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Emotionalist Preamble

Come direttore di coro, la maggior parte della mia esperienza è con ensemble giovanili e amatoriali. Quindi, di solito mi occupo di un diverso insieme di preoccupazioni e priorità rispetto a molti lettori di NMBx.

La prima cosa da sapere sui cori al di sotto del livello professionale è che, nella mia ferma convinzione, siamo in esso per la comunità soprattutto. C’è orgoglio anche nell’esecuzione tecnica, ovviamente! Ma molto di più, si tratta di trasmettere emozioni, e sperimentare la stessa emozione, e quindi creare e mantenere i legami della comunità tra loro e con un pubblico.

Inoltre, è abbastanza comune incontrare cantanti corali esperti che hanno una limitata capacità di lettura a vista, che si basano invece su un’abilità finemente sviluppata nel trattenere e ripetere le melodie che ascoltano. La notazione diventa quindi, come era nell’Europa medievale, più un aiuto alla memoria che un insieme di istruzioni esplicite.

Un facsimile del manoscritto per ‘Iubilate deo universa terra’ che mostra una serie di neumi cheironomic inauditi aggiunti ai versi del salmo. (Immagine di pubblico dominio.)

La gioia è che porta l’esperienza della musica comunitaria alla portata di una popolazione molto numerosa. La sfida è che il regista è molto spesso, per necessità, un insegnante. Quindi, per i cori amatoriali, non c’è alcuna garanzia che i cantanti avranno la consapevolezza di tutto il punteggio che è un segno distintivo degli ensemble d’élite; e per molti, c’è fondamentalmente una garanzia che non lo faranno!

Perché mai qualcuno dovrebbe cercare di portare musica microtonale in questo ecosistema? Bene, per prima cosa, aiuterà a affinare la consapevolezza intonazionale di tutti-che può essere gravemente necessaria. Ma, alle sue condizioni: ci sono nuovi mondi di emozione da esplorare che non sono disponibili con 12 toni uguali da solo!

Tuttavia, un regista in questa circostanza ha bisogno di vendere il pezzo in questione a un ensemble forse scettico. Usa il tuo entusiasmo sconfinato per sostenere le tecniche metodiche di seguito. Se piaci ai cantanti, gli daranno una possibilità.

Con tutti gli avvertimenti fuori strada, quindi, passiamo al lato tecnico.

Il lato tecnico

Per l’insegnamento di passaggi microtonali, sostengo un approccio “bimodale, basato su target”. Ho scelto questo nome perché avevo bisogno di un titolo che fosse accurato e impressionante per una proposta di carta. (Ha funzionato.) Ma ecco cosa intendo:

Bimodale-Che richiede una consapevolezza integrata sia degli aspetti orizzontali che verticali di ogni cambio di passo. Cioè, bisogna tenere a mente il rapporto di un nuovo passo con il passo che ha appena lasciato, e anche il suo contesto all’interno della sonorità in cui arriva. Questi sono spesso indipendenti.

Target-based-Basandosi su anticipare il familiare, sia melodico o armonico, o addirittura entrambi. Quando questo è fatto, le cose che intervengono possono più facilmente cadere a posto, anche a metà inconsciamente.

Queste due tattiche sono già necessarie per essere un buon musicista corale all’interno del repertorio standard, ma è importante renderle esplicite quando lavoriamo con la microtonalità. Un passo utile per usarli esplicitamente in pezzi microtonali è usarli esplicitamente per passaggi tonali impegnativi. Quindi, un regista potrebbe lavorare su queste tattiche durante il semestre immediatamente prima che un pezzo microtonale sia ancora in programma.

Un esempio tonale della strategia bimodale

Un passaggio illustrativo è in O Magnum Mysterium di Poulenc. Tra i molti problemi intonazionali in questo pezzo, considera il tritone nel tenore di apertura, alle 0: 08 e alcune volte dopo:

La maggior parte dei cantanti può estrarre un tritone, ma non è un intervallo affidabile. Non è raro avere bisogno di essere ricordato come suona, usando Maria o il tema dei Simpson come mnemonico. (Ecco un thread di commenti commovente dal video dei Simpson:)

Anche quando lo hanno in modo sicuro, ogni persona lo eseguirà in modo leggermente diverso, specialmente quando nessuno dei toni coinvolti agisce come un tono principale. Il pitch di gruppo risultante può essere sfocato. E, poiché è un intervallo orizzontale “dissonante”, c’è spesso l’aspettativa di una dissonanza dove atterra.

Quindi, lo canti lentamente, accorda quell’accordo su un tono lungo-e diventa evidente che il “Cb” è in realtà un B naturale, il terzo di sol maggiore!

I tenori stanno ora, idealmente, vivendo quel punto di difficoltà su due livelli. In un certo senso, stanno cantando un tritone dalla nota precedente. Ma in un altro senso, stanno occupando una “casa” molto chiara nell’armonia risultante, una casa che non ha nulla a che fare con la tritone-ish-ness.

Nella musica microtonale, è ancora più importante mantenere questi due livelli separati. Questo perché tale musica richiede inevitabilmente di cantare alcuni intervalli orizzontali non familiari-e l’istinto naturale dei cantanti sarà quello di atterrare su una verticalità altrettanto “sconosciuta”, cioè dissonante, e questo istinto probabilmente sarà sbagliato. Vedremo i frutti sfortunati di questo approccio in una performance del 1962 del Kyrie da Misa a San Juan XXIII di Julián Carrillo più avanti in questo articolo.

Una nota sugli obiettivi

Passiamo ora alla parte “target-based” dell’approccio. Nella musica microtonale, ad esempio, se il tuo coro ha bisogno di cantare una catena sconosciuta di piccoli intervalli, allora dai loro un’idea solida dell’intervallo che stanno comprendendo, e i toni intermedi possono quasi inconsciamente cadere in posizione. Possono essere raffinati in seguito, in un secondo passaggio.

Per rafforzare quanto questo possa sembrare facile quando modellato, ecco Jacob Collier che fa allegramente quel genere di cose a un terzo minore:

(La sua discussione completa di questo inizia davvero alle 10:12, ma dai, vai a guardare il tutto. Il ragazzo è così alla moda, è surreale.)

L’approccio basato sull’obiettivo non si limita a riempire melodicamente intervalli familiari. Su una scala più ampia, si tratta di fornire una serie di ancore concettuali in tutto un pezzo—dove i cantanti possono riguadagnare il loro piede, se capita di perderlo sulla strada. Questo può essere target intervalli melodici come sopra; ma anche target intervalli armonici per sintonizzarsi (ad esempio per ingressi), o accordi di destinazione.

La novità qui è che gli obiettivi non devono essere musicalmente prominenti all’interno del pezzo—possono verificarsi su battiti deboli, o in luoghi de-enfatizzati all’interno di una frase, ecc. Hanno solo bisogno di essere già familiari ai cantanti, che possono quindi usarli per ricalibrare. Ad esempio, una sonorità cadenziale esotica potrebbe essere l’obiettivo musicale, ma non ha bisogno di essere l’obiettivo concettuale—quel ruolo potrebbe essere una sonorità adiacente, meno importante, più familiare. Ecco un’istanza di questo in un pezzo che ho scritto (che sarà ospitato su NMBx dopo la sua premiere a gennaio 24):

Un estratto dalla partitura della composizione corale microtonale vokas animo di Robert Lopez-Hanshaw.

Questo va da un accordo Solo maggiore, a un 7: 9:11 nella serie armonica di B dodicesima bemolle (nella mia notazione 72edo preferita). Quest’ultimo è sorprendentemente facile da inchiodare, perché stai lasciando un posto molto familiare, ogni parte si muove fondamentalmente per un quarto di passo—una distanza che può essere facilmente praticata. Anche il tono comune aiuta.

Costruire l’impalcatura

L’altra cosa che dovrebbe guidare il tuo insegnamento microtonale è l’idea educativa dell’impalcatura, o la “zona dello sviluppo prossimale.”Tutto ciò significa che ogni nuovo concetto deve relazionarsi con concetti immediatamente adiacenti; e i concetti adiacenti danno origine a intuizioni a livello individuale.

Ad esempio: non impari a leggere da qualcuno che ti dice come leggere. Non c’è modo di farlo se non fare la connessione da soli tra le singole lettere-suoni e il modo in cui si combinano in parole. Il tuo insegnante di scuola elementare ha appena fornito le condizioni per fare quel salto, facendoti memorizzare i suoni delle lettere, quindi confrontandoti con combinazioni facilmente decodificate (e poi, non così facili).

Il principio qui è importante. Nonostante il fascino di un metodo di “forza bruta”, come imparare un pezzo a memoria da una registrazione sintetizzata (recentemente facile da produrre, grazie alla tecnologia!), quella tattica non avrà successo per la maggior parte delle persone—perché non hanno interiorizzato i mattoni per rendere i nuovi intervalli “bastone.”E molti potrebbero non essere disposti a fare quell’enorme salto tecnico in primo luogo; non è il motivo per cui sono in coro.

Quindi, abbiamo bisogno di guardare a come possiamo fornire l’impalcatura.

Abbiamo già trattato due cose importanti, che accadono nel canto corale normale, e possono essere applicate al canto microtonale. Quello che ora segue è un elenco di concetti aggiuntivi, ogni edificio sul precedente, e alcune risorse per padroneggiarli. Ci sono due percorsi, un percorso di Intonazione e un percorso di divisione uguale.

Just Intonation Path: Espressive Intonation

Ironicamente, questo percorso inizia con l’opposto di Just Intonation: “intonazione espressiva.”

Nientemeno che Ezra Sims, il grande esponente di 72edo, fu impostato sul percorso microtonale dal suo direttore corale universitario, Hugh Thomas. Thomas ha insistito sui suoi ensemble cantando toni molto alti quando si risolvono in tonici, e 4th molto bassi quando si risolvono in 3rds, tra le altre cose. Sotto tale influenza, dice Sims, ” si rischia di trovare sempre più difficile credere (non importa quanto gli strumenti a tastiera possono cercare di convincervi che è così) che c’è, per esempio, una cosa che è Sol-sharp, una frequenza che lo definisce per sempre e per sempre, Amen.”

L’intonazione espressiva, nella sua crudezza, è molto intuitiva. (Esagera la tendenza dei toni di tendenza!) Quindi, se può raggiungere l’obiettivo di eliminare i cantanti da un modo di pensare a passo fisso, allora leviga considerevolmente la via da seguire.

Actual Just Intonation

Fahad Siadat ha una serie di articoli, da continuare, sul sito della sua casa editrice, che introducono il tema della Just Intonation per cori. Alcune risorse più complete attualmente disponibili includono Harmonic Experience di W. A. Mathieu, che ho menzionato nell’ultimo articolo; e il Just Intonation Primer di David B. Doty, che è un po ‘ più diretto.

Un direttore di coro pratico può scegliere solo alcuni intervalli su cui lavorare. Le terze maggiori e le 7th armoniche sono utili per iniziare, perché sono facili da dimostrare. Portare in un violoncellista a suonare armoniche naturali e confrontarli con il pianoforte! Porta un quartetto di barbiere di alto livello per” suonare ” alcuni accordi! All’inizio, stai solo sviluppando l’idea che ci sono diversi “sapori” disponibili per un dato intervallo, ognuno con una funzione diversa.

Utilizzare ciò che è rilevante per il pezzo a portata di mano. Se il tuo coro aggiunge solo l’armonica 7th al loro vocabolario, allora è sufficiente per iniziare a lavorare su I’m Goin’ Away di Ben Johnston.

Quantificare i turni di virgola

Ross Duffin è ben noto per il suo libro su meantone e well temperaments, come il temperamento equabile ha rovinato l’armonia (e perché dovresti preoccuparti). Ma ha anche scritto una meravigliosa difesa e un metodo per la pratica dell’intonazione, che dipende dall’individuazione e dall’uso della virgola sintonica. Questo è un modo molto utile di pensare sistematicamente sulla messa a punto 3rds, 6ths e 7ths rispetto a 4ths e 5ths. È liberamente disponibile qui. Include anche esercizi per praticare tipiche situazioni di intonazione problematica che possono verificarsi.

L’Hilliard Ensemble e le Voci nordiche incorporano regolarmente questo sistema di base (diverso nei particolari) nella loro pratica. Se il tuo coro canta il contrappunto rinascimentale per un semestre, guardando l’intonazione attraverso questa lente, allora il semestre successivo potrebbe estendere ulteriormente la microtonalità:

Estesa Solo Intonazione

Ora entriamo nelle cose strane. È possibile, con molta ripetizione e un riferimento solido come una roccia, memorizzare e riprodurre intervalli dei toni più alti della serie armonica.

Un possibile riferimento è il canto armonico (Fahad Siadat, comunicazione personale), che—su un fondamentale basso—può produrre in modo affidabile armoniche almeno fino al 14, e forse anche oltre. Una tastiera digitale retuned è un’altra risorsa potenziale.

Ma c’è anche una notevole serie di esercizi disponibili: Andrew Heathwaite ha ideato un sistema per cantare attraverso ogni possibile intervallo che si verifica tra i membri di un dato gruppo di toni overtone-based, affascinante chiamato Singtervals. Altri hanno elaborato su questo. È sorprendentemente logico e intuitivo, utilizzando una leggera alterazione delle sillabe solfège.

Se un cantante dovesse rendere l’ascolto, la comprensione e il canto di questo tipo di matrice una parte della loro pratica quotidiana, sarebbe presto in grado di avvicinarsi a un pezzo rigorosamente sottotonale (o sottotonale) come Contrasten di Henk Badings senza molta sofferenza.

Percorso di quarto di tono: Tra i toni

Ricominciando all’inizio di un percorso diverso, possiamo usare la capacità delle persone di cantare toni uguali tra le altezze di un intervallo piccolo e familiare, per iniziare a sviluppare un vero quadro di quarto di tono. All’inizio, potresti semplicemente aggiungere un esercizio al normale riscaldamento: Canta F – Gb, poi F – F quarter-sharp – Gb, e poi lo stesso nella direzione opposta. I toni esterni sono, ovviamente, facilmente controllati sul pianoforte.

Scala completa a 24 toni

Dove diventa interessante è estrapolare questa semplice tecnica a tutte le posizioni intervenienti nella scala cromatica. Robert Reinhart, che insegna teoria musicale e abilità uditive presso la Northwestern University, assegnato vocali intermedie per le altezze quarto tonale tra note solfège, come ra-reh-re-rih-ri per tutte le varietà del secondo grado scala re. Ha quindi progettato—e utilizzato in classe-esercizi progressivi per allenare l’orecchio sui nuovi intervalli. In molti casi, questi coinvolgono prima cantare intervalli noti; poi riempire le lacune con toni quarti; e poi in ultima analisi cantare solo i toni alterati, mentre ascoltando i toni circostanti più familiari.

Questa è solo un’estensione della pedagogia del canto visivo nei sistemi mobili! Ad esempio, per insegnare il modello do-fa-la (difficile per i principianti), si può cantare ripetutamente una scala maggiore e rimuovere gradualmente i toni intermedi re, mi e sol; prima ascoltandoli e poi facendo il salto cognitivo semplicemente cantando do-fa-la senza stampella.

Reinhart ha presentato su questo argomento e sta attualmente lavorando su una raccolta sistematica di esercizi di solfeggio quarto di tono, classificati per difficoltà.

Anche tu potresti usare questa struttura di base per dividere, ad esempio, semitoni in gruppi di tre toni di sesto o toni interi in toni di quinto, se stai cantando musica enarmonica rinascimentale. Le vocali specifiche nel tuo solfeggio esteso non contano molto, purché siano coerenti.

Andare più in profondità: 72-Tone Scale

Julia Werntz è l’attuale portatrice della tradizione delle abilità uditive 72edo al New England Conservatory, succedendo a Joe Maneri. Insegna agli studenti ad ascoltare, eseguire e comporre con dodicesimi toni-cioè quarti di toni ciascuno ulteriormente diviso in terzi. La sua classe inizia con lo sviluppo di un quadro quarto di tono, ed elabora da lì. Il libro di testo del corso, Steps to the Sea, è sia altamente accessibile (con molti esempi audio) che prontamente disponibile.

Nel momento in cui entriamo nei dodicesimi toni, i percorsi di intonazione e divisione uguali iniziano a fondersi. Per i cantanti in particolare, gli intervalli di intonazione più semplici corrispondono così precisamente con altezze nella gamma di 72 toni per ottava, che la differenza-un massimo di circa 5 centesimi, e di solito sotto 3—è letteralmente impossibile da produrre con la voce.

Infatti, un recente studio di Matthias Mauch et al. mostra che, anche per i cantanti esperti, la differenza appena evidente e l’errore di produzione del tono mediano su una data nota si aggirano intorno ai 18-19 centesimi—un po ‘ più di un intero 12 ° tono! Lo studio si è occupato del canto melodico solista, e la precisione dell’intonazione può essere un po ‘ più alta nel canto armonico (specialmente nel barbiere); ma non tanto quanto pensi.

(Fonti diverse danno importi diversi per la differenza appena evidente in vari contesti, e 5-8 centesimi è il valore usuale citato. Ma nel caso delle piazzole cantate, sembra regnare un po ‘ più di caos.)

Per fortuna, nel caso ve lo steste chiedendo, i microtoni possono davvero essere appresi, e l’ear-training in 72edo ha davvero l’effetto di aumentare la discriminazione del tono e la capacità di produzione. Addomestica parte del caos latente del fare musica.

Il risultato finale

Se hai passato tutto questo con il tuo coro, allora sei ossessivo e sono tutti santi. Quello che dovresti davvero fare è scegliere tra queste possibilità, in base a ciò che sta succedendo nel pezzo stesso. Questo è quello che ho fatto. Ma dove potrei non aver ancora usato una particolare tecnica me stesso, è stato testato sul campo da altri. Fanno tutti quello che dicono.

Potenziali risultati negativi

Come ho promesso in precedenza, ecco il primo movimento della Misa di Carrillo:

Questa non è, diciamo, una performance di pietra di paragone. I cantanti possono aver ipotizzato che l’obiettivo era un suono “altro mondo”, e presumibilmente rivendicato abbastanza successo per rilasciare la registrazione. Ma sfortunatamente, hanno eseguito l’intera partitura in modo impreciso, incluse quelle che avrebbero dovuto essere le parti “this-mondane”.

Sono pitchy fin dall’inizio. Da 0: 58, il tenore è un intero semitono bemolle rispetto agli altri, che porta ad un suono Ab maggiore in prima inversione, invece dell’accordo scritto Do aumentato. (Quando succede di nuovo alle 1: 07, puoi sentirlo andare alla deriva verso l’alto per cercare di correggerlo.) Nella musica che è in frame a partire da 1: 32, il basso povero 1 canta 5th perfetti scritti come tritoni, perché non riesce a far scendere abbastanza la nota inferiore. E così via. Se si sente questo come un esempio di canto corale microtonale, si potrebbe essere perdonati per inacidire l’idea.

Ma nonostante le carenze di questa particolare performance, il pezzo è stato effettivamente scritto in un modo che potrebbe essere facile da afferrare—usando le tattiche che ho delineato sopra. Potrebbe anche funzionare come una prima avventura nella microtonalità per un coro!

Ecco come mi avvicinerei.

• Per prima cosa, aggiungerei quarti di tono ai riscaldamenti all’inizio delle prove—semplicemente dividendo un semitono. Questo accade costantemente in Misa, quindi il coro otterrebbe un sacco di chilometraggio da solo quell’esercizio.
• Poi, anche nei warmup, costruiremmo accordi aumentati e altre sonorità a tutto tono, come e in diverse inversioni. Questi sono gli elementi costitutivi di Carrillo per il pezzo. Sono un po ‘ rari come elementi strutturali nel repertorio corale convenzionale, quindi richiederebbero rinforzi per essere utili come bersagli.
• Poi, andando al pezzo stesso, avremmo cantare segmenti senza i toni quarti che intervengono, e assicurarsi che il coro ha memorizzato le sonorità bersaglio intero tono nella loro struttura armonica più grande.
• Infine, è il momento di inserire i quarti di tono. Faremmo questa parte alla volta, all’inizio, per cementare la consapevolezza melodica.
• Ora, la sorpresa! Carrillo mette utilmente tutti i cambiamenti quarto-tonali in allineamento verticale, a parte alcune sospensioni. Il pezzo si alterna tra un “mondo” a 12 toni e il “mondo” complementare in 24edo. Quindi, le sonorità costruite dai toni alterati sono generalmente familiari. La sonorità a 1:11, al secondo battito dell’ultima misura in frame, è in realtà un accordo di un quarto di bemolle maggiore in prima inversione-quindi dovrebbe suonare come un accordo maggiore in prima inversione! Tutti conoscono quel suono.

Tutto questo è interamente perso nell’intonazione lamentosa e sciolta di questa performance. Credo che un’interpretazione accurata, d’altra parte, rivelerebbe un pezzo di carattere straordinariamente diverso da quello presentato nella registrazione: forse sorprendente in quanto sia davvero accessibile.

Conclusione: Aspetti pratici

Ecco alcuni suggerimenti vari che posso dare sull’insegnamento dei microtoni ai cori.

Usa i riscaldamenti per rafforzare nuovi concetti musicali, se non fosse già chiaro. Perché perdere tempo a cantare scale maggiori o arpeggi per l’intero riscaldamento, quando potresti praticare i quarti di tono con la ripetizione o costruire accordi di serie armoniche? Ciò riduce il tempo di insegnamento sul pezzo microtonale stesso.

Assolutamente non suonare un cluster di toni al posto di un tono intermedio, se stai modellando una melodia microtonale su un pianoforte standard. Questo non fa nulla per immaginare il passo (facciamo “sentire” a D, quando C – E è giocato? Col cavolo! Allora, perché dovremmo sentire un quarto di D-sharp quando si suona D-Eb?), e modella una dissonanza, che il coro ti darà gentilmente. Meglio saltare il tono alterato – o meglio ancora:

Modella con la voce quando possibile. Questo non è solo più facile da seguire di una tastiera, ma dimostra anche che il passaggio è, di fatto, eseguibile.

Risintonizza la tastiera, se è digitale. Il compito è ora fondamentalmente banale, con la tecnologia disponibile; ma potrebbe non essere così per te personalmente. Se questo è il caso, e tu sei una persona che leggerebbe questo, allora sicuramente hai amici che sono grandi nerd come te, tranne che con i computer. Puoi chiedere loro un favore o assumerli per farlo per te. BitKlavier è un software gratuito con una curva di apprendimento facile; se possono programmare in Max / MSP, allora dovrebbero essere in grado di utilizzare dati puri senza troppe storie, che è anche gratuito; oppure potresti sborsare per PianoTeq Standard, che ha un suono di qualità professionale e ottimi controlli di sintonizzazione microtonale. Ci sono molte altre opzioni, ma queste sono un inizio.

Lavorare a stretto contatto con il tuo accompagnatore è fondamentale, specialmente se qualsiasi tasto viene rimappato drasticamente! Ma ancora una volta, se sei una persona che sta leggendo questo, il vostro accompagnatore è probabilmente gioco per esso.

Fai prima tutte le normali cose corali – parla il pezzo in ritmo, mira a tagli precisi, usa il fraseggio espressivo, interpreta i testi – in modo che si rendano conto di quanto sanno già fare.

Un adeguato supporto al respiro è assolutamente indispensabile. La mancanza di familiarità causa incertezza, e l’incertezza causa un supporto improprio, e un supporto improprio crea un tono cadente e un cattivo timbro, il che rende il progetto infinitamente più difficile. Quindi, non perdere mai di vista quel fondamento di un suono ben supportato e tornarci spesso.

Soprattutto, devi trasmettere gioia nella musica. E non è di questo che si tratta sempre?

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