Grossesse dans l’art
En Europe, les représentations de la grossesse étaient largement évitées dans l’art classique (à l’exception des petites figures votives), mais l’art occidental plus tard avait deux sujets fréquemment représentés où la grossesse faisait partie intégrante du récit.
CallistoEdit
Dans la mythologie grecque, la nymphe Callisto est tombée enceinte de Zeus (Jupiter aux Romains) déguisée. Sa grossesse a été repérée alors qu’elle se baignait, et sa maîtresse furieuse Artémis (Diana) l’a renvoyée; Junon, la femme de Jupiter, l’a ensuite transformée en ours. Les quelques représentations classiques avaient tendance à montrer cette transformation, mais dans l’art ultérieur, le moment traumatisant de la découverte était le plus souvent représenté, en particulier à partir de la Renaissance, en utilisant le poète romain Ovide comme source.
Ce qui est devenu la composition typique a été vu pour la première fois dans Diane et Callisto de Titien (1559), où l’abdomen de Callisto est exposé alors qu’Artémis / Diane la pointe de manière accusatrice et que ses autres disciples manifestent une variété de réactions. Bien qu’Ovide place la découverte au neuvième mois de la grossesse de Callisto (Métamorphoses II, 441-465), dans les peintures, elle est généralement montrée avec une bosse plutôt modeste pour la fin de la grossesse. Mais cela convient car la scène montre le moment où ses compagnes intimes ont réalisé pour la première fois qu’elle était enceinte. Il est clair que l’attraction principale du sujet était l’opportunité de représenter un groupe de nus féminins, bien que l’on puisse affirmer qu’il illustrait les graves conséquences d’une grossesse non désirée.
Vierge MariEdit
Les représentations de Marie étaient de loin les images les plus fréquentes mettant en scène une femme enceinte dans l’art occidental post-classique, et le restent probablement jusqu’à nos jours. Le moment de la conception de Jésus par Marie, appelé l’Annonciation, est l’un des sujets les plus courants dans l’art chrétien traditionnel, mais les représentations de plus tard dans sa grossesse sont également courantes. Contrairement à beaucoup d’autres types de représentations de la grossesse, il n’y a généralement aucune ambiguïté quant à savoir si Marie est destinée à être montrée pendant la grossesse, même si la grossesse n’est pas clairement visualisée.
La Visitation, une rencontre entre deux femmes enceintes, Marie et Élisabeth, telle qu’elle est consignée dans l’Évangile de Luc Luc 1:39-56, était très souvent représenté, mais leur grossesse n’est généralement pas soulignée visuellement, du moins jusqu’au début de la peinture néerlandaise du 15ème siècle. La pensée médiévale soutenait qu’Elizabeth était enceinte d’environ sept mois lors de la réunion et Mary d’environ un.
Les vêtements amples utilisés dans l’art religieux, comme dans la vie médiévale normale, le rendent difficile à détecter dans tous les cas. Dans les peintures de la fin du Moyen Âge, elles peuvent être montrées avec des espaces verticaux dans leurs vêtements; la robe médiévale féminine avait des ouvertures qui étaient normalement fermées par des lacets lors de l’habillage, mais pouvaient être laissées ouvertes pendant la grossesse. Ceux-ci peuvent être à l’avant ou sur les côtés, et sont utilisés dans l’art pour indiquer la grossesse, bien qu’à partir d’environ 1450, de telles lacunes, révélant une couleur contrastante de sous-vêtement, soient devenues une mode et peuvent être vues dans l’art sur des femmes minces et célibataires.
Dans certains cas, l’un ou l’autre place une main sur la bosse de l’autre, comme dans la version de Leipzig de Rogier van der Weyden (illustrée). Quelques images, principalement byzantines ou allemandes de la fin du Moyen Âge, montrent leurs enfants à naître dans l’utérus, comme dans un dessin en coupe moderne. Dans les images allemandes, ils sont nus (mais généralement avec des halos) et Jean-Baptiste s’incline ou s’agenouille devant Jésus, qui lève la main en bénédiction. Il convient de souligner qu’à toutes les périodes, la majorité des représentations ont peu d’indications visuelles que l’une ou l’autre femme est enceinte; l’histoire était bien connue de son public.
D’autres images montraient la Vierge enceinte avec Saint Joseph ou d’autres parents, y compris certaines du Voyage à Bethléem pour la naissance. Ce dernier était une partie standard des cycles byzantins, mais rare dans l’église occidentale. Il y a quelques images de Joseph et Marie cherchant un abri ou se faisant refouler à l’auberge de Bethléem, principalement du nord des Alpes après 1500; dans ces images, Marie est généralement clairement enceinte.
Le sujet rare du doute de Joseph devait également établir la grossesse de Marie, et certaines versions l’indiquaient par des ouvertures non lacées dans sa robe ou un Jésus à naître « coupé ». Dans cette scène, basée sur Matthieu 1:18-25 et des élaborations apocryphes, Joseph est troublé par la grossesse de sa vierge épouse, mais est plus tard rassuré par un ange qui vient à lui dans un rêve, le premier de ses quatre rêves dans Matthieu. Marie est souvent représentée en train de tourner pendant sa grossesse; la figure en rotation avec « coupe » illustrée a la tête de Joseph apparaissant à travers les entrelacs à gauche.
Dans un tableau similaire à Budapest, où Marie filait pendant que Joseph dormait et que l’ange lui apparaissait, le Jésus à naître n’est pas visible dans le tableau maintenant, mais peut être vu dans le sous-dessin avec réflectographie infrarouge. Soit l’artiste ou le mécène a changé d’avis à l’époque, soit il a été surpeint plus tard, peut-être que le motif est devenu indécent ou primitif. D’autres images similaires sont de Marie seule, en particulier sous forme de statues; celles-ci sont appelées Maria gravida (« Marie enceinte ») et sont couvertes ci-dessous.
Un certain nombre de premières peintures néerlandaises montrent Marie-Madeleine avec la même ouverture non lacée dans sa robe. Penny Howell Jolly a proposé que ce motif représente sa « grossesse spirituelle », bien que dans son récit de l’exemple le plus célèbre, La Descente de croix de van der Weyden (vers 1435, aujourd’hui Prado), Lorne Campbell note le non-alignement, mais l’attribue simplement à l’état de détresse de Marie-Madeleine.
Madonna del Parto est un terme désignant des figures de la Vierge Marie particulièrement associées à la grossesse et à l’accouchement, ou montrant la Vierge enceinte. Ce ne sont pas très courants; la plus connue est la fresque de Piero della Francesca, où une Marie fortement enceinte a une ouverture non écartée proéminente à l’avant de sa robe, et une autre sur le côté. Cependant, ces représentations sont tombées de la mode à la Renaissance, et le Piero est le dernier connu de Toscane. Ceux-ci ont attiré les dévotions des femmes enceintes ou de celles qui s’occupaient d’elles, ainsi que de celles qui voulaient une grossesse. La reine Claude de France, qui a eu sept enfants avant de mourir à l’âge de 24 ans, avait le tableau de la Visitation de Sebastiano del Piombo (aujourd’hui Louvre) dans sa chambre.
Quelques-unes de ces images de Marie présentent une vue « coupée » de Jésus in utero à l’intérieur, comme on le trouve dans certaines images de la Visitation (voir ci-dessus), et beaucoup ont le même geste protecteur de la main sur le ventre, qui figure également dans les portraits de femmes enceintes lorsque celles-ci commencent à apparaître. Après la Contre-Réforme, un Jésus visualisé in utero devient rare, et à la place, Marie peut être représentée avec le Christogramme « IHS » sur le ventre.
Dans les icônes orthodoxes orientales, le Jésus in utero, qui est normalement entièrement vêtu, reste une partie de la tradition pour certaines représentations jusqu’à nos jours. On le trouve dans l’une des icônes russes les plus célèbres, l’Annonciation Oustyoug du XIIe siècle à la Galerie Tretiakov, à Moscou, où l’Enfant de la taille de la naissance est représenté à l’intérieur de la poitrine, et dans les icônes de Marie du type connu sous le nom de Pomozhenie rodam en russe, traduit par « Aide à l’accouchement » (ou « Aide au travail »).
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Fresque Doutant de Joseph, 1360. Un ange apparaît au Joseph endormi, à côté d’une Marie intronisée
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Doutes allemands sur Joseph, vers 1400, avec Marie tournant et Jésus à naître « coupé »
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Visite de tapisserie, avec les deux enfants « coupés », vers 1410. Jean-Baptiste s’agenouille devant Jésus, qui le bénit.
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Visite autrichienne du début du XVIe siècle où les grossesses sont inhabituellement claires, même sans les chiffres in utero.
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Fra Angelico, une visite plus typique sans grande indication visuelle des grossesses
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Maria Gravida, Gothique international, peut-être à l’origine avec Jésus in utero.
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L’une des nombreuses figures portugaises de Maria Gravida, avec la main protectrice sur le ventre.
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» Coupé » Jésus à naître, d’un retable suisse de 1505
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Madonna del Parto, 15ème siècle, Italie
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Maria gravida baroque avec le christogramme « IHS » sur le ventre
Portraitsmodifier
À la fin du Moyen Âge, des portraits de femmes enceintes ont commencé à être peints, bien que la mode des robes rassemblées à l’avant les rende difficiles à interpréter ou à identifier avec confiance. Le portrait d’Arnolfini par Jan van Eyck de 1434 pourrait être un exemple de grossesse, mais les opinions actuelles des historiens de l’art sont pour la plupart contre cela, car les saintes vierges étaient souvent représentées de la même manière. La vierge martyre et « princesse » Sainte Catherine d’Alexandrie, généralement vêtue à la mode à cette période, était également la patronne de l’accouchement, il peut donc y avoir une certaine ambiguïté délibérée dans les images d’elle.
Certains portraits de la Renaissance italienne supposés être des femmes enceintes les montrent portant une sous-robe vaporeuse appelée guarnello, souvent associée à la grossesse ou à la période après l’accouchement. Il s’agit notamment de la Joconde de Léonard de Vinci, où le vêtement est devenu visible pour la première fois sous des scans infra-rouges en 2006, suggérant que Lisa del Giocondo, la gardienne, était enceinte ou venait d’avoir un bébé lorsqu’elle a été peinte. Une autre peinture avec un guarnello est le Portrait de Botticelli d’une dame connue sous le nom de Smeralda Brandini, où la gardienne tient également une main sur le dessus de sa bosse. C’est une caractéristique visible dans de nombreuses images telles que les scènes de visite où la grossesse est certaine, et cela l’indique probablement dans les cas où c’est beaucoup moins clair, y compris certains portraits d’Anthony van Dyck. La Donna Gravida (« La Dame enceinte ») de Raphaël est un autre exemple, avec une femme apparemment enceinte assise avec sa main gauche sur le ventre, mais de telles représentations sont restées peu fréquentes dans l’art de la Renaissance.
Une exception à cela est le « portrait de grossesse » (terme utilisé pour la première fois par Karen Hearn, conservatrice à la Tate Britain) d’une femme présentée comme fortement enceinte, généralement debout. On les trouve surtout en Angleterre, où la mode a peut-être été popularisée vers les années 1590 par Marcus Gheeraerts le Jeune, un peintre anglais de filiation flamande, qui était le principal peintre anglais de ces portraits. Une partie de la raison en était peut-être le risque pour la mère d’accoucher et certains pourraient bien être posthumes.
Il existe quelques exemples antérieurs de portraits de cour sur le continent et en Angleterre, mais le groupe principal de portraits anglais date de la fin des années 1580 à environ 1630. À peu près en même temps que les exemples anglais Marguerite d’Autriche, la reine d’Espagne envoya des portraits d’elle-même enceinte à des amies et des relations proches. L’exemple illustré ci-dessous par son peintre de cour Bartolomé González y Serrano, qui a été renvoyé chez lui chez les Habsbourg autrichiens, ne fait que varier son portrait officiel standard en échangeant sa fille contre le chien ou la chaise habituels à gauche, et en faisant ressortir sa robe à l’avant. Probablement aucune nouvelle pose pour l’artiste n’était nécessaire. Sa fille, Anne d’Autriche, reine de France, a elle-même été peinte lorsqu’elle était enceinte de 8 mois du futur Louis XIV de France, né 23 ans après son mariage. Le portrait de leur infortunée cousine, l’impératrice Marie-Léopoldine d’Autriche, morte en couches à 16 ans en 1649, l’année où le portrait est daté, est peut-être une adaptation posthume de son portrait de mariage.
Les portraits ultérieurs de femmes enceintes avaient tendance à être des membres de la famille ou du moins des amis des artistes; relativement peu de femmes, ou leurs maris, ont choisi de commander des portraits coûteux (souvent réalisés une seule fois dans leur vie) les montrant enceintes, bien que de nombreuses femmes aient passé la majeure partie au moins des premières années de leur vie conjugale enceintes. Le moment le plus courant pour une femme de faire peindre son portrait était juste après son mariage, lorsque toute suggestion de grossesse serait indésirable. Dans certains cas bien documentés, on peut montrer que les sujets des portraits sont bien enceintes lorsque le portrait a été peint, mais cela est « supprimé » ou « caché » dans l’image. Il était relativement simple pour un portraitiste d’enlever ou d’ajouter un ventre de femme enceinte à un tableau. Plusieurs des peintures (qui ne sont pas des portraits, bien que des modèles de son entourage aient sans doute été utilisés) de Vermeer montrent des femmes enceintes, mais les spécialistes en font la plupart du temps abstraction. Un spécialiste n’était au courant d’aucun portrait montrant une femme enceinte de l’ensemble de la peinture de l’Âge d’or néerlandais. Bien que des exemples de grossesse existent dans l’art néerlandais. Plus particulièrement dans le travail de Jan Steen, qui a représenté des femmes enceintes dans des scènes de taverne (p. ex. « Scène de taverne avec une hôtesse enceinte » au Philadelphia Museum of Art) ou dans ses nombreuses peintures de genre concernant de jeunes femmes malades; leur maladie impliquait généralement des nausées matinales. D’autres exemples sont les portraits pendants de Rembrandt de Maerten Soolmans et Oopjen Coppit, qui montre Oopjen Coppit dans un état fortement enceinte, ou son dessin d’une femme enceinte. D’autres exemples sont « Scène de cour avec une femme enceinte » de Hendrick van der Burgh ou « La visite du médecin » de Frans van Mieris l’Ancien. Contrairement aux styles du XVIe siècle, « la mode qui s’était développée dans les années 1620 était particulièrement utile pour une personne essayant de cacher un ventre gonflé », même si ce n’était que dans un portrait.
En 1904, un portrait de sa femme par Lovis Corinth, daté de cinq jours avant la naissance, montre une vue de profil qui souligne la grossesse. La prolifique Corinthe a peint plusieurs femmes enceintes, beaucoup apparemment pas des portraits. Paula Modersohn-Becker s’est peinte enceinte en 1906 avant qu’elle ne l’ait jamais été; au cours des 18 mois suivants, elle a eu une fille, mourant trois semaines plus tard.
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Portrait de Botticelli d’une dame connue sous le nom de Smeralda Brandini, années 1470, main sur bosse et guarnello
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La Donna Gravida (« La Femme enceinte ») de Raphaël, 1505-06
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Marguerite d’Autriche, reine d’Espagne, probablement enceinte du futur Philippe IV, né en 1605. Une variante de son portrait officiel standard.
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Anne d’Autriche, un mois avant la naissance de Louis XIV en 1638. Anne se tient à côté de sa mère sur la photo précédente.
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Marie Léopoldine d’Autriche, morte en couches à 16 ans en 1649, l’année où ce portrait est daté. Cela a peut-être été fait après sa mort.
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Portrait de grossesse en anglais par Marcus Gheeraerts le Jeune, 1620
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Portrait d’Oopjen Coppit Rembrandt, 1634
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Portrait russe d’Alexandra Branitskaya par Leontiy Semeonovich Miropolskiy, années 1780
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Praskovia Kovalyova par un artiste de la famille Argunov, 1803. Elle est morte en couches, de sorte que le tableau peut être une version posthume d’une tête et des épaules antérieures.
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Paula Modersohn-Becker, Selbstbildnis am 6 Hochzeitstag (« Autoportrait à l’occasion de son 6e anniversaire de mariage ») 1906
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Lovis Corinth, Donna Gravida, 1909
Genre moralisateur ou Satiremodifier
Certaines premières représentations modernes dans la peinture de genre, ou d’autres médias tels que des estampes populaires ou des illustrations de livres, abordaient les implications sociales de la grossesse, montrant soit des femmes qui étaient considérées comme ayant plus d’enfants qu’elles ne pouvaient se le permettre, soit des femmes, en particulier des femmes de chambre, qui étaient tombées enceintes en dehors du mariage, avec des implications sociales désastreuses pour elles.
Il y a un certain nombre de scènes narratives qui montrent des grossesses non désirées essentiellement du point de vue du père, y compris certaines où la femme a porté l’affaire devant les magistrats locaux pour accorder un soutien financier, comme les femmes célibataires ont pu le faire en Angleterre (uniquement, selon Bernard Picart, qui a jeté le mépris sur la loi). L’artiste anglais William Hogarth a inclus de nombreuses femmes enceintes dans ses œuvres, généralement dans une intention satirique ou comique, et donnant généralement plus souvent une implication négative qu’une implication positive. Dans A Woman Swearing a Child to a Grave Citizen de Hogarth (ou La Dénonciation, vers 1729, National Gallery of Ireland), une jeune femme accuse faussement un vieil homme riche d’avoir engendré son enfant, tandis que le vrai père la conseille. Les versets sur la version imprimée résument la situation:
Ici, Madame enceinte examine le vrai Père, / Et jure faussement son Enfant Bâtard pour la Location / Sur un vieux Letcher Riche, qui nie / Le Fait, et jure que le vilain Hussif ment; / Sa Femme enragée, s’exclame contre son Conjoint, / Et jure qu’elle se vengera sur ses Sourcils;/ Le Jade, la Justice et les Ward’ns de l’Église sont d’accord, / Et le forcent à assurer la Sécurité.
En particulier, Hogarth a représenté un certain nombre de vendeuses de ballades enceintes et de jeunes enfants. Comme le travail nécessitait peu de mouvement, il était peut-être souvent pris pendant la grossesse, mais Hogarth semble avoir reflété un ensemble d’idées contemporaines utilisant la grossesse comme métaphore de l’impression comme moyen de reproduction.
Galerie Hogarth
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Un Progrès De Râteau, 1, Le Jeune Héritier Prend Possession Des Effets De L’Avare, abandonnant sa fiancée enceinte.
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D’après Le progrès d’une prostituée, 1732. Les prisonniers de fond comprennent une femme noire enceinte, peut-être une prostituée
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Le musicien enragé, avec un vendeur de ballades enceinte à gauche.
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Le soir, à partir des quatre heures de la journée; les cornes de vache sur le mari suggèrent qu’il a été cocu.
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La Marche des Gardes à Finchley, 1749-50, avec un soldat et un vendeur de ballades enceinte au premier plan. Son panier contient des copies de « God Save the King ».
moderneModifier
À l’approche de l’ère moderne, certains artistes ont commencé à montrer la grossesse de manière plus explicite, avec des figures fortement enceintes et des nus plus enceintes qu’auparavant. Deux peintures (et non des portraits en tant que tels) de Gustav Klimt, Hope I (1903) et Hope II (1907-08), montrent des femmes minces et fortement enceintes de profil. Dans Hope I, la silhouette est nue et la grossesse très évidente, tandis que dans Hope II, une robe ou un manteau énorme et élaboré rend cela moins clair immédiatement.
Egon Schiele a fait des nus enceintes le sujet de beaucoup de ses dessins en couleur, privilégiant une vue frontale. La Femme enceinte de Pablo Picasso était une sculpture dédiée à sa compagne d’alors Françoise Gilot et était faite de plâtre, d’armature métallique, de bois, de récipients en céramique et de jarres. Picasso a voulu inspirer Gilot à avoir un troisième enfant avec lui en réalisant cette sculpture.
Femme enceinte était le tableau le plus célèbre d’une série de peintures de sept femmes nues enceintes peintes par Alice Neel. Fille enceinte était une peinture de 1960-61 de Lucian Freud qui représentait sa petite amie de l’époque Bernadine Coverley, alors qu’elle était enceinte de leur fille Bella. Il y a eu des sculptures nues de femmes fortement enceintes par, entre autres, Damien Hirst, avec La Vierge Mère (maintenant à Lever House à New York) et Verity, 2012, et Ron Mueck, dont la Femme enceinte (2002), ia a 2.sculpture de 5 mètres de haut d’une femme enceinte nue serrant ses mains au-dessus de sa tête, aujourd’hui à la National Gallery of Australia.