Fin DE partie

BY admin

| octobre 28, 2021

INTRODUCTION
BIOGRAPHIE DE L’AUTEUR
RÉSUMÉ DE L’INTRIGUE
PERSONNAGES
THÈMES
STYLE
CONTEXTE HISTORIQUE
APERÇU CRITIQUE
CRITIQUE
SOURCES
LECTURES COMPLÉMENTAIRES

SAMUEL BECKETT
1957

INTRODUCTION

Endgame est la deuxième pièce de Samuel Beckett publiée. L’intrigue est continue, ininterrompue par des scènes ou des actes séparés. Roger Blin a d’abord produit cette pièce en France à la Cour royale, en 1957, puis Blin et Georges Devine l’ont de nouveau produite dans une production anglaise. Les deux ont été mal reçus par presque tous les critiques londoniens. Ce n’est qu’après la désormais célèbre production parisienne de 1964, mettant en vedette Patrick Magee et Jack Macgowran dans les rôles de Hamm et Clov, que Endgame a été reconnu comme un chef-d’œuvre.

Alors que la pièce s’ouvre, Hamm meurt dans un monde qui semble toucher à sa fin. Hamm est satisfait de savoir que toute existence peut disparaître. Hamm est confiné à une chaise, et tout au long de la pièce, il rejette, à contrecœur, les perspectives de vie qui continuent: la nourriture; les analgésiques; son serviteur Clov, dont il est totalement dépendant; le poteau qui lui permet de déplacer son fauteuil roulant; et tenant le chien, sur lequel il prodigue son affection.

Les parents de Hamm, Nagg et Nell, ayant perdu leurs jambes il y a de nombreuses années dans un accident de vélo, vivent dans des ashbins dont ils sortent parfois pour être maudits par leur fils. Sa mère meurt et Hamm, sachant que Clov le quitte, se prépare à son dernier combat, d’abord pour survivre à son père puis pour affronter la mort inévitable sans l’aide des quelques objets qui lui ont donné du réconfort dans ses derniers jours. Hamm soliloque en termes de derniers mouvements aux échecs, un roi évitant l’échec et mat le plus longtemps possible avec des apartés sévères sur la religion: « Sortez d’ici et aimez-vous les uns les autres! Lèche ton voisin comme toi-même! » Il fait écho à l’aphorisme fossoyeur de Pozzo dans L’attente de Godot quand il dit: « La fin est au commencement et pourtant vous continuez. »Clov se prépare à partir, haïssant Hamm pour ses torts passés, mais maintenant sans pitié pour Hamm.

BIOGRAPHIE DE L’AUTEUR

Samuel Barclay Beckett est né dans le comté de Foxrock, Dublin, Irlande, le 13 avril 1906. Il était le deuxième des deux fils d’un couple anglo-irlandais protestant. Jeune garçon, il était très énergique et excellait dans des sports tels que le cricket, le tennis et la boxe. Il a étudié à Earlsfort House à Dublin, puis à la Portora Royal School à Enniskillen, la même école qu’Oscar Wilde avait fréquentée. C’est là qu’il commence à apprendre le français, l’une des deux langues dans lesquelles il écrira.

Il est diplômé en langues romanes du Trinity College de Dublin. Il a enseigné à Belfast avant d’aller à Paris comme lecteur d’anglais à l’École Normale Supérieure; là, en 1928, il rencontre son compatriote James Joyce, avec qui il noue une amitié durable. Beckett a été l’un des assistants de Joyce dans la construction de Work in Progress, plus tard intitulé Finnegan’s Wake. Inspiré par la scène littéraire parisienne, Beckett commence à écrire. Son premier écrit publié est un essai sur Joyce (1929). Sa première histoire, » Assomption « , parut en transition en 1929, et en 1930, il retourna comme conférencier au Trinity College de Dublin.

En 1930, Beckett publie son premier poème, » Whoroscope. » Peu de temps après, il publia une étude sur Proust récemment décédé, un auteur que Beckett admirait énormément. Beckett a rapidement réalisé que la vie académique n’était pas pour lui et a quitté le Trinity College pour devenir écrivain à temps plein. Il se lance ensuite dans cinq années solitaires en Allemagne, en France, en Irlande et à Londres avant de s’installer définitivement en France en 1937. Un recueil d’histoires, More Pricks than Kicks (1934) a été suivi d’un certain nombre de romans complets, dont le roman comique Murphy (1938) et Watt (1953), tous deux écrits en anglais.

Rentrant chez lui tard une nuit avec des amis, Beckett a été poignardé et a failli être tué. En convalescence, Beckett reçoit l’attention d’une connaissance française, Suzanne Deschevaux-Dusmesnil, qui deviendra sa compagne de vie et sa femme, bien qu’ils ne se marieront qu’en 1961. Beckett et Suzanne ont travaillé pour la Résistance française, ont échappé de peu à la Gestapo, puis ont déménagé en France inoccupée, où Beckett a travaillé dans une ferme en échange de chambres et de repas et a écrit son roman Watt.

Beaucoup considèrent le début de son écriture en français (1947-1950) comme sa période de création la plus prolifique. La trilogie de Beckett — Molloy (1951), Mallone Dies (1951) et The Unnamable (1953) — ont toutes été écrites à l’origine en français et toutes trois sont des monologues intérieurs ou des soliloques. Son premier roman français, Mercier et Camier, prédit la forme de l’attente de Godot, avec son duo errant, son style minimaliste et sa répétition, mais n’a été publié que des années plus tard. Toujours en 1947, il écrit sa première pièce, Eleutheria, qu’il ne laissera pas paraître de son vivant et qui, après sa mort, suscitera une grande controverse lorsque l’éditeur américain de Beckett, Barney Rosset, publiera une traduction anglaise contre la volonté du domaine de Beckett. En 1948-1949, Beckett écrit En attendant Godot ou En attendant Godot. La voix très distinctive, désespérante, mais curieusement exaltante de Beckett a atteint un large public et a été acclamée par le public avec la représentation à Paris en 1953 d’En attendant Godot. Beckett est devenu largement connu en tant que dramaturge associé au théâtre de l’absurde, dont l’utilisation de la scène et du récit dramatique et du symbolisme a révolutionné le théâtre en Angleterre et a profondément influencé les dramaturges ultérieurs.

Dans les années 1950 et 1960, l’écriture de Beckett se poursuit avec une série de chefs-d’œuvre, notamment Endgame, Krapp’s Last Tape et Happy Days. Il écrit ses premières pièces radiophoniques et crée des fictions novatrices en prose, notamment How It Is (1961) et The Lost Ones (1970).

Dans les années 1970, Beckett continue de s’intéresser aux productions de ses pièces de théâtre, écrit des pièces de télévision pour la BBC et fonde la société de romans autobiographiques. Dans les années 1980, il crée plus d’œuvres en prose (Ill Seen Ill Said et Westward Ho) et plus de pièces de théâtre (dont Rockaby et Ohio Impromptu). Sa dernière œuvre majeure est Stirrings Still (1986).

En 1986, Beckett a commencé à souffrir d’emphysème. Après sa première hospitalisation, il a écrit au lit, produisant son dernier ouvrage, le poème « Quel est le mot. » Après avoir emménagé dans la maison de retraite Le Tiers Temps, la détérioration de la santé de Beckett l’a empêché d’écrire de nouveaux textes, mais il a continué à traduire des œuvres antérieures. Suzanne est décédée le 17 juillet 1989 et Beckett est décédé le 22 décembre de la même année. Il est enterré au cimetière du Montparnasse à Paris.

Beckett a reçu le prix Nobel de littérature en 1969 mais n’a pas assisté à la cérémonie de remise.

RÉSUMÉ DE L’INTRIGUE

La pièce s’ouvre en établissant la seule mise en scène de la pièce. Clov commence son rituel quotidien de tirer en arrière les rideaux de deux fenêtres (d’abord la fenêtre de la mer, puis la fenêtre de la terre). Il découvre deux ashbins puis Hamm, qui dort encore. Clov livre le soliloque d’ouverture de la pièce, mettant en place la tension thématique entre des personnages qui cherchent une fin, soit à la vie, soit à leurs modes de vie habituels, et leur impuissance à activer les moyens à cette fin. Clov déclare: « Je ne peux plus être puni », ce qui renforce son mécontentement en tant que serviteur de Hamm et exprime son désir de quitter complètement Hamm.

Hamm livre son premier soliloque et nous sommes initiés à la relation maître-serviteur entre Hamm et Clov. Hamm s’adresse à son mouchoir taché de sang en tant que « Vieux Stancher » et est convaincu que sa souffrance est plus grande que toutes les autres et établit la double métaphore tout au long de la pièce: la rhétorique de la stratégie d’échecs et du drame comme jeu et compétition. Le dialogue de la pièce commence par le mot « terminé » et Hamm exprime son souhait de commencer la journée en se couchant. Hamm est terrifié d’être laissé seul et fera tout pour garder Clov avec lui. Hamm demande à Clov son analgésique et Clov le nie. C’est la première des six fois que Hamm demandera à Clov son analgésique tout au long de la pièce. Plus tard, lorsque Hamm demande à Clov pourquoi il ne le tue pas, Clov lui dit que c’est parce qu’il ne connaît pas la combinaison de l’armoire où est stockée la nourriture. Hamm renvoie Clov à la cuisine puis châtie son père, Nagg, qui est sorti de l’un des ashbins, exigeant de la nourriture. Hamm siffle Clov pour nourrir Nagg, puis Hamm ordonne à Clov de pousser Nagg dans le bac et de fermer le couvercle. Hamm continue d’essayer d’attirer Clov dans la conversation mais échoue.

Nell, la mère de Hamm, est maintenant présentée. Elle et Nagg, les deux personnages âgés de la pièce, sont à ashbins, et bien qu’ils soient confinés à ces ashbins, ils aspirent toujours à l’amour et à la romance:

Qu’y a-t-il, mon animal de compagnie ? (Pause.) Temps pour l’amour?

NAGG : Tu dormais ?

NELL: Oh, non!

NAGG: Embrasse-moi!

NELL : On ne peut pas.

NAGG : Essayez. (Leurs têtes se tendent l’une vers l’autre, ne se rencontrent pas, se désagrègent à nouveau.)

NELL: Pourquoi cette farce, jour après jour?

Nagg et Nell discutent de leur perte de la vue, de l’ouïe et des dents, se déchaînant contre Hamm pour ne pas leur fournir de nourriture adéquate et un changement régulier de sciure de bois dans leurs cendres. Ils se racontent des blagues et se remémorent leur jeunesse romantique. L’une des blagues que raconte Nagg est celle d’un vieux tailleur juif qui a mis plus de trois mois à fabriquer un pantalon décent, dont les résultats ont été plus satisfaisants que les efforts de six jours de Dieu pour créer le monde.

Hamm, agacé par leur nostalgie, interrompt ses parents pour leur dire qu’il vit une détresse physique. Nagg rit de la douleur de Hamm. Nell concède que « rien n’est vraiment plus drôle que le malheur. »Hamm exige le silence et plaide pour la fin de son tourment: « Cela ne finira-t-il jamais? » Nagg disparaît dans l’ashbin, mais Nell reste. Hamm crie: « Mon royaume pour un homme de nuit! » (une pièce sur » Mon royaume pour un cheval! »discours) et fait signe à Clov de le débarrasser de Nagg et Nell.

Vient ensuite un dialogue prolongé entre Hamm et Clov. Hamm démontre qu’il est le centre d’attention. Clov refuse à nouveau à Hamm son analgésique (pour la troisième fois), et Hamm exige que Clov l’emmène faire un tour dans la pièce dans son fauteuil, après quoi il se retrouve au centre exact de la pièce. Pendant la tournée, Hamm pose sa main contre le mur et dit: « Au-delà est l’autre enfer. »

Hamm dit à Clov d’observer les conditions météorologiques à l’extérieur par la fenêtre de la terre et la veuve de la mer via le télescope. Ce qui suit pourrait provenir d’un film de Charlie Chaplin pour Beckett insère des pitreries burlesques dans la confusion de Clov sur l’obtention de l’échelle ou du télescope en premier. Hamm exige le bulletin météo, et Clov, se déplaçant avec l’échelle et le télescope aux ordres de Hamm, est finalement en mesure de l’informer que les fenêtres de la terre et de la mer sont « corpsées. »Cette vision confirme les pires craintes de Hamm que rien n’existe en dehors de leur abri. Pour Hamm, il n’y a rien au monde, et la seule conclusion est la mort et l’extinction.

Hamm continue d’interroger Clov, qui tente de changer la discussion en annonçant qu’il a trouvé une puce dans son pantalon. Ce signe de vie bouleverse Hamm, qui dirige Clov, « Mais l’humanité pourrait recommencer à partir de là! Attrapez-le, pour l’amour de Dieu! »Clov continue dans un scénario semblable à Chaplin, essayant de se débarrasser de la puce avant qu’ils ne continuent:

HAMM : Tu l’as eu ?

CLOV : Ça y ressemble. (Il laisse tomber la boîte et ajuste son pantalon.) À moins qu’il ne pose doggo.

HAMM: Pose! Mentir, tu veux dire. À moins qu’il ne ment doggo …. Utilise ta tête, n’est-ce pas. S’il était couché, on serait ed.

Bien que sombre, Beckett combine parfaitement les éléments de la tragédie et de la comédie. Hamm et Clov discutent de leurs possibilités d’échapper à leur situation. Ils discutent de la possibilité d’utiliser un radeau pour aller vers le sud à travers ce qui pourrait être des eaux infestées de requins. Hamm demande à Clov son analgésique pour la quatrième fois, et Clov refuse une fois de plus. Hamm dit à Clov : » Un jour, tu seras aveugle, comme moi. Vous serez assis là, un point dans le vide, pour toujours, comme moi…. Oui, un jour tu sauras ce que c’est, tu seras comme moi, sauf que tu n’auras eu pitié de personne et parce qu’il n’y aura plus personne pour t’apitoyer. »Hamm espère décourager le départ de Clov et lui rappelle qu’il l’a accueilli lorsqu’il était enfant et s’est occupé de lui comme un père s’occuperait de son propre enfant. Bien que cela puisse être vrai, Clov menace à nouveau de partir. Hamm demande à Clov de lui chercher le chien jouet que Clov a fabriqué.

Clov fait ressortir le chien jouet, qui n’a que trois pattes. Comme les personnages de la pièce, le chien jouet est également estropié. Hamm prend joyeusement le chien. Cette partie est dominée par la discussion de ce qui « se passe à la fin. »

La section suivante développe la rébellion de Clov contre Hamm. Hamm demande sa gaffe mais est incapable de se déplacer sans l’aide de Clov. Hamm raconte l’histoire d’un peintre fou qui, croyant que la fin du monde était venue, a été assigné à un asile d’aliénés. Hamm lui rendait visite et le conduisait à la fenêtre pour lui montrer le monde abondant à l’extérieur, mais le peintre se retirait dans son coin parce que « tout ce qu’il avait vu était de la cendre. »

Interrogé par Hamm pour savoir si « cette chose a assez duré » ou non, Clov convient que c’est le cas, et pendant que Hamm est coincé, Clov peut quitter Hamm. Hamm demande un baiser d’au revoir, mais Clov refuse. Hamm demande comment il saura si Clov est parti ou s’il est mort dans sa cuisine, car la puanteur des cadavres en décomposition est partout. La réponse de Clov est de régler le réveil: s’il sonne, il est parti, s’il ne le fait pas, il est mort. Clov met le réveil en place et il sonne:

CLOV : La fin est formidable !

HAMM : Je préfère le milieu.

Hamm, pour la cinquième fois, demande son analgésique et Clov le refuse à nouveau. Hamm demande à Clov de réveiller Nagg. Hamm promet à Nagg un sugarplum s’il écoute une histoire que Hamm aimerait raconter. Nagg est d’accord. Vient ensuite un long monologue de Hamm. Hamm se souvient d’un pauvre homme et de son bébé qui, la veille de Noël, avaient déjà cherché la gentillesse de Hamm. Hamm raconte l’histoire avec zèle, se souvenant de son accord éventuel pour prendre l’homme à son service et subvenir aux besoins de son fils. Il devient clair que l’histoire que raconte Hamm est celle du père de Clov et comment Clov est venu avec Hamm. Hamm savoure son pouvoir sur les autres.

Hamm prie Dieu pour le salut. Hamm ordonne à la fois à Clov et à Nagg de prier Dieu, mais Hamm pleure d’agonie: « Le bâtard! Il n’existe pas ! »Nagg maudit Hamm: « Oui, j’espère que je vivrai jusque-là, pour t’entendre m’appeler comme quand tu étais un petit garçon, et que tu avais peur, dans le noir, et que j’étais ton seul espoir. »Nagg, incapable d’amener Nell à répondre à ses coups sur son couvercle de cendrier, retourne dans son cendrier et ferme le couvercle.

Hamm continue de raconter son histoire. Hamm envoie Clov voir si Nell est morte. Clov répond : « On dirait bien. »Hamm demande à Clov de vérifier et de voir si Nagg est mort. Clov soulève le couvercle ashbin de Nagg et dit: « Ça n’y ressemble pas. »Hamm demande ce qu’il fait, et Clov répond: « Il pleure », ce à quoi Hamm dit: « Alors il vit. »

Hamm retourne faire le tour de la pièce. Encore une fois, il n’y a pas de lumière de la terre et la mer est calme. Hamm accepte la condition du monde et demande son père mais ne reçoit aucune réponse. Clov est envoyé voir si Nagg a entendu l’un ou l’autre des deux appels de Hamm. Clov rapporte que Nagg n’a entendu qu’un seul appel, mais qu’il n’est pas certain qu’il s’agisse du premier ou du deuxième appel de Hamm.

Hamm demande un tapis de recouvrement, que Clov ne fournit pas. Clov refuse de montrer à Hamm toute affection lorsque Hamm demande un baiser. Hamm demande son chien jouet mais change d’avis. Clov se rend à la cuisine pour tuer le rat qu’il y a découvert avant qu’il ne meure.

Le prochain monologue de Hamm commence calmement et avec nostalgie et construit des sentiments de culpabilité ainsi que de curiosité quant à ce qui se passe après la fin de la pièce.

HAMM : Je serai là, dans le vieil abri, seul contre mon silence et ( (il hésite) the l’immobilité. Si je peux garder ma paix et m’asseoir tranquillement, tout sera fini avec le son, le mouvement, partout et fini.

Clov n’a pas pu tuer le rat dans la cuisine et l’heure de l’analgésique de Hamm est enfin arrivée. Clov dit maintenant à Hamm, après toutes ses demandes, que l’approvisionnement a été épuisé. Clov envisage sérieusement de quitter Hamm. Hamm dit à Clov de regarder le monde extérieur « Car il vous appelle. »

Clov livre son dernier monologue et se rend compte qu’il doit apprendre à souffrir. Lui et Hamm débattent de l’état du monde extérieur et Hamm proteste qu’il ne se soucie pas de ce qui s’est passé. Clov rappelle à Hamm qu’il a refusé de fournir de l’huile de Mère Pegg pour sa lampe et continue de dire durement à Hamm que Mère Pegg est morte des ténèbres. Et donc nous pensons que la mort de Mère Pegg était en partie due à Hamm.

Hamm demande le chien jouet et Clov le frappe à la tête avec. Hamm plaide que Clov utilise une hache ou une gaffe. Quand Clov annonce qu’il n’y a plus de cercueils, Hamm dit: « Alors laissez-le finir! »Hamm et Clov mettent fin à leur relation et acceptent de se séparer.

Le monologue final de Hamm commence, « Old endgame lost of old, jouez et perdez et avez fini de perdre. »Clov, habillé pour son départ, entre et regarde Hamm. Après son monologue, Hamm appelle deux fois son père. Il n’y a pas de réponse. Hamm jette alors le chien jouet et son sifflet et appelle Clov, qui ne répond pas. Hamm couvre son visage de « Old Stancher », le mouchoir taché de sang. Hamm, aveugle et paralysé, semble avoir choisi contre la vie. Clov, debout dans ses vêtements de voyage, est confronté au choix de rester ou de sortir et de vivre dans un monde inconnu. Que cela fonctionne ou non, Clov ne connaît pas non plus le public.

CARACTÈRES

Clov

Clov est le serviteur de Hamm, et il suit les souhaits de son maître, bien qu’il soit traité horriblement. Infirme mais non handicapé, Clov est capable de quitter l’abri qu’il a connu toute sa vie et de tenter sa chance dans » l’autre enfer » au-delà des murs. Clov montre qu’il est capable de gérer les tâches et la vie, et à la fin de la pièce, il se prépare à quitter Hamm et à tenter sa chance dans le monde extérieur.

Hamm

Hamm meurt dans un monde qui semble se terminer. Hamm est aveugle et confiné à un fauteuil roulant. Il est égoïste et veut toujours être le centre d’attention et se considère comme un personnage semblable à Dieu. Il réprimande son serviteur Clov, dont il dépend complètement. Ses parents, Nagg et Nell, vivent à ashbins et émergent parfois seulement pour être réprimandés par leur fils. Bien que le monde touche peut-être à sa fin, Hamm est satisfait de savoir que toute existence peut peut-être s’éteindre. Il espère exister assez longtemps pour survivre à son père.

Nagg

Nagg est le père de Hamm. Lui et sa femme vivent maintenant à ashbins, après avoir perdu leurs jambes dans un accident de vélo il y a des années. Bien que leur situation actuelle soit sombre, il y a des moments dans la pièce où nous comprenons que dans leur jeunesse, Nagg et Nell ont eu un grand et merveilleux amour. Ils atteignent toujours cet amour, malgré les conditions horribles et leur fils ingrat.

Nell

Nell est la mère de Hamm. Elle, comme Nagg, vit dans un ashbin, ayant également perdu ses jambes dans l’accident de vélo il y a des années. Elle meurt dans la pièce à la grande détresse de Nagg.

THÈMES

Vivre ou mourir ?

Les personnages, pris au piège dans leur chambre individuelle, s’occupent de routines et de tâches. Hamm est paralysé et aveugle, Nagg et Nell ne peuvent pas quitter leurs cendres, et l’action de la pièce se déroule dans une seule pièce, en dehors de laquelle la vie ne peut évidemment pas survivre. Ces personnages ont du mal à passer à autre chose ou à agir, et les actions qu’ils entreprennent sont souvent stagnantes et indéfinissables. Chacun dépend d’un autre pour sa survie même et Hamm s’interroge sur l’avantage de continuer à vivre, harcelant souvent nag pour l’analgésique ultime – la mort.

L’existence de Dieu est également remise en question et indirectement niée, brossant un tableau sombre de la vie dure et sans rédemption, dirigée par les besoins de tyrans handicapés comme Hamm. Lorsque Hamm ordonne à la fois à Clov et à Nagg de prier Dieu, Hamm pleure d’agonie: « Le bâtard! Il n’existe pas ! »Hamm et les autres personnages, dans leur misère et leurs frustrations stagnantes, manquent de foi en une promesse bienveillante de Dieu de suspendre ou de racheter leur angoisse. La vie semble un cycle impitoyable de désir et de chagrin, de handicaps et de cendres, et, pour ces personnages, la mort n’est pas une récompense pour avoir enduré ce cycle. Les personnages de Endgame traversent des vies de conflits émotionnels qui anticipent la mort, bien qu’ils n’aient pas les moyens d’y parvenir par eux-mêmes.

Interdépendance

L’un des thèmes les plus évidents de la fin de partie est la nécessité de l’interdépendance, même si la relation est une relation de haine. Clov, par exemple, dépend de Hamm pour la nourriture puisque Hamm est le seul à connaître la combinaison au placard. Hamm s’appuie entièrement sur Clov pour le mouvement et la vision. Les critiques comparent souvent Endgame au drame précédent de Beckett Waiting for Godot, notant que les personnages des deux pièces sont regroupés par paires. La fin de partie est plus sombre et plus perplexe car elle manque de l’espoir de rédemption que contient l’Attente de Godot.

Conflit générationnel

Le conflit générationnel, en particulier entre père et fils, apparaît également comme un thème important. Hamm raconte deux fois l’histoire d’un père et d’un fils et semble ne voir les relations parents-enfants qu’en termes de pouvoir et de ressentiment. Les critiques ont soutenu que Hamm en veut à Nagg, son père, de ne pas avoir été gentil avec lui quand il était jeune, tandis que Hamm en veut à Clov, son fils, d’être jeune à un moment où sa propre vie est en déclin. Endgame a également été interprété comme une représentation de la négation par l’humanité de processus vitaux tels que la mort et la procréation.

ADAPTATIONS MÉDIATIQUES

Publié par Ambrose Video en DVD en 2002, le coffret DVD Beckett on Film est la toute première projection cinématographique des dix-neuf pièces de Samuel Beckett. Le célèbre projet Beckett on Film réunit certains des réalisateurs et acteurs les plus distingués qui travaillent aujourd’hui. Les réalisateurs incluent Atom Egoyan, Damien Hirst, Neil Jordan, Conor McPherson, Damien O’Donnell, David Mamet, Anthony Minghella, Karel Reisz et Patricia Rozema. Le talent d’acteur exceptionnel impliqué comprend Michael Gambon, feu Sir John Gielgud, John Hurt, Jeremy Irons, Julianne Moore, Harold Pinter, Alan Rickman et Kristen Scott-Thomas. Plusieurs des films du projet Beckett on Film ont été exposés dans des festivals de cinéma internationaux à travers le monde, notamment à New York, Toronto et Venise.

Artistry

Endgame est une œuvre auto-réflexive dans laquelle on peut souvent voir la main de Beckett. Par exemple, la narration de Hamm suit à la fois son propre cours pour développer sa personnalité tout en commentant l’idée de création, faisant allusion au processus créatif d’un auteur. À la fin de l’histoire, Hamm parle de la difficulté de la création:

CLOV : Ça va bientôt se terminer ?

HAMM : J’en ai bien peur.

CLOV : Hap! Tu en inventeras un autre.

HAMM: Je ne sais pas. (Pause.) Je me sens plutôt épuisée. L’effort créatif prolongé.

Les personnages font de nombreuses références explicites tout au long de la fin de partie à leurs rôles de personnages dans une pièce de théâtre. Hamm déclare à un moment donné: « Je m’échauffe pour mon dernier soliloque. »Clov, à un autre moment, annonce: « C’est ce que nous appelons faire une sortie. »De telles références autoréflexives à l’action de la pièce sont représentatives du modernisme et suggèrent également l’inclination de l’humanité à la dramatisation pour donner un sens à la vie et aider à comprendre le monde.

Humour

» Rien n’est plus drôle que le malheur. »Bien que la fin de partie soit sombre, il y a de l’humour dans la pièce. La confusion de Clov sur les objets à aller chercher en premier et ses pitreries avec l’échelle pourraient provenir directement d’un film mettant en vedette Charlie Chaplin, que Beckett admirait. Commentant lui-même Endgame, Beckett a identifié l’expression « rien n’est plus drôle que le malheur » comme clé de l’interprétation et de la performance de la pièce.

STYLE

Mots et directions de scène

La performance visuelle et le dialogue autoréflexif de Endgame rappellent constamment au public qu’il regarde une performance d’acteurs. Hamm couve: « Toutes sortes de fantasmes! Que je suis surveillé! »Cela indique au public qu’ils font partie de la structure de la pièce, tout comme les mots, le mouvement physique, l’éclairage, les sifflets, les chiens, les échelles, les fenêtres et le silence jouent leur rôle. Beckett utilise des directions scéniques pour créer des relations dynamiques entre les personnages et les choses dont ils ont besoin pour vivre: Hamm a besoin de son fauteuil, et Nagg et Nell ont besoin de leurs ashbins. Beckett crée un monde physique vivant pour compléter le dialogue puissant et dépouillé.

Beckett présente l’incapacité des personnages à comprendre à travers un langage abstrait et une structure dramatique stagnante. Beckett a dépouillé et brisé ses mots et ses phrases. Les mots sont capables de se contredire et sont souvent elliptiques. Clov prononce la première ligne de la pièce: « Fini, c’est fini, presque fini, ça doit être presque fini. » En commençant la pièce par le mot » Terminé », Beckett dirige notre attention vers les fins. Alors que les personnages de Beckett cherchent eux-mêmes et le monde qui les entoure, le langage reflète l’équilibre précaire entre compréhension et confusion.

SUJETS À APPROFONDIR

Beckett est souvent considéré comme un précurseur du mouvement absurde au théâtre. Lisez The Dumb Waiter d’Harold Pinter et Glengarry, Glen Ross de David Mamet, et écrivez un essai sur la façon dont vous pensez que leur écriture a été influencée par Samuel Beckett.
Nagg et Nell, les parents de Hamm, sont en ashbins tout au long de la pièce. Quel commentaire cela fait-il sur la société, nos idées et le traitement des personnes âgées?
Les pièces de Beckett sont remplies de rituels. Quels rituels Clov effectue-t-il pour Hamm, et qu’est-ce que cela dit de la relation maître-serviteur dans laquelle ils se trouvent?
Endgame contient plusieurs éléments de comédie. Comment pensez-vous que ces éléments fonctionnent par rapport au ton général de la pièce? Pourquoi Beckett utilise-t-il la comédie de cette manière? Que dit Beckett sur la vie et la nature de la comédie?

Intrigue mineure de Beckett

Les intrigues de Samuel Beckett sont remarquables par leur absence de la structure dramatique classique. L’intrigue mineure de Endgame est celle des parents de Hamm, Nagg et Nell. Il est clair qu’ils ont eu un amour romantique dans leur jeunesse, mais ils vivent maintenant à ashbins et ne sont pas bien pris en charge par leur fils. La fin de la pièce trouve Nagg et Nell morts, sans avoir éprouvé beaucoup de satisfaction tout au long de la pièce. En effet, la plupart de leurs interactions sont des tentatives de se souvenir de leur bonheur passé ou de supporter leur situation d’impuissance actuelle.

Théâtre de l’absurde

Le drame connu sous le nom de théâtre de l’absurde commence dans les années 1950. Endgame, la première pièce de Beckett après Waiting for Godot, continue dans la tradition établie par Waiting for Godot.

CONTEXTE HISTORIQUE

Capacité nucléaire

Bien que Beckett ne place pas les personnages et les actions de Endgame dans un moment et un lieu précis, le seul décor de la pièce peut être considéré comme un abri anti-bombe après qu’une bombe nucléaire a explosé et détruit beaucoup, sinon toute la vie en dehors de l’abri. C’était certainement une crainte imminente lorsque Beckett a écrit la pièce et quand elle a été jouée en 1957. Bien qu’aujourd’hui cette peur soit toujours présente, en 1957, la peur était à un niveau record et la probabilité d’un tel événement semblait trop possible et proche.

La guerre froide

La fin des années 1950 et les années 1960 ont été dominées par la guerre froide, une intense rivalité entre les États-Unis et leurs alliés contre l’Union soviétique. Après la Seconde Guerre mondiale, l’Europe était divisée en deux zones de pouvoir, un occident capitaliste et un orient socialiste. La rivalité est rapidement devenue mondiale et il y avait toujours une menace qu’elle aurait pu se transformer en guerre nucléaire à grande échelle. La lutte est devenue violente en 1950 lorsque la Corée du Nord communiste a envahi la Corée du Sud, commençant la guerre de Corée, qui s’est terminée par la division du pays.

La Doctrine Eisenhower

La Doctrine Eisenhower, annoncée par le président des États-Unis Dwight D. Eisenhower le 5 janvier 1957, a promis un soutien militaire et économique à tout pays du Moyen-Orient ayant besoin d’aide pour résister à l’agression communiste. Marquant une nouvelle escalade dans la guerre froide, la doctrine visait à contrôler l’augmentation de l’influence soviétique au Moyen-Orient et le soutien de plus en plus fort des Soviétiques aux États arabes.

Les absurdistes

Parmi les écrivains français connus sous le nom d’absurdistes, Arthur Adamov, Eugène Ionesco, Jean Genet et Samuel Beckett ont été les plus significatifs. À la fin des années 1930 et au début des années 1940, les écrivains essayaient de renverser les conventions dramatiques et voulaient défier le public avec quelque chose de nouveau. Antonin Artaud écrit Le Théâtre et Son Double (1938), qui prône un » théâtre de la cruauté « , et en 1943 Jean-Paul Sartre écrit Être et Néant et Pas de sortie, qui dramatise le point de vue existentialiste de Sartre. Le point de vue de Sartre, combiné aux écrits d’Albert Camus, a fourni les bases du mouvement absurde, qui a commencé à prendre forme au début des années 1950.

En 1952, Ionesco a créé sa pièce Les Chaises, qui est un excellent exemple du théâtre de l’absurde. Cependant, ce n’est qu’en 1953 et la première d’En Attendant Godot, ou En attendant Godot, que l’absurdité atteint un public populaire et international.

En attendant Godot est peut-être l’œuvre la plus connue du mouvement absurde. La tragicomédie en deux actes raconte l’histoire de deux vieillards, Vladimir et Estragon, qui ne peuvent pas décider s’ils doivent partir ou rester et attendre Godot, qui peut ou non arriver et les sauver de leur situation désespérée. Endgame porte cette lutte au niveau supérieur alors que Hamm et Clov luttent avec le sens, s’il y en a, de vivre du tout. L’importance de Beckett pour le mouvement absurde est évidente, mais dire qu’il est un écrivain absurde ne donne pas tout le crédit à son large éventail de travaux. L’écriture de Beckett se démarque des autres œuvres absurdes par son ingéniosité, son universalité et son humanité.

APERÇU CRITIQUE

Lorsque Endgame a ouvert en 1957, Beckett a décrit l’événement comme « plutôt sombre, comme jouer à l’acajou, ou plutôt au teck. »En effet, la plupart des critiques ont trouvé la pièce déconcertante ou ils l’ont détestée. Kenneth Tynan dans the Observer a déclaré que la nouvelle pièce de Beckett indiquait « clairement que son but n’est ni de bouger ni de nous aider. Pour lui, l’homme est un pygmée qui se rend compte de sa propre dégradation inévitable. »Marc Bernard dans Nouvelles littéraires disait qu’il avait constamment l’impression d’écouter une fantaisie médiévale ou un poème comique dans lequel personnages allégoriques, fausse scolastique et raisonnement aristotélicien étaient transformés en un mélange dans lequel la métaphysique prenait soudain un ton farfelu. Il considérait Hamm « l’intellectuel, paralysé, aveugle aussi bavard qu’un médecin du XIVe siècle. Il est attendu par l’Homme du Commun, à mi-chemin entre l’homme et la bête « qui » a reçu une apparence simienne: bras longs et pendants, colonne vertébrale courbée. Le père et la mère de l’intellectuel sont enfermés dans deux poubelles; de temps en temps, un couvercle est levé et l’un des parents commence à parler. »T. C. Worsley dans l’auditeur a dit d’Waiting for Godot: « La névrose de M. Beckett et la mienne ont été assez longues sur le même thème; en fin de partie, elles ne se sont jamais emmêlées. Il a, en fin de partie, expanded élargi non pas le public mais les images privées. Il ne s’est pas concentré sur ce qui est commun entre son public et lui, mais sur ce qui est privé en lui-même. »

Lorsque Endgame a été produit à Broadway en 1980, réalisé par Jopseh Chaikin et mettant en vedette Daniel Setzer dans le rôle de Hamm et Michael Gross dans celui de Clov, il était devenu considéré comme un classique. Mel Gussow, a écrit dans le New York Times que « M. Chaikin et M. Setzer n’oublient jamais le présage de la pièce, mais ils ne changent pas non plus son humour mordant. Le réalisateur aborde Endgame comme un joyau à jouer, comme une pièce à jouer. M. Chaikin est un artiste expérimental qui est scrupuleux lorsqu’il s’agit de classiques. » Conclut-il, « la pièce est profonde. Le jeu est prodigieux. »

CRITIQUE

Daryl McDaniel

McDaniel est un écrivain titulaire d’une licence de l’Université du Michigan. Dans l’essai suivant, McDaniel discute de la fin de partie de Beckett.

L’écriture de Samuel Beckett peut être un casse-tête. Il n’y a pas de positions finales ou d’interprétations absolues. Endgame est, cependant, un chef-d’œuvre unique avec une structure dramatique complexe qui va à l’encontre de la structure théâtrale traditionnelle.

COMPARER & CONTRASTE

années 1950: Les États-Unis et l’Union soviétique sont divisés sur les loyautés et le soutien au Moyen-Orient. La peur d’une guerre nucléaire augmente.
Aujourd’hui: Les États-Unis et l’Angleterre s’engagent dans la guerre avec l’Irak. Les États-Unis font la guerre au terrorisme dans le monde entier. La Corée du Nord possède des armes nucléaires, et le potentiel d’une guerre nucléaire semble à nouveau trop possible.
années 1950: Des scientifiques russes lancent Spoutnik en orbite, initiant la course à l’espace entre les États-Unis et la Russie.
Aujourd’hui: À partir des années 1990, les cosmonautes russes ont travaillé avec des astronautes américains sur la station spatiale Mir. Les États-Unis et la Russie continuent de coopérer dans le domaine de l’exploration et de la recherche spatiales.
années 1950 : Eugene O’Neill reçoit à titre posthume le prix Pulitzer d’art dramatique pour Long Day’s Journey into Night.
Aujourd’hui: Topdog / Underdog de Suzan – Lori Parks remporte le prix Pulitzer du drame.
années 1950: Albert Camus reçoit le Prix Nobel de littérature « pour son importante production littéraire, qui éclaire avec un sérieux clairvoyant les problèmes de la conscience humaine à notre époque. »
Aujourd’hui : Imre Kertsz (Hongrie) reçoit le Prix Nobel de littérature » pour une écriture qui défend l’expérience fragile de l’individu contre l’arbitraire barbare de l’histoire. »

Endgame était révolutionnaire car il n’osait pas adhérer aux règles dramatiques acceptées. Beckett

utilise le dialogue circulaire, refuse d’accessoiriser la pièce ou ses personnages avec tout sauf le strict minimum, mais il crée un monde fictionnel complexe et hautement théâtral pour que ses personnages l’habitent. Beckett choisit ses mots avec soin, et la nature du dialogue est circulaire, par exemple dans le soliloque d’ouverture de Hamm : » Et pourtant j’hésite, j’hésite à end finir. Oui, voilà, il est temps que ça se termine et pourtant j’hésite – (il bâille) – à finir. » Le langage utilisé par Beckett démontre l’équilibre précaire entre cognition et perplexité. La décomposition du langage reflète la décomposition de la capacité des personnages à percevoir le monde qui les entoure. Son utilisation du dialogue autoréflexif informe le public qu’il est assis dans un théâtre en train de regarder une pièce de théâtre, faisant allusion à la pièce comme un « jeu. » De même que les mots utilisés par Beckett sont peu nombreux, il retire toute matière étrangère de sa pièce. La structure de Endgame rompt avec la théorie qui a façonné des siècles de drames et de tragédies. Aristote a écrit que la tragédie est « une imitation d’une action. »Beckett ne se préoccupe pas d’essayer de créer et de maintenir une imitation ou une illusion de la réalité. Les bandes de Beckett mettent à nu tous les détails sauf le minimum nécessaire, et les détails qu’il fournit sont souvent vagues. L’utilisation de la motivation dramatique par Beckett est également minime. Dans le drame traditionnel, les motivations d’un personnage sont clairement exposées au public, mais les actions du personnage en fin de partie sont particulières. On peut souhaiter aller au théâtre pour en sortir avec des conclusions et des réponses, mais Beckett présente un monde fictif aussi complexe que le monde réel, où les conclusions sont incertaines et les réponses difficiles à définir. Endgame peut être considéré comme le type de théâtre le plus élevé, où les événements se déroulent au milieu de la vie du public, et il est de la responsabilité du public de prendre ce qu’il peut de ce qui est présenté plutôt que d’être alimenté de force des intrigues facilement discernables. En dépit de voler face à des dispositifs théâtraux reconnus, il y a un dramaturge innovant au travail, qui décide d’utiliser les échecs comme un moyen de jouer cette situation humaine.

Beckett utilise les échecs comme métaphore maîtresse de la pièce, et il explore le dilemme humain, la mortalité et l’existence de Dieu, sans fournir de réponses simples, alors que ses personnages et le public traversent une existence incertaine. Le jeu d’échecs devient la métaphore qui donne à un jeu apparemment sans structure un schéma dramatique. Les personnages de la fin de partie ressemblent à des pièces d’échecs. Le roi métaphorique de la fin de partie est le centre d’attention, et les règles des échecs s’appliquent aux personnages, à leur cadre et à leur situation. Dans Samuel Beckett: Le Dernier moderniste, Anthony Cronin écrit:

Quand il a été produit à Berlin en 1967, Beckett a dit à l’un des acteurs: « Hamm est un roi dans ce jeu d’échecs perdu depuis le début … Maintenant, à la fin, il fait quelques mouvements insensés comme seul un mauvais joueur le ferait would Il essaie seulement de retarder la fin inévitable He C’est un mauvais joueur.’

QUE DOIS-JE LIRE ENSUITE?

En attendant Godot (1953) est la pièce la plus connue de Samuel Beckett sur deux clochards attendant l’insaisissable Godot.
L’Innommable (1953) est le troisième roman de la trilogie de Beckett, comprenant Molloy (1951) et Malone Dies (1951). Les trois romans, qui ont été écrits à l’origine en français, sont des monologues intérieurs contenant des éclairs d’humour noir.
La dernière bande de Krapp (1958) est une autre pièce de théâtre de Beckett. Il s’agit d’un monologue dans lequel le vieux Krapp tente de retrouver l’intensité des jours passés en écoutant des enregistrements de son moi plus jeune.
La pièce Les chaises d’Eugène Ionseco (1958) parle d’un homme qui a eu l’occasion de mener une vie formidable mais qui a plutôt mené une vie simple avec sa femme. Après de nombreuses années, il décide de raconter son secret à la société. Les seuls personnages de la pièce sont le vieil homme, la femme et la personne que le vieil homme engage pour raconter au monde son secret. Cette pièce est une œuvre incontournable du théâtre de l’absurde.
Glengarry Glenn Ross (1983) de David Mamet est un excellent exemple de l’influence que Beckett a eue sur l’écriture de pièces de théâtre. Mamet a été fortement influencé par Harold Pinter, à qui Glengarry Glenn Ross est dédié, et Pinter a été fortement influencé par Beckett.
The Birthday Party (1958) d’Harold Pinter suit Stanley, pianiste au chômage dans une pension de famille en bord de mer. Stanley est mystérieusement menacé et pris en charge par deux intrus, qui lui présentent un acte d’accusation bizarre de crimes inexpliqués.
Samuel Beckett d’Anthony Cronin: Le Dernier moderniste (1997) est une biographie ambitieuse et bien écrite de Samuel Beckett, l’écrivain, l’artiste et la personne.

Et le public peut voir les mouvements du roi une fois le jeu mis en place. Hamm et Clov peuvent être considérés comme roi et chevalier, et les parents de Hamm, Nagg et Nell, fonctionnent comme des pions. Beckett souligne encore cela en utilisant deux couleurs différentes pour décrire ses personnages. Lors de leur introduction, Hamm et Clov ont tous deux un « visage très rouge. »Nagg et Nell ont tous les deux un « visage très blanc. »Bien que ses personnages aient deux couleurs différentes, ils ne fonctionnent pas comme des pièces contrastées dans un jeu d’échecs standard joué entre deux adversaires. Aux échecs, chaque pièce est déplacée selon des règles spécifiques et est retirée du plateau lorsqu’elle est capturée par le déplacement d’une des pièces opposées dans son carré. Le roi est au centre du jeu alors que chaque joueur essaie de mater le roi de l’autre joueur. Le roi peut se déplacer d’une case dans n’importe quelle direction mais seulement d’une case à la fois et ne peut pas se déplacer en échec. Hamm, le roi infirme de fin de partie, ne peut se déplacer qu’avec l’aide de Clov, le chevalier de la pièce, ce qui conduit finalement à la mort de Hamm. Le mouvement du chevalier aux échecs ressemble à un L majuscule (deux cases verticalement suivies d’une sur le côté, ou deux sur le côté et une en haut ou en bas). Dans la tradition littéraire, le chevalier est souvent le plus ardent protecteur ou trompeur du roi. Beckett utilise ces deux idées avec Clov, qui existe dans une relation maître-serviteur avec Hamm. Clov finit par quitter Hamm (si le public croit que Clov part à la fin de la pièce), ce qui provoque la mort de Hamm. La moins précieuse de toutes les pièces d’échecs est le pion. Les pions ne peuvent se déplacer que d’une case, tout droit, à l’exception de son premier coup, qui peut être de deux cases tout droit. C’est la seule pièce d’échecs qui ne peut jamais reculer. Les pions ont des privilèges spéciaux; les autres pièces ne le font pas. Les pions de Beckett sont du genre à ne pas pouvoir progresser sur le champ de bataille qui est leur abri. Contenus dans des ashbins, ils sont impuissants à promouvoir leur propre programme et sont piégés et dépendants de leur fils, Hamm.

Hamm, le roi, pour les besoins du drame, est le centre de toute activité. Hamm est trop conscient de sa puissance et de ses capacités mortelles limitées, et il lutte pour survivre au jeu d’échecs en essayant de dominer les autres personnages sur scène. Craignant de perdre le peu de contrôle qu’il a, Hamm dit à Clov de l’emmener faire un tour dans la pièce dans son fauteuil roulant. Alors que Clov, le chevalier obéissant au service de son roi, le déplace, Hamm se plaint de la moindre inexactitude de sa position souhaitée et crie à Clov qu’il l’a déplacé un « peu trop à gauche » ou un « peu trop à droite. »Hamm essaie d’affirmer sa domination chaque fois qu’il le peut. L’utilisation délibérée des échecs par Beckett comme métaphore centrale de la pièce augmente les manœuvres dramatiques que Hamm et Clov réalisent dans leurs jeux quotidiens l’un avec l’autre alors qu’ils luttent dans le but de continuer. Dans ses demandes désespérées d’analgésiques, Hamm crée des dispositifs qui lui permettent de continuer pendant un autre jour. Clov, d’autre part, exerce sa relation d’amour-haine avec Hamm par son exécution engagée des routines quotidiennes. Une grande partie de leur dialogue implique un débat intérieur de chaque personnage en lice pour le contrôle de l’autre, comme lorsque Clov demande: « Pourquoi me gardez-vous? » et Hamm répond: « Il n’y a personne d’autre. »Clov répond: « Il n’y a nulle part ailleurs. »Hamm affirme: « Tu me quittes tout de même. »Clov, répond honnêtement, « J’essaie. »Le scénario roi, chevalier, pion peut également être vu à l’œuvre lorsque Hamm châtie son père, Nagg, lorsqu’il sort de son ashbin exigeant de la nourriture. Hamm siffle Clov pour nourrir Nagg, puis Hamm ordonne à Clov de pousser Nagg dans le bac et de fermer le couvercle. Dans le jeu d’échecs, les pions sont généralement les premiers à perdre la vie, et c’est donc en fin de partie. Nagg et Nell expirent avant le roi ; seul le chevalier survit.

Le réglage de la fin de partie a des restrictions de temps et d’espace similaires, tout comme les échecs. Endgame se déroule dans une seule pièce qui peut ou non être un abri anti-bombes après qu’une guerre nucléaire ait dévasté la terre. Les personnages de Beckett existent dans un monde qui semble toucher à sa fin, et ici le public peut voir les actions et les idées des personnages de Beckett par rapport à une fin de partie aux échecs. Notes de P. H. Clarke dans l’avant du traducteur aux fins d’échecs: Connaissances essentielles, par Y. Averbakh:

Toutes les lacunes dans le jugement de position et la technique qui auraient pu rester inaperçues au milieu de la complexité des ouvertures et du jeu intermédiaire sont ici impitoyablement révélées; les erreurs ressortent en plus grand soulagement et, pire encore, ont généralement des conséquences plus graves.

Les personnages de Beckett savent que le monde et toute la vie en dehors de leur abri connu ont peut—être été détruits – ils sont conscients des graves conséquences auxquelles ils sont confrontés, mais ils se sentent un peu en sécurité dans la petite pièce qu’ils habitent (l’espace de jeu ou le plateau de jeu). Hamm décrit le monde qui existe en dehors de l’abri connu comme un « enfer extérieur. »Comme le roi dans une partie d’échecs, Hamm ne veut pas être retiré du plateau de jeu, car s’il l’est, il sait qu’il a perdu la bataille. La pensée et le choix sont les facteurs déterminants dans tout jeu d’échecs. Pour le maître des échecs, les mouvements sont planifiés à l’avance, et il faut du temps pour mettre en place la stratégie et la position. Le joueur maître va au—delà de la tactique à la stratégie – la planification à long terme en vue d’une action ultérieure. Aucun des personnages de Beckett, comme la plupart des gens dans la vraie vie, n’est un maître. La métaphore des échecs n’est pas simplement un exercice, mais une manière de présenter de manière cohérente les idées incohérentes de la façon dont l’humanité se réconcilie avec elle-même. Tout comme le joueur d’échecs est en proie à des limitations, les personnages en fin de partie le sont également.

Les personnages de Beckett recherchent une compréhension d’eux-mêmes alors que Beckett explore les limites et la mortalité humaines— tout en continuant à se pencher sur la question de la signification d’une personne dans ce qui peut être un monde sans Dieu. Tout comme le roi aux échecs ne peut se déplacer qu’un seul espace à la fois, Hamm se demande pourquoi il est si limité. À travers ce jeu d’échecs, Beckett examine la lutte personnelle et souvent l’incapacité de se comprendre soi-même. En regardant vers l’avenir, les personnages rencontrent une complexité de stratégie et de mouvement aussi réelle dans la vie qu’aux échecs. La transformation peut être difficile à identifier. Beckett ne fournit pas de moments dramatiques faciles à définir lorsque le changement se produit, et le discernement est au mieux glissant. Clov décrit un changement qui s’est produit sans comprendre complètement ce qui s’est passé précisément:

Puis un jour, tout à coup, ça se termine, ça change. Je ne comprends pas, ça meurt, ou c’est moi. Je ne comprends pas non plus. Je demande les mots qui restent – dormir, se réveiller, matin, soir. Ils n’ont rien à dire.

Hamm reconnaît également ce phénomène: « Toujours absent. Tout s’est passé sans moi. Je ne sais pas ce qui s’est passé. »Tout comme un mauvais joueur d’échecs trouve soudainement la fin de partie et la victoire potentielle qui lui échappent, les personnages de Beckett aussi. Alors que la fin de partie commence à échapper à la prise, les pensées des personnages tombent à la mortalité.

Les personnages de Endgame se rendent compte qu’ils sont mortels. Les répétitions et les routines tout au long de la pièce représentent la nature habituelle de l’homme et impliquent que ces habitudes sont palliatives à notre conscience que la mort est certaine et la vie mystérieuse. Les personnages discutent de ce qui peut donner un sens à la vie et la rendre digne d’être vécue. L’expérience de la vie devrait s’ajouter à une existence significative. Clov, dans la deuxième ligne de la pièce, décrit ce que devrait être l’accumulation d’expériences qui produisent du sens: « Grain après grain, un par un, et un jour, soudain, il y a un tas, un petit tas, le tas impossible. »Cette idée est à nouveau articulée par Hamm vers la fin de la pièce: « Instant par instant, se tapotant comme les grains de mil de … (Il hésite) that ce vieux grec, et toute votre vie, vous attendez que cela se monte à une vie. »En examinant leurs vies jusqu’à présent, les personnages et le public doivent déterminer leur avenir. Pour Clov, la décision est de tenter sa chance dans « l’enfer extérieur », laissant la sécurité du seul terrain de jeu qu’il ait connu. Alors que Clov se prépare à quitter Hamm, Hamm admet sa défaite. Hamm jette ses biens mondains vers le public et place son mouchoir sur son visage, un acte du roi abandonnant le jeu.

Malgré sa perte éventuelle, Hamm désire tout au long de la pièce une signification personnelle. La pièce de Beckett culmine dans la question la plus universelle de toutes: y a-t-il un Dieu et lui importons-nous ? Beckett demande au public de se demander si Dieu existe ou s’il est un mythe inventé par l’homme pour permettre à l’homme d’apaiser sa peur de la mort et sa peur de l’insignifiance. Dans une scène, Hamm ordonne à Clov et Nagg de prier Dieu, mais Hamm pleure d’agonie: « Le bâtard! Il n’existe pas ! »Hamm et les autres personnages remettent solennellement en question l’existence de Dieu. L’un des moments comiques de la pièce est lorsque Nagg et Nell discutent de la blague d’un vieux tailleur juif qui a mis plus de trois mois à fabriquer un pantalon décent, dont les résultats étaient plus satisfaisants que les efforts de six jours de Dieu pour créer le monde. Beckett soulève ces questions, mais il ne fournit pas de réponses faciles. Pour le croyant, peut-être Beckett dit-il que seul Dieu a une connaissance complète du monde et que les idées humaines sont limitées. Ce n’est pas le cas de Hamm, qui doute sérieusement de l’existence de Dieu. Hamm dit qu’il semblerait impossible que les millions de moments d’une vie représentent quelque chose d’important. Est-ce que des actions ou des relations dans la vie apportent autre chose que de la douleur, de la souffrance et de l’insignifiance? Dans l’œuvre de Beckett, on ne peut pas prendre les choses à leur juste valeur. Chacun doit relever le défi de Beckett et chercher lui-même les réponses et les solutions à ces questions universelles et intemporelles.

Le fait que Beckett trouve un moyen non conventionnel mais réussi d’aborder ces questions pesantes de la vie dans une pièce d’une heure et demie est ce qui le distingue comme un grand drame. Beckett réussit en faisant exploser les paradigmes du drame traditionnel. Il utilise des allusions et des formes ressemblant aux échecs afin de créer une structure là où il ne semble pas y en avoir initialement. Beckett traite son public avec le plus grand respect en enquêtant sur la condition humaine sans laisser l’espoir d’une réponse absolue aux plus grandes énigmes de la vie. La fin de partie de Beckett, bien qu’un labyrinthe dans sa construction complexe, est une œuvre extraordinaire de l’art du XXe siècle.

Source: Daryl McDaniel, Essai critique sur la fin de partie, dans Drama for Students, Gale, 2003.

SOURCES

Aristote, « VI », dans la poétique d’Aristote, traduit par S. H. Butcher, Hill et Wang, 1989, p. 61.

Bernard, Marc, Revue de Fin de partie, dans Nouvelles littéraires, 5 mai 1957.

Clarke, P. H., » Avant-propos du traducteur », in Chess Endings: Essential Knowledge, par Y. Averbakh, Pergamon Press, 1966, p. vii.

Cronin, Anthony, « Chapitre Vingt-neuf », dans Samuel Beckett: Le Dernier moderniste, HarperCollins, 1997, pp. 459-60.

Gussow, Mel, « La scène: Chaikin dirige la fin de partie de Beckett », dans le New York Times, 14 janvier 1980.

Tynan, Kenneth, Revue de fin de partie, dans the Observer, 7 avril 1957.

Worsley, T. C., Revue de Endgame, dans the Listener, 4 novembre 1957.

LECTURES COMPLÉMENTAIRES

Abbott, H. Porter, La fiction de Samuel Beckett: Forme et effet, Presses de l’Université de Californie, 1973.

Ce livre contient des chapitres sur les premières nouvelles de Beckett et la relation entre ses histoires et ses romans.

Bair, Deidre, Samuel Beckett: Une biographie, Harcourt Brace Jovanovich, 1978.

Cette biographie sur Samuel Beckett, reclus, a une vaste portée et est naturellement imparfaite.

Ben-Zvi, Linda, Samuel Beckett, Twayne Publishers, 1986.

En raison de la grande portée des écrits de Beckett, cette étude des œuvres complètes de Beckett a nécessité une brève couverture de chaque œuvre.

Bloom, Harold, éd., Samuel Beckett’s « Endgame « , Modern Critical Interpretations series, Chelsea House Publishers, 1988.

Bloom rassemble une sélection représentative de ce que beaucoup considèrent comme les huit meilleures interprétations critiques de la pièce.

Coe, Richard, Samuel Beckett, Grove Press, 1964.

L’étude de Coe sur Beckett se concentre sur son parcours philosophique.

Cohn, Ruby, Retour à Beckett, Princeton University Press, 1973.

Cohn présente une étude détaillée de la fiction et du drame de Beckett.

Zurbrugg, Nicholas, » Ill Seen Ill Said and the Sense of an Ending « , dans Beckett’s Later Fiction and Drama: Texts for Company, édité par James Acheson et Kateryna Arthur, Macmillan Press, 1987.

Zurbrugg affirme que Ill Seen Ill Said n’est pas tant une histoire qu’une évocation poétique de ces rituels par lesquels les vivants et les morts dans la fiction de Beckett s’efforcent sans cesse, et de manière assez inefficace, d’atteindre un « sens définitif d’une fin. »