Fine Art Photography

Una versione precedente di questo articolo è stata pubblicata per la prima volta nel 2015. È stato aggiornato.

Il mercato della fotografia d’arte ha il suo vocabolario e i suoi metodi per valutare valore e prezzo. I fotografi che vogliono vendere le loro stampe d’arte a collezionisti o musei devono prendere decisioni su come valutare il loro lavoro, quali dimensioni dovrebbero essere le loro edizioni limitate, come commercializzare il loro lavoro e come gestire il loro inventario mentre fanno vendite. Hanno anche bisogno di capire come il mercato e l’attività di gestione di una galleria sta cambiando di fronte alla pressione economica e ai cambiamenti tecnologici che forniscono nuovi modi per i collezionisti di scoprire e acquistare la fotografia d’arte.

Per capire meglio il funzionamento del mercato delle belle arti di oggi, PDN ha intervistato numerosi direttori di gallerie, rivenditori privati e collezionisti, e ha anche parlato con fotografi che sono riusciti a costruire carriere di successo facendo arte e vendendo stampe sia da soli che attraverso le gallerie. I loro consigli ed esperienze, raccolte da articoli negli archivi di PDN, forniscono una guida per i fotografi che vogliono commercializzare le loro stampe d’arte e far progredire la loro carriera come artisti.

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Una guida ai prezzi delle tue stampe
I galleristi sono d’accordo: puoi sempre aumentare i prezzi, ma non puoi mai abbassarli. Oltre a valutare il loro lavoro troppo in alto prima di essere stabiliti, gli artisti emergenti commettono l’errore di pubblicare edizioni troppo grandi. Mantenere le edizioni piccole-idealmente sei stampe o meno, dice-è sempre più importante, poiché più collezionisti d’arte contemporanea abituati a investire in dipinti unici iniziano a collezionare fotografie. “Chiedo agli artisti di pubblicare un’edizione da tre a cinque”, dice il gallerista di New York Andrea Meislin.

Aumentare i prezzi dipende da molti fattori, dicono i galleristi, tra cui non solo quanto bene le stampe hanno venduto, ma chi li ha acquistati.

Cosa significa veramente “Limited Edition”?
Venti anni fa, un’edizione di meno di 20 stampe era rara; ora le gallerie raramente vendono opere di un fotografo che stampa in edizioni di più di dieci. I collezionisti si aspettano che le stampe fotografiche che acquisiscono rimangano scarse in modo da mantenere il loro valore. Ma molti fotografi hanno pubblicato nuove edizioni in un secondo momento in dimensioni più grandi, o utilizzando diversi processi di stampa, o entrambi: a volte è per motivi creativi, ma spesso è per incassare il valore crescente di un’opera per la quale le stampe in edizione limitata esistenti sono esaurite. New York, California e altri stati hanno statuti che definiscono una “edizione limitata” e limitano ciò che un fotografo può fare per capitalizzare su una singola immagine. Il commerciante di fotografia Alex Novak, con sede a Philadelphia, per esempio, non usa mezzi termini. “Che sia illegale o meno, non è etico” pubblicare nuove edizioni che i precedenti acquirenti non avevano alcun avvertimento, dice. “Fa male alle persone a cui hai venduto in precedenza.”E i fotografi si feriscono diluendo il valore di mercato del loro lavoro e il loro nome.

Gestione dell’inventario delle stampe in edizione limitata
Limitando le edizioni, gli artisti limitano anche l’inventario che possono vendere. Quando l’ultima stampa di un’edizione vende,” Non puoi semplicemente stamparne una per i posteri”, dice il rivenditore privato Lee Marks di Lee Marks Fine Art. Se vendere o risparmiare per il futuro – quando potresti aver bisogno di equità, o darlo a un’istituzione o erede—è una decisione altamente personale che ogni fotografo PDN intervistato considera in modo diverso, a seconda della loro carriera, delle loro prospettive e della loro visione della loro eredità.

La gestione del tuo inventario dipende anche da un’accurata tenuta dei registri. Ciò è particolarmente importante per i rivenditori che utilizzano prezzi a gradini: in un’edizione di dieci, ad esempio, le stampe da 1 a 3 vendono al prezzo più basso e i numeri da 4 a 6 costano di più, fino all’ultima stampa. Tenere un registro accurato su quante stampe hanno venduto, dato via o prestato per una mostra è essenziale per ogni fotografo per evitare errori di prezzo, come vendere la quarta stampa al prezzo della terza stampa. “Se qualcuno chiama e dice:’ Mi piace questa immagine. Dov’è nell’edizione?”lo sappiamo”, dice Michael Foley della Foley Gallery.

Cosa aspettarsi dal rapporto Fotografo/Galleria
Chi paga per la produzione, la promozione, la spedizione? Cosa significa esattamente” esclusività “o” spedizione”? “Un documento scritto è essenziale”, insiste la nota consulente fotografica Mary Virginia Swanson, autrice di Finding Your Audience: A Guide to Marketing Your Photographs. “Molte gallerie non ne usano uno, quindi gli artisti devono sedersi con un rivenditore se non forniscono un contratto per discutere quali sono le aspettative.”

Rivenditori, fotografi e galleristi discutono alcuni dei termini da negoziare e spiegano dove si verificano comunemente incomprensioni.

Cosa (e come) i collezionisti acquistano ora
Nell’articolo di PDN del 2011 “What Collectors Want”, gli appassionati collezionisti di foto hanno spiegato quanto siano influenzati dalle dimensioni dell’edizione, dal prezzo e dalla reputazione della galleria dell’artista.

Entro il 2018, il numero di modi in cui i collezionisti trovavano artisti e acquistavano stampe era aumentato. PDN ha intervistato cinque collezionisti: Hanno incluso un nuovo arrivato che si stava educando sul mercato della fotografia, un collezionista che ha accumulato una grande collezione di immagini in un genere, un rivenditore di lunga data che acquista stampe per se stesso “ovunque e ovunque” e un collezionista occasionale che dice che lei e suo marito acquistano una foto che ammirano se “ci piacerebbe vederla ogni giorno.”

Quei collezionisti hanno dichiarato di aver trovato l’arte che hanno acquistato attraverso aste di beneficenza online per organizzazioni non profit e artistiche, eBay, gallerie che visitano regolarmente, spazi artistici senza scopo di lucro e pubblicazioni e blog come Photograph e the Washington Post In Sight blog.

Almeno uno ha detto che trova le dichiarazioni dell’artista “scoraggianti”, ma apprezza l’opportunità di incontrare i fotografi e conoscere il loro processo e le loro influenze. Quando la fotografa Sarah Christianson di San Francisco ha detto a un collezionista che il suo acquisto di stampe le ha permesso di continuare il suo progetto, “La lampadina più piccola si è spenta”, dice il collezionista. “Mi ha trasformato in questa fase del mio collezionismo in cui sento che vale la pena sostenere gli artisti.”

Un altro collezionista ha acquistato opere di giovani artisti. Alcuni, come Alex Prager, Sam Falls e Matthew Pillsbury, “hanno finito per diventare ben noti”, dice. Aggiunge: “È divertente investire in loro perché questi artisti, in particolare i giovani, hanno difficoltà a guadagnarsi da vivere.”

Come vendere il tuo lavoro senza una galleria
I fotografi che scelgono di vendere stampe da soli adottano una varietà di approcci, dalla vendita di piccole edizioni aperte a prezzi bassi per attirare un alto volume di acquirenti, alla vendita di edizioni limitate a prezzi a livello di galleria. Ma qualunque siano i metodi che scelgono, devono stabilire modi per monitorare la qualità di stampa, gestire i pagamenti e gestire la spedizione. Non c’è modo di semplificare il servizio clienti. Helen Jones-Florio, che ha lanciato una galleria online per mostrare il lavoro di Jason Florio e altri fotografi, dice che mentre gli acquirenti possono visualizzare le stampe e ottenere un listino prezzi online, si aspettano ancora un servizio personale. Apre un dialogo e aiuta a mettere la loro mente a proprio agio”, dice.

L’imballaggio e la spedizione delle stampe è “un sacco di lavoro, a meno che tu non abbia un manager di studio a tempo pieno e uno o due stagisti”, afferma Ryan Pfluer. Molti fotografi preferiscono lasciare quel lavoro di routine al laboratorio che gestisce anche la loro stampa. La fotografa Sara Macel se ne occupa da sola. Dice ai suoi acquirenti che una volta ricevuto il pagamento tramite PayPal o una transazione con carta di credito, la spedizione può richiedere circa due settimane e costa tra $100 e $150, a seconda delle dimensioni della stampa. “Cerco di aggiungere tocchi personali per mostrare che viene direttamente da me, non dalla stampante”, dice. Durante le vacanze, invia ai suoi collezionisti una nota e una piccola stampa. “È un modo per rimanere in contatto e inviare loro una bella nota, ma anche ricordare loro che potrei avere più cose che possono comprare.”

13 Consigli per costruire la tua rete di Belle Arti
Una parte importante del lavoro come artista è stabilire relazioni con persone che daranno consigli onesti e critiche, fare presentazioni, sostenere e sostenere il proprio lavoro e offrire amicizia e un senso di comunità. Queste persone possono essere artisti anziani, coetanei, curatori, galleristi, mecenati o altri che hanno un interesse per l’arte e la sua promozione. “Il mondo dell’arte è più sociale di ogni altra cosa”, dice Daniel Shea. “È un mondo che esiste politicamente attorno alle relazioni interpersonali, nel bene e nel male.”

I fotografi che hanno lavorato per altri artisti o hanno formato gruppi crit con colleghi hanno dichiarato di aver beneficiato dei consigli e delle informazioni condivise. Altri hanno richiesto e atterrato residenze di artisti dove potevano incontrare altri artisti, o hanno cercato mentori raggiungendo gli artisti che ammiravano. All’inizio della sua carriera, Shea ha contattato Brian Ulrich per un consiglio. Shea ricorda: “Penso che potesse dire che ero veramente affamato e desideroso di imparare, e che ho preso quello che ho fatto estremamente sul serio e ho davvero rispettato quello che ha fatto.”
Anche se non è realistico per la maggior parte degli artisti aspettarsi di lavorare con importanti curatori, gallerie o istituzioni all’inizio della loro carriera, i fotografi che hanno stretto legami con giovani curatori e assistenti di galleria hanno stretto lunghe relazioni. Christopher Churchill ricorda alcuni consigli che ha ricevuto da un direttore di galleria: “Devi incontrare i curatori che hanno la tua età, che si sono impegnati ad esso e stanno per essere in movimento attraverso le loro carriere come si sta muovendo attraverso la tua carriera.”Per trovare queste persone, Ulrich dice,” mostra il lavoro a tutti.”Questo è il consiglio che ha ricevuto da un direttore di galleria, e “ha alleviato molta pressione di quegli incontri”, incoraggiandolo a contattare le persone “solo per incontrarsi, salutare e ascoltare i loro pensieri sul lavoro.”

Come mettere insieme una presentazione Standout per premi e recensioni Juried
Concorsi Juried, mostre e recensioni di portafoglio offrono agli artisti la possibilità di presentare il loro lavoro a curatori, editori ed editori, e per ottenere un piede nella porta con gallerie, musei e organizzazioni artistiche senza scopo di lucro che non accettano candidature indesiderate. I direttori delle organizzazioni non profit raccomandano di ricercare ciò che la galleria o il concorso hanno onorato prima e di sapere cosa hanno fatto altri fotografi sull’argomento che stai affrontando. Laura Pressley del CENTER dice che i giurati cercano immagini che raccontano” una storia in un modo nuovo e fantasioso”, quindi consiglia ai fotografi di entrare in un lavoro tempestivo e rischioso.

Un fotografo deve assicurarsi che la loro presentazione digitale sia una buona rappresentazione del proprio lavoro. Sarah Stolfa del PPAC di Philadelphia dice che i giurati notano una buona sequenza di immagini: “Questo aiuta a comunicare l’intenzionalità dell’artista.”(Per ulteriori informazioni su questo argomento, leggi la nostra intervista con un direttore di galleria senza scopo di lucro su come i fotografi dovrebbero seguire dopo una revisione del portfolio)

Le gallerie di mattoni e malta hanno un futuro?
Nel 2017, il mercante d’arte e consulente Sasha Wolf e il gallerista Michael Foley si sono seduti per una conversazione sul modello di business della galleria di mattoni e malta e sui nuovi modi in cui i potenziali acquirenti stanno trovando artisti. La loro conversazione, che ha avuto luogo pochi mesi dopo che Wolf ha chiuso la sua galleria dopo dieci anni e ha iniziato a vendere arte privatamente, è stata moderata dal gallerista David Dixon e organizzata da Stropheus, un collettivo di professionisti del diritto dell’arte e del business specializzato nel servire la comunità artistica.
Wolf ha citato una serie di ragioni per rinunciare al suo spazio.

“Una delle cose che mi ha spinto a rinunciare al mio spazio pubblico è che la stragrande maggioranza delle mie vendite stava andando a persone che non stavano entrando” per visitare lo spazio della galleria, dice Wolf. “Le ultime sei o sette vendite che ho fatto erano a persone che non ho mai incontrato.”A quel tempo, dice, il suo sovraccarico per uno spazio a Manhattan era” davvero pazzo.”Un altro fattore, ha detto, erano le aspettative dei suoi artisti che dovevano fare uno spettacolo ogni due anni perché questa è” la norma del settore.”Spiega,” Non importa quante volte ho continuato a dire ai miei artisti di rilassarsi e che questo era solo un falso paradigma, non potevano davvero allontanarsi da esso perché è il modo in cui funziona l’industria. Ha iniziato a non sentirsi bene, come se stessi mettendo su troppi spettacoli che non erano completamente cotti.”

Foley, la cui galleria si trova nel Lower East Side di Manhattan, ha dichiarato che una mostra era l’unico posto in cui un collezionista poteva vedere nuovi lavori”, non attraverso Instagram, non attraverso Facebook, non attraverso questo post e quel post.”Osserva,” Penso che un artista debba stare attento a ciò che rilascia e quando lo rilascia.”

Foley nota anche che le fiere d’arte e i mercati online sono ora più comuni. “Dobbiamo cercare di capire tutti questi diversi modi in cui le persone stanno vivendo e comprando arte e interagendo con essa, e capire cosa è meglio e quanto delle mie risorse devono andare in ciascuno e quale si sta rivelando il maggior successo. In questo momento sembra che tutti si verificano contemporaneamente, ma la domanda è, cinque o dieci anni lungo la strada, che cosa sta per salire verso l’alto?”

Il crescente mercato dei video d’arte
Gli sviluppi tecnologici stanno aiutando i collezionisti a sentirsi a proprio agio con l’idea di acquistare opere d’arte basate su video. L’acquisto di opere video non significa più impegnarsi nell’installazione di un televisore ingombrante o trovare lo spazio per un proiettore; video arte e multimedia possono ora essere visualizzati senza soluzione di continuità su monitor sottili appesi in modo pulito a una parete. I fotografi-turn-video artisti PDN intervistati spiegano che i collezionisti di lavoro video ora includono individui, così come le grandi istituzioni.

Rappresentare video artisti come Gregory Scott ha “completamente ampliato il nostro mercato”, afferma Catherine Edelman che possiede una galleria nota per la vendita di fotografia. Questi collezionisti sono principalmente collezionisti di arte contemporanea. “C’è qualcosa nel video che è così accessibile oggi”, aggiunge Edelman. “Stiamo tutti cercando quella persona che fa andare il nostro cuore, ed è l’unica strada che sto sicuramente cercando.”

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