons-le, plus lumineuse qu’auparavant, votre détail d’ombre devrait déjà être un peu récupéré, mais le but est de le faire ressortir encore plus et vous verrez pourquoi plus tard. Maintenant, bien que vous souhaitiez probablement récupérer des détails d’ombre, vous ne voulez pas trop en récupérer, sinon l’image commencera à paraître irréaliste / fausse. Rappelez-vous, les ombres sont une partie naturelle d’une image, donc la dernière chose que vous voulez faire est de les détruire. Pour mon image de la Mosquée bleue, l’éclaircissement de l’exposition rendait déjà les arbres plus lumineux (ce qui est ma zone d’ombre), mais cela ne suffisait pas, alors j’ai composé +30 dans le curseur des ombres pour les faire ressortir plus loin.

À ce stade, l’image semble probablement assez fade, mais c’est OK, car c’est ce que nous aborderons à l’étape suivante. Voici à quoi ressemble l’image de la Mosquée bleue avec seulement les valeurs d’exposition + 0,75, -75 Reflets et +30 Ombres:

L’étape suivante consiste à augmenter le contraste global, ce qui va ajouter du punch à l’image.

Ajout de contraste à l’image

Une fois que vous égayez une image et récupérez des détails de surbrillance et d’ombre, vous devriez vous retrouver avec une image assez fade et dépourvue de contraste, il est donc temps de commencer à augmenter le contraste. Et vous pourriez naturellement penser que le curseur « Contraste » est le meilleur candidat, mais vous auriez tort! Malheureusement, l’augmentation du contraste via le curseur « Contraste » dégrade très rapidement l’image dans Lightroom et ACR, surtout si vous utilisez des valeurs plus élevées. Au lieu de cela, nous utiliserons une astuce différente pour augmenter le contraste global en utilisant les curseurs « Blancs » et « Noirs ». C’est vrai – nous allons rendre l’image encore plus lumineuse que ce que nous avons jusqu’à présent et ensuite travailler pour atteindre un bon équilibre.

Commencez par déplacer le curseur « Blancs » sur quelque chose comme +25 – vous devriez voir l’image entière s’éclaircir et l’histogramme devrait être déplacé plus à droite. Commencez à le déplacer vers la droite jusqu’à ce que vous commenciez à frapper le côté droit de l’histogramme. Pendant ce temps, maintenez le bouton « Alt » (bouton « Option » sur Mac) de votre clavier et l’image passera à une image complètement noire. Lorsque vous déplacez votre curseur, l’aperçu affichera toutes les zones qui se font exploser. Dans mon cas, si je dépasse + 60, je commence à souffler le ciel et d’autres reflets dans l’image, comme indiqué ci-dessous:

Arrêtez-vous dès que tout ce qui est important dans votre scène (comme le ciel) commence à être soufflé. C’est votre limite – vous ne devriez pas la pousser plus loin. Maintenant, si vous soufflez déjà des faits saillants même à une valeur de +25, votre réglage précédent du curseur « Exposition » était trop agressif. Revenez au curseur « Exposition » et retirez-le un peu jusqu’à ce que l’histogramme soit à nouveau bon et que les reflets soient préservés. À ce stade, l’objectif est de rendre l’image aussi lumineuse que possible, sans perdre aucune information, vous devrez donc aller et venir entre les curseurs d’exposition et de blancs. Pour mon image, la valeur de +50 pour les « Blancs » a très bien fonctionné et j’avais encore un peu de place à droite de mon histogramme:

Ensuite, vous devrez jouer avec le curseur « Noirs » et le porter à des valeurs négatives, ce qui obscurcira vos zones d’ombre. Le but ici est de trouver un bon équilibre entre les curseurs « Blancs » et « Noirs », afin que vos reflets soient les plus brillants possible et que vos ombres paraissent plus naturelles. Cela augmentera le contraste global de l’image. Pour mon image, composer -30 dans le curseur « Noirs » était suffisant pour que les ombres paraissent naturelles et pas trop sombres, mais ce paramètre n’est pas universel – chaque image nécessitera une valeur différente, vous devrez donc expérimenter ici. Si vous craignez de perdre des détails d’ombre, appuyez à nouveau sur le bouton Alt / Option de votre clavier et maintenez-le enfoncé lorsque vous déplacez le curseur « Noirs », qui vous montrera toutes les zones qui perdent des informations. Contrairement aux reflets, ne vous inquiétez pas trop si vous perdez des détails d’ombre – c’est normal, car les ombres peuvent être assez sombres!

Voici ce que nous avons jusqu’à présent en termes de paramètres:

Et voici à quoi ressemble l’image maintenant:

Vous voyez la différence ? L’image devrait maintenant avoir des reflets plus clairs et des ombres plus sombres, ce qui crée du contraste! Nous avons réussi à rendre l’image encore plus lumineuse qu’auparavant et pourtant, elle commence déjà à être belle.

À ce stade, nous avons augmenté le contraste global, mais que se passe-t-il s’il y a des zones de la scène qui nécessitent des ajustements de contraste locaux? Par exemple, je ne suis pas très satisfait des niveaux de contraste dans le ciel et des bâtiments éloignés – comment pourrions-nous les augmenter? Eh bien, il y a plusieurs façons de le faire. Une façon serait de travailler avec quelque chose comme le « Pinceau de réglage » ou le « Filtre gradué » et de commencer à sélectionner des zones particulières de l’image où le contraste doit être ajusté. Ensuite, une fois la zone souhaitée sélectionnée, vous pouvez utiliser les curseurs « Contraste » ou « Blancs » et « Noirs » pour augmenter le contraste dans cette partie de la scène. Bien que cela fonctionne pour certaines images, il serait douloureux de le faire sur cette image particulière, car les minarets de la mosquée vont si haut dans le ciel. L’autre façon est d’utiliser l’outil « Dehaze » dans Lightroom / ACR, qui peut très bien fonctionner dans de telles situations. Malheureusement, il faut être abonné à Creative Cloud pour pouvoir voir ce curseur particulier dans le panneau « Effets » de Lightroom. Cependant, même si vous utilisez une version autonome de Lightroom 6, vous pouvez toujours obtenir cette fonctionnalité via des préréglages ou un plugin « hack » – voir ce site Web pour plus de détails.

Lorsque vous utilisez le curseur « Dehaze », vous voulez être très prudent – vous ne voulez pas utiliser une valeur supérieure à + 25 ou plus. Le problème avec cet outil, c’est que si vous poussez le curseur trop haut, il appliquera trop de contraste globalement, ce qui rendra non seulement votre image irréelle, mais aussi trop saturée (voir l’étape suivante pour savoir pourquoi vous ne pouvez pas le faire). Pour mon image, la valeur de +15 était suffisante pour faire ressortir le ciel et les bâtiments éloignés et sa valeur était suffisamment faible pour ne pas avoir d’impact sérieux sur les reflets et les ombres de mon premier plan. Jetez un œil à l’avant et à l’après de l’utilisation du curseur « Dehaze »:

C’est une très grande différence! Maintenant, une chose à garder à l’esprit, c’est que le curseur « Dehaze » peut rendre votre image trop bleue. Si c’est le cas, vous devrez peut-être réajuster votre balance des blancs.

Certaines personnes aiment également utiliser le sous-module Courbe de tonalité dans Lightroom pour modifier le contraste, mais personnellement, je trouve les outils ci-dessus plus rapides et plus faciles à utiliser lorsque vous parcourez de nombreuses images. L’outil « Dehaze » est particulièrement utile, car vous ne pouvez pas simplement le reproduire avec les curseurs Blancs / Noirs ou la Courbe de tonalité, car ceux-ci n’affectent que le contraste global.

Si vous préférez utiliser Photoshop pour ajuster le contraste, le moyen le plus rapide d’augmenter le contraste avec d’excellents résultats est d’utiliser Color Efex Pro de Google Nik (maintenant abandonné, mais toujours fonctionnel). Personnellement, j’adore cet outil et lorsque j’ai besoin de vraiment affiner le contraste dans Photoshop, je finis généralement par utiliser l’outil « Contraste Pro » dans Color Efex Pro au lieu des curseurs Blancs / Noirs de Lightroom, de la Courbe de tonalité ou de l’outil Dehaze.

Un moyen rapide de juger si vous avez fait du bon travail avec le réglage du contraste est de vérifier la fonction « Contraste automatique » de Photoshop (Image – > Contraste automatique), qui fonctionne étonnamment bien pour la plupart des images. Si vous ouvrez une image dans Photoshop et utilisez le « contraste automatique » et que l’image change considérablement, cela signifie que vous n’avez pas poussé vos Blancs, vos Noirs et votre Dehaze assez loin pour faire beaucoup de différence. L’algorithme vérifie simplement votre histogramme d’image et modifie rapidement votre courbe de tonalité, de sorte qu’elle soit répartie plus uniformément dans les ombres et les hautes lumières. Gardez à l’esprit que puisqu’il s’agit d’un outil automatisé basé sur votre histogramme, il peut se faire berner par certaines images et faire un mauvais travail.

Contrôle de la saturation des couleurs

Lorsque vous ajustez votre contraste via les curseurs Blancs, Noirs et Dehaze, vous verrez que votre image va obtenir une augmentation globale des couleurs – c’est très normal. Dans la plupart des cas, vous ne souhaitez pas revenir en arrière et ajouter plus de couleurs à vos images via Vibrance, Saturation ou les différents curseurs d’étalonnage de la caméra. Soyez très prudent avec ceux-ci, en particulier le curseur de saturation, car il peut rapidement rendre vos images très irréalistes en raison de la sur-saturation des couleurs. Si vous pensez que vous devez ajouter plus de couleurs à votre image, je vous recommande de les ajouter de manière sélective en utilisant le sous-module HSL dans Lightroom. Et si vous avez absolument envie d’augmenter les couleurs globales, commencez par le curseur Vibrance, car contrairement au curseur de saturation, il essaie de ne pas toucher les couleurs déjà trop saturées. Voir l’article Vibrance vs Saturation pour plus de détails sur leur fonctionnement. N’allez pas trop loin avec le curseur Vibrance non plus!

Pour l’image ci-dessus, je n’ai pas touché aux curseurs de Vibrance ou de saturation dans Lightroom.

Ajouter de la clarté à l’image

Ajouter de la clarté à votre sujet dans une image peut le faire ressortir et il existe plusieurs façons de le faire. La première méthode consiste à utiliser le curseur « Clarté » dans Lightroom. Maintenant, tout comme la saturation des couleurs, vous devez être très prudent avec cet outil particulier, car si vous en faites trop, vos images auront l’air très fausses et vos sujets seront entourés de halos laids. Le curseur « Clarté » fonctionne en augmentant les tons moyens dans une image, ce qui peut particulièrement bien fonctionner lorsque vous avez des nuages dans une scène, car cela les fera ressortir.

À l’image de la Mosquée bleue, il y a des nuages dans le ciel qui pourraient être géniaux à faire ressortir davantage, donc l’outil slider pourrait très bien fonctionner pour cela. La bonne chose à propos du curseur « Clarté », c’est que vous pouvez l’utiliser globalement, de sorte qu’il s’applique à l’image entière, ou vous pouvez utiliser des outils tels que le pinceau de réglage et le filtre gradué pour appliquer la clarté uniquement à certaines parties de l’image. Je ne vais pas entrer dans les détails sur la façon de procéder, car je veux juste faire des ajustements rapides de l’image, alors je suis allé de l’avant et j’ai composé +15 Clarté pour l’image entière. Voici l’Avant et l’Après:

Comme vous pouvez le voir, le changement est clairement visible sur toute l’image, pas seulement dans les nuages – les tons moyens sont devenus visiblement plus sombres. C’est pourquoi vous voulez être très prudent lorsque vous utilisez cet outil. Personnellement, je trouve que tout ce qui dépasse + 15 environ est souvent dommageable et vous devez absolument éviter d’utiliser des valeurs élevées folles, à moins que vous ne sachiez vraiment ce que vous faites.

Évidemment, le terme « clarté » n’est pas seulement réservé au curseur de clarté dans Lightroom. Si votre objectif est de faire ressortir votre sujet de l’environnement, vous pouvez également utiliser d’autres outils pour le faire. Par exemple, dans Lightroom, vous pouvez utiliser un pinceau de réglage doux ou le filtre Radial pour ajouter de la luminosité à votre sujet ou à une partie particulière de la scène, ce qui ressemblerait un peu à l’utilisation des outils Esquiver et Graver dans Photoshop. L’idée est de faire ressortir ce qui est important pour l’attention de votre spectateur. Donc, si vous avez un sujet principal à votre image, rendre le sujet plus lumineux est souvent une bonne idée. Dans le cas du portrait d’un fabricant de tapis ci–dessus, c’est exactement ce que j’ai fait – j’ai utilisé le pinceau de réglage avec une grosse plume pour sélectionner le sujet, puis j’ai ajouté une luminosité de 0,2 pour que le sujet se démarque un peu plus. Vous pouvez utiliser cette astuce dans n’importe quel type de photographie, mais soyez très prudent. Si vous faites une mauvaise sélection et composez trop d’exposition positive ou négative, vous vous retrouverez avec des transitions très laides qui n’auront pas l’air naturelles.

Affûtage de l’image

La dernière étape consiste à affûter vos images. Malheureusement, de nombreux photographes sont confus à ce stade, car ils ne font qu’affiner leur image dans le sous-module Detail et oublient complètement l’importance de la netteté de la sortie. Le fait est que si vous exportez une image en pleine résolution pour l’impression, les paramètres de netteté que vous appliquez aux images dans le panneau de détail sont très importants. Cependant, si vous exportez une version sous-échantillonnée / redimensionnée de votre image, le sous-module de détail devient beaucoup moins pertinent. N’oubliez pas que vous souhaitez toujours affiner vos images après leur redimensionnement, pas avant.

J’ai déjà écrit un article détaillé sur la façon d’affiner correctement les images dans Lightroom pour les débutants, vous devriez donc lire cet article. N’oubliez pas que ce sous-panneau de détails est très important pour les images exportées en taille réelle!

Si vous exportez une version plus petite de votre image pour le Web, les médias sociaux ou toute autre utilisation, le paramètre de netteté que vous définissez au moment de l’exportation dans Lightroom ou la façon dont vous affûtez votre image dans Photoshop après que l’image a été redimensionnée à la résolution souhaitée sera critique. Lorsque je travaille dans Lightroom, j’affine personnellement les images à deux endroits car je veux pouvoir exporter à tout moment des versions d’images en taille réelle et redimensionnées. Cela signifie que je passe d’abord par le sous-module de détail, puis lors de l’exportation d’images redimensionnées, je sélectionne également une netteté de sortie particulière. Lorsque je travaille avec des images redimensionnées dans Photoshop, je suis souvent la technique de netteté en trois étapes.

Pour l’exemple d’image sur lequel j’ai travaillé, voici les paramètres que j’ai utilisés dans le sous-module Detail:

Veuillez vous assurer que vous comprenez comment cela fonctionne – voir les articles référencés ci-dessus pour plus de détails. Avec ces paramètres, je peux exporter une image JPEG en taille réelle et elle sera plutôt belle lorsqu’elle sera vue à 100%. Si l’image doit être imprimée, les paramètres de netteté devront être ajustés en fonction du type de papier à utiliser.

Si j’ai besoin d’exporter une image pour le Web, la netteté de sortie au moment de l’exportation de l’image sera très importante. Lors de l’exportation d’une image hors de Lightroom, je m’en tiens généralement à « Aiguiser pour: Écran  » et « Montant: Élevé » lors de l’exportation d’images de paysage. Lors de l’exportation de photos de personnes, le paramètre « Haut » peut être trop élevé et je passe généralement à « Bas » ou « Standard ». Voici comment j’ai défini la netteté de sortie pour mon exemple d’image:

Et voici le résultat avant/après:

Comme vous pouvez le voir, la différence est la nuit et le jour! Gardez toujours cela à l’esprit lors de l’exportation d’images – vous souhaitez toujours effectuer une netteté de sortie dans Lightroom lors de l’échantillonnage / du redimensionnement des images. Si vous travaillez dans Photoshop, assurez-vous toujours de redimensionner d’abord l’image à la résolution souhaitée, puis d’effectuer la netteté par la suite.

Conclusion

Récapitulons quelques-unes des modifications de base que vous pouvez appliquer à vos images, afin qu’elles soient toujours plus présentables. Tout d’abord, assurez-vous que l’image est aussi lumineuse que possible. Deuxièmement, ajoutez un contraste global et potentiellement même un contraste local à certaines parties de votre image afin de la rendre moins terne. Troisièmement, évaluez les couleurs de votre image et essayez de ne pas trop saturer l’une d’elles. Quatrièmement, ajoutez de la clarté à vos images et à vos sujets, afin qu’ils sortent de la scène. Et enfin, assurez-vous toujours d’affiner correctement vos images, surtout après leur redimensionnement.