Debreveen contact avec les Harmoniques

Il y a beaucoup d’endroits pour en apprendre davantage sur les harmoniques; tous les livres ont de petits flous et il y a beaucoup de guides en ligne. Ils disent tous que vous pouvez faire ceci ou cela, mais ils semblent tous parler de choses isolément, comme si la seule fois où vous jouez une harmonique était une note entière avec un repos avant et après. Il est très similaire à l’information, ou à son absence, sur les doubles arrêts. En fait, il existe de nombreuses similitudes entre la performance des harmoniques et les doubles arrêts, de sorte que certaines des mêmes considérations s’appliquent.

Regardons d’abord les types de base d’harmoniques: naturelles et artificielles (ou fausses). Ce sera bref car il y a beaucoup d’autres ressources qui vont dans beaucoup de détails à ce sujet. Je vais couper à ce qui est pratique.

Les harmoniques naturelles sont l’endroit où le joueur touche la corde uniquement sur un nœud harmonique. C’est une bonne idée de les mémoriser car les mêmes calculs s’appliquent lorsque nous arrivons aux harmoniques artificielles.

• Toucher à l’octave, divise la corde en deux, pitch = une octave
• Toucher à la 5e, divise la corde en 3e, pitch = une octave et une 5e
• Toucher à la 4e, divise la corde en 4e, pitch = 2 octaves
• Toucher à la 3e majeure, divise la corde en 5e, pitch = 2 octaves et la 3e majeure

Celles-ci peuvent également être jouées dans d’autres positions de la corde. Par exemple, pour obtenir une octave et une quinte, peu importe le nœud que vous touchez tant qu’il « coupe » la chaîne en 3rds. Cela signifie que le joueur peut accéder à la même harmonique de chaque extrémité de la corde. Il existe également de nombreuses autres possibilités harmoniques naturelles. Ceux que je mentionne sont les plus courants, et à part l’octave, ceux qui se transfèrent bien aux harmoniques artificielles.

Lorsque l’on considère la différence de son d’un harmonique naturel par rapport à un harmonique artificiel, il est bon d’y penser de la même manière que nous pensons à l’utilisation d’une corde ouverte par rapport à une corde arrêtée. Bien que ce ne soit pas aussi évident qu’avec des notes normales, la différence est toujours là. Open a un son légèrement plus grand et plus strident que fingered, où le coussinet du doigt enlève un peu le bord.

Alors que les harmoniques naturelles sont très utilisables sur des notes individuelles, lorsque vous voulez jouer des phrases, vous devez considérer les harmoniques artificielles. Jusqu’à présent, nous nous sommes limités aux hauteurs fondamentales des cordes ouvertes, ce qui limite les notes disponibles en tant qu’harmoniques. Mais si nous regardons les harmoniques artificielles, nous pouvons utiliser n’importe quelle hauteur comme racine. Pour jouer une harmonique artificielle, vous touchez la fondamentale, puis touchez le nœud. Le calcul est le même qu’avec l’harmonique naturelle; le seul facteur limitant est les intervalles auxquels la main peut s’étirer. Par exemple, la première harmonique, l’octave, n’est pas possible. Le plus simple et le plus courant est ce que j’appelle un « touch 4 » (deux octaves). C’est facile sur tous les instruments à cordes sauf la basse, que je vous expliquerai plus tard.

Ce que j’ai couvert jusqu’à présent, ce sont les mêmes informations que dans la plupart des livres. Il y a quelques choses sur lesquelles ils ne disent pas grand-chose, cependant.

Vous devez considérer les performances des harmoniques artificielles. Isolément, tout est possible, mais en réalité, leur performance partage certaines des mêmes considérations que les doubles arrêts, car vous utilisez deux doigts en même temps. Cela signifie qu’il est difficile de jouer une ligne de legato. Si la note bouge d’un pas, il est assez facile de la déplacer rapidement. Mais attention, il est difficile d’atterrir parfaitement sur le prochain terrain. Lorsque vous vous déplacez vers le haut ou vers le bas, la distance entre le fondamental et le nœud change. Ce n’est pas aussi simple que de verrouiller vos doigts à une distance définie et de les déplacer. Cela rend le ciblage d’une hauteur un peu difficile, et il est facile de manquer la note suivante dans une phrase. Vous entendez souvent quelqu’un dans la section manquer l’harmonique. Vous pourriez obtenir une note morte, la fondamentale ou une autre harmonique. Si le décalage est plus grand qu’un pas, alors vous entendrez une diapositive ou il y aura un espace pendant qu’ils mettent en pause l’arc et décalent les doigts.

Il existe cependant des moyens de contourner cela, et il est possible d’obtenir une belle ligne de legato avec une orchestration soignée.

Vous remarquerez que j’ai un peu chevauché les notes. Les cordes ont tendance à jouer des notes un peu plus courtes que la durée écrite, elles « terminent » également les extrémités. En chevauchant les notes, vous contrecarrez cela et obtiendrez une ligne connectée. Vous pouvez simplement écrire la vraie durée et leur demander de jouer un peu plus longtemps, mais si vous manquez de temps, de cette façon, vous n’avez rien à dire. Un effet très cool est de les allonger encore plus pour que vous entendiez vraiment le chevauchement. Cela fonctionne encore mieux lorsque vous avez le Violon I à gauche et le Violon II à droite et au lieu de diviser sur le support, demandez aux premiers de jouer le haut et aux secondes de jouer le bas. C’est un excellent effet « stéréo ».

Il y a plusieurs raisons pour lesquelles le touch 4 est le plus courant. Tout d’abord, le calcul est facile, il sonne deux octaves. Deuxièmement, la forme de la main sur le violon et l’alto est parfaite pour le touch 4, c’est là où se trouve le pinky par défaut. Le touch 5 est un stretch, donc pas aussi ergonomique. Comme la corde est coupée en divisions pour jouer un harmonique, le toucher 5 est un son légèrement plus grand que le 4. Les touch 3 ne sont pas difficiles à jouer, mais comme la corde est maintenant coupée en plusieurs morceaux, le son n’est pas aussi clair. Plus l’instrument est grand, moins cela pose problème car les cordes sont plus longues.

Exemples du monde réel

Voici une petite mélodie qui est apparue dans un signal récent. La seule façon de le faire jouer avec précision était de le diviser. Les deux portées supérieures se divisent sur le support. Nous avions 24 violons, donc c’était divisé en 8/8, puis la ligne de pizz était jouée par les 8 restants. En studio, tous les violons sont copiés sur la même partie, donc ces types de divisions ne sont pas un problème. En mélangeant les harmoniques touch 4 et 5, je pouvais laisser la main dans la même position pendant plusieurs notes, rendant la partie beaucoup plus facile à jouer. Le fait que différentes notes proviennent de différents joueurs n’était pas perceptible dans le son résultant.

Voici un autre chiffre du même signal. J’ai noté le premier « B » comme une touche 5 car la main est alors dans une position facile pour l’harmonique suivante. J’aurais pu simplement écrire les hauteurs avec des cercles comme dans les portées de guidage, mais je vais mettre de l’argent sur quelqu’un qui joue le Mi comme un harmonique naturel et ne s’équilibre donc pas avec les autres notes.

Noter les harmoniques

Pour les harmoniques naturelles, vous placez une note en losange sur le nœud et spécifiez la chaîne avec un chiffre romain ou « Sul » (sauf si cela n’est possible que sur une seule chaîne).

Historiquement, il a été courant d’écrire toutes les harmoniques naturelles comme des diamants creux, ce qui signifie qu’il faut écrire le rythme ci-dessus si ce n’est pas évident. À l’occasion, j’ai écrit en utilisant des diamants solides et je n’ai pas eu de problème, mais c’est un endroit où je sens que la manière traditionnelle n’est pas la plus idéale! En 99.9% du travail que je fais, je n’utilise jamais ce système de toute façon. Le moyen le plus simple est d’écrire la hauteur de son et de mettre un cercle au-dessus (voir le premier exemple « sonne comme » ci-dessus). S’il s’agit d’un harmonique naturel évident, il sera joué en tant que tel.

En studio, je préfère utiliser des harmoniques artificielles. L’avantage des harmoniques artificielles est que les joueurs peuvent les accorder au contexte, alors que les harmoniques naturelles sont verrouillées.

Il y a deux façons de noter les harmoniques artificielles: écrivez la hauteur sonore et placez un cercle au-dessus, ou écrivez les notes avec les doigts. Au fil des ans, j’ai un peu réfléchi à ce qui est le mieux, mais dans la plupart des cas, j’écris maintenant la version à doigts. C’est clair pour les joueurs et cela m’aide également à visualiser ce que le joueur doit faire, y compris où sera sa main, et vous pouvez vous assurer qu’ils jouent un harmonique artificiel et non naturel. Si vous n’êtes pas sûr de ce que vous faites, optez pour la hauteur de sondage et le cercle. Si vous savez comment créer l’harmonique, alors je pense qu’il vaut mieux écrire le doigté. Un problème avec l’utilisation de la méthode de la hauteur de sondage est que lorsque vous obtenez de la hauteur, vous devez utiliser 8va ou 15ma et cela peut devenir déroutant à lire et à interpréter. Les joueurs peuvent également prendre du temps pour trouver la meilleure façon de le faire et les nœuds à utiliser. La méthode du cercle pose également des problèmes en ce qui concerne les basses, car il existe une école de pensée selon laquelle les harmoniques en clef de sol (écrites avec le petit cercle) sont écrites à la hauteur (non transposée), vous devez donc clarifier. Si vous écrivez les notes avec les doigts, il n’y a pas de confusion.

Vous verrez souvent la note sonore écrite au-dessus des notes avec les doigts entre parenthèses. Cela peut être utile dans des situations académiques ou si vous écrivez beaucoup d’harmoniques différentes, mais c’est plus une commodité pour le lecteur de partition et non pour les joueurs. Après tout, le doigté ne peut produire qu’un seul résultat. Dans mes partitions, je n’ajoute pas la hauteur de son, car je sais quelle sera la note et les joueurs aussi.

J’ai également vu des gens se confondre et fusionner des aspects de ces différentes méthodes. Par exemple, ajouter un cercle au-dessus d’un diamant. Le diamant indique un nœud harmonique, donc c’est donc… un harmonique ! Le cercle dans ce cas est redondant et incorrect, car il signifie « harmonique à cette hauteur sonore. »Les joueurs de cordes sont des gens assez intelligents et travailleront la plupart des choses, mais tout comme il est possible de lire du texte avec des fautes d’orthographe, ce n’est pas nécessairement agréable. Il faut toujours s’efforcer d’être correct, pas juste assez proche.

Une autre chose qui me semble redondante est la continuation des cercles harmoniques sur de longues notes liées.

C’est la bonne façon de le faire, mais je me demande si les cercles sont nécessaires après la première note. Je n’ai jamais fait cela, et je n’ai jamais eu ma section tout d’un coup à une note normale.

Qui peut faire quoi ?
Les violons peuvent jouer toutes ces harmoniques, car ils peuvent facilement atteindre une quinte. Les altos peuvent également le faire, mais le cinquième est plus difficile pour les personnes ayant de plus petites mains. Cela devient plus intéressant avec le violoncelle. Comme les notes sont beaucoup plus éloignées les unes des autres, elles ne peuvent atteindre la quatrième qu’en déplaçant toute la main sur le dessus de la touche et en utilisant le pouce pour maintenir la fondamentale enfoncée. L’étirement de la quinte n’est pas possible jusqu’à ce qu’une quinte remonte la corde, donc G sur la corde de do est la première fois qu’ils peuvent atteindre un nœud pour créer l’harmonique. La basse a encore plus de mal. Ils ne peuvent pas atteindre jusqu’à une sixième majeure et, comme le violoncelle, ils doivent également déplacer le pouce sur le dessus. Les notes sont éloignées sur la partie inférieure de la touche, il est donc impossible de s’étirer. La difficulté supplémentaire avec les basses est qu’en raison du positionnement de la touche, elles ne peuvent pas mettre confortablement leur main sur le dessus jusqu’à la sixième. A cette position, les harmoniques touch 3 et touch 4 sont possibles. Lorsqu’ils montent à l’octave, touchez 5 est également une option. Ce sont toutes des règles sûres pour le jeu orchestral. Pour les solistes, les limites peuvent être repoussées et certains joueurs avec de grandes mains ou des épaules souples peuvent en faire plus, mais vérifiez auprès du joueur avant d’écrire.

Rappelez-vous, cependant, que les harmoniques naturelles fonctionnent toujours sur les plages où la main ne peut pas atteindre.

Effets
Il y a des effets très sympas que vous pouvez créer avec des harmoniques. Les diapositives harmoniques sont faciles et très efficaces. Une diapositive harmonique naturelle est l’endroit où vous touchez légèrement la corde ouverte et faites glisser le doigt autour. Au fur et à mesure qu’il se déplace, il frappe différents nœuds et la hauteur change. Les hauteurs seront toutes basées sur la série harmonique de la corde ouverte. Une version plus intéressante avec un résultat sonore plus aléatoire est l’utilisation d’harmoniques artificielles. Comme je l’ai mentionné plus tôt, la distance entre les notes se rapproche à mesure que vous montez le tableau des doigts. Si vous voulez faire glisser le même pas, vous devez ajuster la distance entre vos doigts. Mais si vous ne les ajustez pas et que vous les gardez verrouillés, vous toucherez différents nœuds au fur et à mesure que vous montez et descendez. Lorsque vous avez toute une section qui fait cela, cela semble plutôt cool, comme un troupeau de mouettes.

Il y a plusieurs façons de noter quelque chose comme ça. Vous pourriez proposer des graphismes fous, mais je préfère toujours utiliser la notation standard et une description textuelle « au point ». J’adore quand je vois des graphiques fous et ensuite une énorme explication de ce que signifie le graphique fou.

Par défaut, les joueurs ne jouent pas d’harmoniques avec vibrato. Ils peuvent cependant; il est préférable de vérifier avec un lecteur et de voir si c’est un son que vous voulez. Cela peut être un effet cool, mais en général, nous nous attendons à ce que les harmoniques soient vitreuses et statiques.

Sessions de notation et harmoniques
Je pense qu’il est important que je parle aussi de la difficulté d’obtenir une performance propre des harmoniques. C’est dur ! Même si le passage est facile, ou si vous l’avez écrit d’une manière qui le rend plus facile à exécuter, il est toujours très difficile d’obtenir un son clair et clair de toute une section. Il est très facile de « manquer » un peu l’harmonique et d’obtenir un son « mort » ou un grincement quelconque. Il y a aussi beaucoup d’accumulation de bruit. Pour ces raisons, nous laissons souvent des harmoniques comme échantillons sur des films et des partitions télévisées. Si nous choisissons d’enregistrer, nous le rayerons souvent.