John Baldessari
Premières peintures textesmodifier
En 1966, Baldessari utilisait des photographies et du texte, ou simplement du texte, sur toile. Ses premières œuvres majeures étaient des peintures sur toile qui étaient vides mais pour des déclarations peintes dérivées de la théorie de l’art contemporain. Une première tentative de Baldessari comprenait la phrase peinte à la main « Supposons que ce soit vrai après tout? ET ALORS ? » (1967) sur une surface peinte très travaillée. Cependant, cela se révéla personnellement décevant car la forme et la méthode entraient en conflit avec l’utilisation objective du langage qu’il préférait employer. Baldessari a décidé que la solution était de retirer sa propre main de la construction de l’image et d’employer un style commercial et sans vie afin que le texte ait un impact sur le spectateur sans distractions. Les mots ont ensuite été physiquement lettrés par des peintres d’enseignes, dans une police noire non ornée. La première de cette série présentait la déclaration ironique « Une SURFACE BIDIMENSIONNELLE SANS AUCUNE ARTICULATION EST UNE EXPÉRIENCE MORTE » (1967).
Une autre œuvre, Painting for Kubler (1967-68), présentait au spectateur des instructions théoriques sur la façon de la visualiser et sur l’importance du contexte et de la continuité avec les œuvres précédentes. Cette œuvre fait référence au livre fondateur de l’historien d’art George Kubler, The Shape of Time: Remarks on the History of Things. Les préoccupations artistiques apparemment légitimes étaient destinées par Baldessari à devenir creuses et ridicules lorsqu’elles étaient présentées de manière aussi purement autoréférentielle.
Reniement des premiers travaux
En 1970, Baldessari et cinq amis ont brûlé toutes les peintures qu’il avait créées entre 1953 et 1966 dans le cadre d’une nouvelle pièce intitulée The Cremation Project. Les cendres de ces peintures ont été cuites dans des biscuits et placées dans une urne, et l’installation artistique qui en résulte consiste en une plaque commémorative en bronze avec les dates de naissance et de décès des peintures détruites, ainsi que la recette de fabrication des biscuits. À travers le rituel de la crémation, Baldessari établit un lien entre la pratique artistique et le cycle de vie humain. Ainsi, l’acte de désaveu devient génératif comme avec le travail de l’artiste auto-destructeur Jean Tinguely.
Juxtaposer du texte avec des imagesmodifier
Baldessari est surtout connu pour ses œuvres qui mélangent des matériaux photographiques (tels que des images fixes), les sortent de leur contexte d’origine et réorganisent leur forme, y compris souvent l’ajout de mots ou de phrases. Sa série Wrong (1966-1968), qui associait des images photographiques à des lignes de texte d’un livre de photographie amateur, visait à violer un ensemble de « règles » de base sur la composition d’instantanés. Dans l’une des œuvres, Baldessari s’était lui-même fait photographier devant un palmier précisément pour qu’il semble que l’arbre poussait hors de sa tête. Son projet photographique de carte de la Californie (1969) a créé des formes physiques qui ressemblaient aux lettres en « Californie » géographiquement proches des points mêmes de la carte où elles ont été imprimées. Dans la série Code binaire, Baldessari a utilisé des images comme détenteurs d’informations en alternant des photographies pour se tenir debout pour l’état marche-arrêt du code binaire; un exemple a alterné des photos d’une femme tenant une cigarette parallèlement à sa bouche, puis la déposant.
Une autre série de Baldessari juxtaposait une image d’un objet tel qu’un verre, ou un bloc de bois, et la phrase « Un verre est un verre » ou « Le bois est du bois » combinée avec « mais un cigare est une bonne fumée » et l’image de l’artiste fumant un cigare. Ceux-ci font directement référence à La Trahison des Images de René Magritte; les images ont également été utilisées pour remplacer les objets décrits. Cependant, la série fait également apparemment référence à la célèbre observation attribuée à Sigmund Freud selon laquelle « Parfois un cigare n’est qu’un cigare », ainsi qu’à Rudyard Kipling » a une femme n’est qu’une femme, mais un bon cigare est une fumée. »
Dans « Double Bill », une série de grands tirages jet d’encre de 2012, Baldessari a associé le travail de deux artistes sélectionnés (tels que Giovanni di Paolo avec David Hockney, ou Fernand Léger avec Max Ernst) sur une seule toile, modifiant encore le plan d’image approprié en superposant ses propres ajouts de couleurs peints à la main. Baldessari ne nomme alors qu’un seul de ses deux » collaborateurs » artistiques sur le bord inférieur de chaque toile, comme …ET MANET ou … ET DUCHAMP.
Jeux arbitrairesmodifier
Baldessari a exprimé que son intérêt pour le langage vient de ses similitudes de structure avec les jeux, car les deux fonctionnent par un système de règles arbitraire et obligatoire. Dans cet esprit, beaucoup de ses œuvres sont des séquences montrant des tentatives d’atteindre un objectif arbitraire, comme Lancer trois balles en l’air pour obtenir une ligne droite (1973), dans lequel l’artiste a tenté de faire exactement cela, photographiant les résultats, et finalement sélectionnant le « meilleur des 36 essais », 36 étant le nombre déterminant simplement parce que c’est le nombre standard de plans sur un rouleau de film 35mm. L’écrivain eldritch Priest lie la pièce de John Baldessari Lançant quatre balles en l’air pour obtenir un carré (au meilleur des 36 essais) comme un exemple précoce de l’art post-conceptuel. Cet ouvrage a été publié en 1973 par un jeune éditeur italien: Giampaolo Prearo qui a été l’un des premiers à croire et à investir dans l’œuvre de Baldessari. Il a imprimé deux séries une à 2000 exemplaires et une seconde plus précieuse réservée à l’éditeur à 500 exemplaires. Suivant la déclaration phare de Baldessari « Je ne ferai plus d’art ennuyeux », il conçoit l’œuvre The Artist Hitting Various Objects with a Golf Club (1972-73), composée de 30 photographies de l’artiste se balançant et frappant avec un club de golf des objets excavés d’une décharge, comme une parodie de catalogage plutôt qu’une classification droite approfondie.
PointingEdit
Une grande partie du travail de Baldessari consiste à pointer, dans lequel il dit au spectateur non seulement ce qu’il doit regarder, mais comment faire des sélections et des comparaisons, souvent simplement pour le plaisir de le faire. La série de Tableaux commandés par Baldessari (1969) a pris l’idée de pointer littéralement, après avoir lu une critique de l’art conceptuel qui prétendait qu’il ne s’agissait que de pointer. Commençant par des photos d’une main pointant vers divers objets, Baldessari a ensuite engagé des artistes amateurs mais techniquement habiles pour peindre les images. Il a ensuite ajouté une légende « A painting by » à chaque tableau fini. Dans ce cas, il a été comparé à un chorégraphe, dirigeant l’action sans avoir de main directe, et ces peintures sont généralement lues comme interrogeant l’idée de paternité artistique. Les artistes amateurs ont été assimilés à des peintres signataires de cette série, choisis pour leurs méthodes piétonnes indifférentes à ce qui était peint. Baldessari critique les évaluations formalistes de l’art dans un segment de sa vidéo How We Do Art Now (1973), intitulé « Examining Three 8d Nails », dans lequel il accorde une attention obsessionnelle aux moindres détails des ongles, tels que la quantité de rouille qu’ils ont, ou des qualités descriptives telles que qui semble « plus frais, plus éloigné, moins important » que les autres.
DotsEdit
Les points adhésifs circulaires recouvrant les visages des portraits photographiés et peints sont un motif dominant dans l’œuvre de Baldessari à partir du milieu des années 1980. L’artiste lui-même se doutait que, malgré le large éventail d’approches qu’il a adoptées au cours de sa carrière, il serait mieux connu comme « le gars qui met des points sur les visages des gens. » Parmi les « portraits à points « , citons par exemple Bloody Sunday (1987) ou Stonehenge with Two Persons (2005), bien que ces œuvres soient nombreuses et qu’il soit difficile d’en identifier un exemplaire. Les points de ces peintures évoquent des autocollants de prix aux couleurs vives parfois vus dans les ventes de garage, les friperies ou placés sur des articles de vente au détail lors d’une vente. En effet, ces autocollants semblent avoir été l’inspiration de la méthode. Décrivant son premier saut intuitif dans cette direction, Baldessari a déclaré: « Je venais d’avoir ces autocollants de prix que j’utilisais pour autre chose, d’une manière graphique et je les ai mis sur tous les visages et j’avais l’impression que cela nivelait le terrain de jeu. »Les œuvres à faces pointues peuvent parfois être décrites comme des peintures, des collages ou peuvent être publiées sous forme d’éditions imprimées.
Imprimémodifier
Baldessari a commencé à faire des estampes au début des années 1970 et a continué à produire des éditions. Il a créé sa première estampe – I Will Not Make Any More Boring Art (1971) – dans le but d’amasser des fonds pour le Nova Scotia College of Art and Design, à Halifax. La lithographie a été créée en conjonction avec la désormais célèbre exposition pour laquelle – à la demande de Baldessari – les étudiants ont écrit sans cesse la phrase « Je ne ferai plus d’art ennuyeux » sur les murs de la galerie. L’artiste a depuis travaillé à l’international avec des éditeurs de premier plan tels que Arion Press de San Francisco, Brook Alexander Editions de New York, Cirrus Editions de Los Angeles, Crown Point Press de San Francisco, Edition Jacob Samuel de Santa Monica, Gemini G.E.L. de Los Angeles, Mixografia de Los Angeles, Multiples, Multi Editions de Los Angeles, Inc. de New York, et les éditions Peter Blum de New York. Ses estampes de 1988, Le Chevalet tombé et l’Objet (avec faille), représentent un changement majeur dans l’approche de Baldessari à la présentation, permettant une relation plus complexe entre ses images trouvées. Dans les deux tirages, Baldessari contraste habilement des photographies sans rapport pour suggérer un courant de fond mystérieux et / ou inquiétant. Dans les années 1990, Baldessari a commencé à travailler avec l’atelier Mixografia pour créer des impressions tridimensionnelles en utilisant leur processus unique d’impression à partir de moules métalliques. L’intérêt de Baldessari pour la dimensionnalité s’est étendu aux éditions récentes de Gemini G.E.L., y compris la série Person with Guitar (2005) et la série imprimée Noses & Ears, Etc. (2006-2007) dans lequel des images sérigraphiées sont construites en trois couches sur sintra avec une peinture à la main. Une publication de Gemini en 2007 est God Nose, une pièce en fonte d’aluminium conçue pour être suspendue au plafond. Baldessari a également contribué au portfolio Artists for Obama de 2008, un ensemble d’estampes en édition limitée à 150 exemplaires publié par Gemini G.E.L..
Performance et film
Conçue à l’origine en 1970, La Proposition non réalisée de Pièce de Cadavre devait permettre aux visiteurs de regarder à travers un trou d’observation et de voir un corps masculin mort disposé les pieds vers eux dans une vitrine climatisée, conçue pour ressembler au tableau d’Andrea Mantegna, La Lamentation sur le Christ mort (1480). Hans Ulrich Obrist, codirecteur de la Serpentine Gallery de Londres et Klaus Biesenbach, directeur du MoMA PS1, ont tenté pour la première fois de réaliser l’idée de Baldessari en 2011 et les documents résultant de tentatives infructueuses pour se procurer un cadavre masculin volontaire ont été exposés dans l’exposition « 11 Rooms » au Festival international de Manchester.
Le film Police Drawing de Baldessari documente une performance de 1971, Police Drawing Project. Dans cette pièce, l’artiste est entré dans une classe d’étudiants en art qui ne l’avaient jamais vu, a installé une caméra vidéo pour documenter les débats et a quitté la pièce. Par la suite, un artiste de la police est entré et, sur la base du témoignage des étudiants, a esquissé une ressemblance de l’artiste. Dans la vidéo en noir et blanc I Am Making Art (1971), Baldessari se tient face à la caméra; pendant près de 20 minutes, il frappe puis tient diverses poses – croisant ses bras sur sa poitrine ou balançant un bras d’un côté ou pointant directement vers l’objectif, par exemple – et à chaque nouveau geste, il déclare: » Je fais de l’art. » Dans un hommage rendu en 1972 à son compatriote Sol LeWitt, Baldessari a chanté des lignes des trente-cinq déclarations de LeWitt sur l’art conceptuel sur l’air de chansons populaires. D’autres films incluent l’enseignement de l’Alphabet à une plante et les vidéos d’inventaire, également de 1972.
Un riff sur sa vidéo couleur de 1977 Six Colourful Inside Jobs, dans Thirteen Colorful Inside Jobs (2013) une pièce est repeinte chaque jour par un artiste d’une couleur différente pendant toute la durée de l’exposition, en suivant attentivement les instructions de l’artiste.
Sculpturemodifier
Baldessari a créé sa toute première sculpture, l’Opus Trompette (avec oreille) de Beethoven # 127, 130, 131, 132, 133, 135 (2007), une série de 6 composants en résine, fibre de verre, bronze, aluminium et électronique sous la forme d’une gigantesque trompette en bronze s’étendant sur une oreille surdimensionnée sculptée sur le mur. La sculpture a été réalisée avec Beyer Projects. Lorsque le spectateur parle dans la trompette, les sons provoquent un court récital d’une phrase d’un quatuor à cordes de Beethoven. Baldessari a ensuite créé des œuvres sculpturales qui incorporent souvent de la résine, du bronze et de l’acier, comme la carotte d’environ 2,4 m (Fake Carrot, 2016) et une figure de bronze allongée piégée portant un tonneau en bois en clin d’œil à Giacometti (Variation Giacometti, 2018).