Metropolitan Opera 2018-19 Recensione: Tosca

“Tosca” di Puccini ha ricevuto la sua 966a performance al Metropolitan Opera il Giovedi, ottobre. 25.

Il lavoro ha caratterizzato il secondo revival della produzione di David McVicar dalla scorsa stagione, con alcune distinzioni uniche. Come notato nella recensione dello scorso anno di questa produzione, questa versione del successo dell’opera vivrà o morirà in base al fatto che gli artisti portino una forte prospettiva all’opera e la facciano propria.

Fortunatamente per il Met e la compagnia, hanno portato l’artista giusto per assumere il personaggio principale.

Vera Diva

Sondra Radvanovsky è come un buon vino. Sembra solo migliorare sempre di più con il tempo, il suo canto più potente e sicuro, le sue caratterizzazioni più complesse e affascinanti. Non si limita a cantare e recitare, fa entrambe le cose allo stesso tempo, agendo attraverso il suo canto e cantando attraverso la sua recitazione.

E come diva più iconica di Puccini, era ad un livello che pochi altri oggi riescono ad ottenere.

Mentre abbelliva il palco (fortunatamente indossando lo stesso abito che Anna Netrebko indossava invece del vestito bianco dall’aspetto del pigiama con cui McVicar ha fatto entrare Sonya Yoncheva), è stata accolta da un applauso. Aveva guadagnato che da prima quando le sue grida di ” Mario! Mario ” offstage riempito la sala con il suono luscious. In tutto quel duetto di apertura, abbiamo avuto il senso di Tosca come una donna più giovane, con una tremenda instabilità emotiva. In un momento flirtava giovialmente con Cavaradossi, Radvanovsky trasformava l’alto si bemolle su “salir le voci delle cose” nell’apice di una risatina. In un altro punto, lo ammonì con consonanti più aggressive e tono potente mentre vedeva il dipinto. Ma il suo suono ha mantenuto una freschezza e consistenza che sarebbe diventata una pietra di paragone di tutta la sua serata.

Un’area in cui molti soprani vacillano in questo ruolo è nelle note inferiori che permeano gran parte della musica nel secondo atto. Ma il nucleo della voce di Radvanovsky conserva pienezza e versatilità nell’area inferiore, senza mai sentirsi forzato o spinto. Di conseguenza, un brano come ” son io che così torturare! Torturate l’anima sì, l’anima mi torturate,” con la linea vocale che scende da una naturale A una naturale appena sopra il Do medio, ha mantenuto risonanza e chiarezza nella voce del soprano. Poteva modellare la discesa con intensità, senza mai suonare come se stesse ansimando per l’aria mentre osservava il rallentando molto e diminuendo. In altri momenti, i soprani tendono a parlare il testo perché rende più facile che cantarlo così in basso; Radvanovsky raramente ha fatto ricorso a questa misura e ne è uscito meglio.

Ha fatto sembrare tutto facile, nessuna nota troppo impegnativa o fuori dalla sua portata, sempre al servizio del momento drammatico. Ad esempio, dopo che Cavaradossi è stato costretto a uscire per le sue grida di “Vittoria”, Tosca ha il compito di un epico do alto naturale, che è solo una nota tratteggiata di un quarto di lunghezza nella partitura. Ma Radvanovsky lo tenne per tutta la lunghezza della misura a quattro battute e il direttore d’orchestra Carlo Rizzi sembrò espandere il tempo così leggermente da consentire alla nota un maggiore spazio e tempo. Era uno dei punti salienti viscerali del secondo atto di Radvanovsky, che si presentava come IL grido di disperazione e sofferenza dopo tante torture (questo era probabilmente il quarto o il quinto do alto che doveva cantare fino a questo punto e tutti suonavano perfetti). Si poteva sentire come questa donna stava per implodere e crack sotto pressione, lei non riusciva a gestire più.

Ha vissuto la scena della tortura come devo ancora vedere molti viverla. Sembrava intenzionata a resistere a Scarpia all’inizio, ma mentre la scena si dipanava, anche lei. La Tosca di Radvanovsky ripetuta stava dietro la scrivania di Scarpia come se fosse un confine protettivo da lui e tentava di scappare dalla sua persecuzione per la stanza. Quando finalmente ha preso il controllo di lei, il soprano sembrava completamente sopraffatto. Ha cercato di liberarsi da lui, ma ogni volta continuava a perdere sempre più controllo, il suo canto si trasforma in grida di aiuto; si poteva quasi sentire i suoi brividi di paura nella sua voce. Era reale.

Così, quando finalmente ha ottenuto la sua vendetta (Radvanovsky ci ha dato ogni singolo battito della decisione di ucciderlo magistralmente), c’era un vero senso di catarsi, le sue grida di “Muori” crescevano e crescevano di intensità. Come ulteriore direzione, la mano di Scarpia sembrava afferrare saldamente la sua nei suoi ultimi momenti. Mentre cercava di combattere liberamente, gridò le tre ripetizioni di “Muori”, dando al testo un significato e un conflitto aggiunti.

(Come nota a margine, Radvanovsky ha finalmente apportato una modifica alle indicazioni che McVicar aveva originariamente dato di avere Tosca “sussurrare” dall’altra parte della stanza a Mario per chiedere il permesso di parlare. Sia Yoncheva che Netrebko hanno osservato questo (non ho visto l’interpretazione di Rowley), ma Radvanovsky corre effettivamente verso la porta per cercare di salvare il suo uomo, solo per essere fermato sulle sue tracce.)

“Vissi d’arte” era su un altro piano espressivo, il legato nella voce di Radvanovsky semplicemente sublime, in particolare nella messa di voce su “morti fiori agl’altar.”Potevi sentire lo slancio e costruire verso il Si bemolle culminante su “perché Signor”, il soprano che sosteneva il si bemolle nel si bemolle che seguì prima che un glorioso portamento ci portasse al Sol naturale che ne seguì; questa intera frase urlava con incredibile dolore. E per finire, il soprano ha concluso l’aria con un silenzioso “perché me ne rimuneri così”, il mi bemolle finale che è arrivato con un crescendo che ha finito per esplodere in sala tra gli applausi esplosivi. In tutto, si poteva percepire la sofferenza combinata con il desiderio e un senso generale di impotenza che si adattano perfettamente a come Radvanovsky ha modellato il personaggio durante l’atto.

Quando arrivò il terzo atto, tutto quello che volevi era sentirla cantare, poiché ogni volta che apriva la bocca la sua voce fioriva magnificamente; c’era luminosità e speranza che apparentemente si erano dissipate durante il secondo atto. Qui Tosca sembrava aver vinto ed era già pronta a godersi ciò che è venuto dopo nella sua vita. Al termine del duetto, Tosca canta” Gli occhi ti chiuderò con mille baci e mille ti dirò nomi d’amor”; il canto di Radvanovsky qui è assolutamente delicato e tenero, il fraseggio pianissimo ci trascina in un momento veramente intimo, quasi come un primo piano estremo in un film.

Quindi sì, Radvanovsky è stato a dir poco brillante la sera in quello che deve essere uno dei suoi momenti migliori sul palco del Metropolitan Opera.

Bellezza senza passione

Ma ci sono anche due uomini nell’opera che tirano il soprano titolare in una serie di direzioni. Come l’eroico Mario Cavaradossi era il tenore Joseph Calleja, che si dimostrò piuttosto frustrante nel complesso.

Ha mostrato una meravigliosa chimica sul palco con Radvanovsky per tutta la serata e hai davvero creduto che fossero appassionatamente innamorati l’uno dell’altro. Il flirt in tutto l “atto un duetto ti ha fatto sorridere e il loro incontro nel terzo atto era peluche con la stessa sensibilità l “uno all” altro. Nel momento in cui la vide nel suo primo ingresso dell’atto finale, il suo intero essere si spostò da uno di sconfitta a un improvviso senso di gioia, il corpo di Calleja si trasformò da zoppicante a sospeso ed eccitato. Mentre si preparava a incontrare il suo destino, ha scherzato e flirtato con lei fino alla fine; ancora una volta, non si poteva fare a meno di sorridere alle loro interazioni in questo momento profondamente buio. Era un’espressione di come l’amore può veramente sollevare in qualsiasi circostanza. Ma poi questo dolce momento si trasformò in uno di più grande crepacuore, mentre il Cavaradossi di Calleja, improvvisamente rendendosi conto di ciò che stava per accadere, la abbracciò con tutte le forze che poteva radunare. E proprio da questo momento, abbiamo vissuto un oceano di emozioni che purtroppo era altrimenti assente nel canto del tenore.

Il tenore ha un timbro gloriosamente ricco, frasi con ampio legato, e ha grande sicurezza tecnica in tutto il suo registro. È uno strumento eccellente.

Ma per qualsiasi motivo, non contiene molto di un pugno emotivo, con la produzione musicale di Calleja piuttosto quadrata e diretta. Ha cantato magnificamente, ma è stato difficile trovare davvero un altro modo per descrivere la sua vocalizzazione complessiva. Sembra quasi che per lui per sostenere il suo suono piacevole e legato, deve giocare sul sicuro. Forse è una funzione del ruolo di essere sul lato pesante per il suo tenore lirico (preferirei sentirlo usare la sua voce per il bel canto più leggero) o un esempio di un cantante che cresce in un ruolo. Ma è stato evidente per tutta la notte.

Puoi cavartela solo con la luminosità in “Recondita Armonia”, e il suono più delicato di Calleja si adatta alle sezioni più morbide dell’aria. Ma al culmine, Puccini chiede forte e Calleja non ha davvero superare la marcatura dinamica che aveva impiegato prima.

Abbiamo visto gran parte dello stesso nel duetto, anche se ha fatto impiegare un pianissimo dolce su Una naturale appoggiatura come ha cantato ” T’amo! Ti dirò, ” dare maggiore intimità al momento.

Nel secondo atto, ha avuto un attacco più acuto alle frasi conversazionali mentre affrontava Scarpia. Ma qui, non sembrava esserci alcuna costruzione in alcuna direzione per Cavaradossi in termini di situazione. Dopo un pulsante acuto su “Vittoria”, le ripetizioni della parola” Carnefice ” sono state tutte consegnate con gli stessi accenti e fraseggi e nessun senso di crescita nella frustrazione o nella rabbia. Non che sia necessario, ma la mancanza di qualsiasi direzione ha reso il momento piatto. Lo stesso si potrebbe dire per “M’hai tradito”, che Puccini ha segnato come Allegro Violento, ma era tutt’altro che aggressivo nella sua interpretazione.

“E lucevan le stele” è il momento di riferimento per qualsiasi tenore in questa opera. Ancora una volta, Calleja suonava meraviglioso in tutto. A differenza della maggior parte dei tenori, che fanno un ritardanto su ” Oh! Dolci baci, o languide carezze, ” Calleja ha effettivamente osservato l’intenzione originale di Puccini e non ne ha fatto uno; forse non è così eccitante musicalmente, ma rende anche il successivo, “Mentr’io fremente le belle forme disciogliea dai veli” più emotivamente avvincente. Con quest’ultima frase, Calleja fece un sublime diminuendo, la sua voce ma un delicato sussurro mentre giungeva alla fine della frase. Era il momento clou.

Da qui l’aria è costruire alla disperazione pura come Cavaradossi nota ” Muio disperso!”Ma ancora una volta, Calleja non sembrava mai trovare un’altra tacca in questa sezione e l’aria, pur terminando con una splendida qualità del suono, non è mai decollata emotivamente. Mancava la disperazione. Il senso di perdita e sconfitta nella musica e nel testo non era presente.

Era emblematico della performance nel suo complesso.

Lost In The Thick of Things

Come Scarpia, Zeljko Lucic ha avuto anche una serata mista. Non avrebbe dovuto cantare il ruolo in origine, ma entrò nella performance di apertura quando Wolfgang Koch uscì. Lucic sta finendo una fantastica esecuzione di” La Fanciulla del West ” in cui ha interpretato un complesso Jack Rance. Ma per qualsiasi motivo, Scarpia non gli sta bene. Ha innegabilmente fatto passi da gigante dalla sua performance la scorsa stagione nel ruolo, ma molti dei problemi di quella corsa rimangono.

È più bravo a ritrarre la natura furba di Scarpia nei suoi momenti più tranquilli, come quando scopre il ventaglio, dando il senso di una mente oscura e metodica al lavoro.

E la sua presenza fisica nel suo complesso era molto più sfumata e potente, in particolare nel secondo atto incontro con Tosca. Incombeva su Radvanovsky come un predatore dopo la sua preda, lentamente guadagnando il controllo di lei in curva e poi afferrando la diva. Non era così aggressivo come la sua interpretazione di Rance nel secondo atto di” La Fanciulla”, ma era certamente terrificante, se non di più. A un certo punto, si siede accanto a Tosca per darle un’altra possibilità di salvare Mario. Lucic scivolò il più vicino possibile a Radvanovsky e le mise la faccia accanto all’orecchio, sussurrando ” Ebbene?”in un modo di fare rizzare i capelli che la rendeva ancora più scomoda.

Ma nonostante la sua forte presenza scenica, il suo suono non riesce proprio a trovare un modo per attraversare la potenza dell’orchestra di Puccini e ci sono state molte volte in cui è stato semplicemente spazzato via dalle trame più spesse di Carlo Rizzi e della Metropolitan Opera Orchestra. Per compensare, spesso spingeva fuori i suoni il più possibile, creando una qualità vocale pizzicata. A volte ha funzionato, come le sue grida per Sciarrone di continuare a torturare Cavaradossi. Ma non ha funzionato al culmine dell’aria “Debbo trader, ne voglio altra mercede” con il mi bemolle e il sol bemolle che suonano aspri e privi di chiarezza. Né funzionò durante il “Te Deum”, dove fu sepolto dall’organo e dall’orchestra e i suoi tentativi di spingere la sua voce sull’ensemble fecero sembrare che stesse gridando aiuto più che proclamando il suo potere e la sua potenza.

Una performance professionale

Nella fossa, Carlo Rizzi e l’orchestra hanno messo in una performance piuttosto professionale nel complesso. Le note sembravano tutte al posto giusto, anche se sembravano esserci alcuni problemi di equilibrio con i cantanti, l’orchestra a volte lavava via i loro suoni. Ma altrimenti, si potrebbe descrivere la performance dell’orchestra come quella di un camaleonte. L’orchestra era presente, ma si ritirò in secondo piano, sembrando più un passeggero nella performance, piuttosto che un commentatore attivo sul dramma. E ‘ stato solido, anche se nessun momento saltato fuori come particolarmente capelli-raising. Sembrava più come l ” intento era quello di servire i cantanti nel miglior modo possibile.

Radvanovsky ha ancora un certo numero di spettacoli e lei sola è il prezzo del biglietto. È solo su un altro livello e dovrebbe essere interessante vedere come fa con “Aida” più avanti in questa stagione.