마티스&피카소
현대 미술은 못생긴 태어났다. “미지의
추악한 자의 땅으로 첫 발을 내딛은 것은 마티스였다.”라고 한 미국 비평가는 1910 년 파리의 살롱 데스 인디펜던트를 묘사했다. “그림은 모든 믿음을 지나서 조잡했고,색은 주제만큼 끔찍했습니다. 예술의 새로운 시대가 시작 되었습니까?”마티스 자신조차도 때때로 그의 창조물에 충격을 받았습니다. 그의 전기 작가에 따르면 힐러리 스펄링,”그의 그림은 그를 섭동으로 가득 채웠다. 1901 년 또는 1902 년 어느 시점에서 그는 팔레트 나이프로 그 중 하나를 깎았습니다.”
앙리 마티스가 20 세기 초 현대 미술의 아버지로 여겨졌다면,파블로 피카소는 같은 뮤즈와 함께 자고 있었다. 피카소는 1907 년 자신의 양식을 산산조각 걸작 레 드모아젤 아비뇽을 완료 할 때,원초적인 마스크 같은 얼굴을 가진 다섯 매춘부를 묘사,에로틱한보다 더 기하학적 누드,심지어 그의 초기 딜러 앰브로이즈 볼라드는 불쑥,”그것은 미친 사람의 작품이다. 마티스와 피카소는 처음에는 서로의 그림을 좋아하지 않았지만,한 번에 서로 도전하고 자극해야 할 힘을 느끼는 것처럼 보였습니다. 남은 생애 동안 각자는 다른 사람의 새로운 작업에 예리한 눈을 뗄 것이며,때로는 같은 제목으로도 같은 주제를 그리도록 서로를 자극 할 것입니다. 그들의 관계를 설명하는 방법에는 여러 가지가 있습니다. 그것은 경쟁,대화,체스 게임이라고 할 수 있습니다-마티스 자신은 한때 그것을 복싱 경기와 비교했습니다. 그러나 그것은 또한 추악한 그림을 대담하게 그리는 두 명의 타이탄의 지속적인 우정이되어 예술에서 우리의 아름다움 감각을 변화 시켰습니다.
그들의 관계와 그들의 예술은 2 월 13 일 퀸즈의 임시 위치에있는 뉴욕 현대 미술관에서 열리는 놀라운 전시회”마티스 피카소”에서 새로운 의미를 갖습니다. 이것은 피카소의 노년기 발언에서 영감을 얻은 쇼입니다.”마티스와 내가 그 당시에 한 모든 것을 나란히 그릴 수 있어야합니다. 무도 더 신게 나보다 마스 그림 바라 보다 다; 그리고 아무도 나보다 더 신중하게 쳐다 보지 않았습니다.”메릴린치가 후원하는 이번 전시회는 3 개국 6 명의 큐레이터들 사이의 협력의 결과이며,2 명은 런던의 테이트 갤러리,작년에 쇼가 처음 열린 곳,2 명은 조르주 퐁피두와 파리의 뮤즈 피카소,그리고 2 명은 5 월 19 일까지 뉴욕의 모마와 협력했다.
큐레이터들은 이번 전시에 대한 희귀한 열정을 표현한다. “마티스와 피카소의 관계,”앤 발다사리,뮤스 피카소의 큐레이터는 말한다,”현대 미술의 전체 역사에 반영. 마티스와 피카소를 서로의 눈으로 보는 것은 관객이 현대 미술을 신선한 방식으로 바라 볼 수있게 해주 며,거의 1 세기 전에 예술가와 친구들을 전율시키고 비평가들에게 충격을주는 것과 같은 발견감을 가지고 있습니다. 우리는 마티스를 그 모든 아름다운 풍경과 오달리스크(터키 하렘 소녀)와 함께 더 전통적이고 비유적인 화가로 보게되었고,피카소는 그의 입체파와 폭력적인 추상화로 중국 상점에서 미노타우로스와 같은 전통을 산산조각 냈습니다. 마티스에서 우리는 장식을 참조,피카소에서 파괴. 그러나 이것은 우리가 보는 것을 배운 것입니다. 모마에서 쇼는 분명 이러한 범주는 이러한 예술가를 포함 할 수 없습니다 만 모더니즘이 모든에 대해 무엇을 모호하게 할 수 있음을 만든다.
발다사리는 피카소가”내가 만드는 그림을 만들지 않으면 마티스처럼 그릴 것”이라고 말했고 마티스는 피카소에 대해서도 똑같이 말했다. 그들의 그림이 나란히 놓일 때,그들의 선택은 화가로서의 기술과 스타일만큼 그들의 성격,기질 및 감정에 달려 있다는 것을 알기 시작합니다. 그들은 비 유적이며 추상적이었습니다.
종종 금붕어를 그린 마티스는 나중에 1900 년 파리 미술 수업의 동료 학생이 유리 그릇의 왜곡 된 지구를 통해 보이는 무지개 색과 형태에 강렬한 기쁨을 느끼고 그림을 그릴 수 있다면 그들이 실제로 무엇을 대표하는지에 대해 걱정하지 않고 그들을 묘사하는 금붕어처럼 보는 것으로 묘사되었습니다. 반면 피카소는 자신이 자연에서 직접 그림을 그린다고 주장했다. “나는 항상 닮은 것을 목표로 삼는다.”그는 그의 친구에게 사진 작가 브라 사에게 말했다. 또는 다른 예술가——전에했던 각각의 경우에,따옴표는 모두 예술가가 불일치의 전체,그리고 그들이 무엇을 변경할 준비가 항상 있었기 때문에,아직 사실 오해의 소지가 있습니다.
두 화가는 과거의 예술에 정통했고,두 화가는 1906 년경에 만났을 때 그 영향을 피할 방법을 모색했다. 회의는 미국의 아방가르드 작가와 외국인 거트루드 스타 인에 의해 배치되었다,누구,그녀의 오빠 레오와,대담 파리에서 다른 거의 모든 사람들이 그들을 웃을 때 마티스의 새로운 그림을 수집하기 시작했다. 작가로서,스타는 모든 좋은 감각에 분노 듯 새로운 형태로 영어 구문을 재 배열했다. 그녀는 마티스의 도전적으로 조잡한 인물과 야생의 색을 좋아하여 아름다움과 감성의 대포를 좋아했습니다.
스타 인이 피카소의 스튜디오를 처음 방문했을 때,그들은 800 프랑(오늘날 약 3,000 달러)상당의 그림을 구입했습니다.이 그림은 1902 년에 자신의 그림을 불에 태우고 1905 년에 스타 인이 나타 났을 때 훨씬 나아지지 않은 화가에게 엄청난 액수입니다. 마티스와 피카소의 작품은 1902 년에 작은 갤러리에서 함께 전시되었지만,그들은 분명히 만나지 못했습니다. 스타 인은 마티스를 피카소의 스튜디오로 데려 가서 두 화가를 매주 살롱에 초대했습니다. 그곳에서 두 예술가는 벽 위에서 서로의 그림을 볼 수 있었다.
마티스와 피카소가 만났을 때,그들은 공통점이 거의 없는 것처럼 보였다. 그들은 다른했다,마티스는 말했다,북극과 남극으로. 마티스는 1869 년 프랑스 플랑드르 북부 지역에서 밝은 색상의 직물을 짜는 데 능통 한 가족 및 지역으로 태어났습니다. 그는 파리 법을 공부하기 위해,나중에 교활한에 그림을 복용하기 전에 법률 사무원으로 하루의 작업 후 미술 수업에 참석 갔다. 그는 종이와 캔버스에 파리의 삶을 캡처 여전히 루브르 박물관과 키너의 옛 주인을 복사 할 준비가 예술가가 될하기로 결정했을 때 그는 22 세였다.
피카소는 12 년 후인 1881 년 스페인 마을에서 태어났습니다. 그의 아버지는 화가 였고 아기의 첫 단어는”연필.”신동,그는 아버지의 교훈을 흠뻑 적셨다. 전기 작가 패트릭 오브라이언은 피카소의 아버지가 더 이상 그를 가르 칠 수 없을 때”그의 붓을 소년에게 넘겨 주었다.”1900 년 피카소는 거의 19 살이었고 파리를 준비했다. 그때까지 그는 라파엘과 앵그리스처럼 그릴 수 있었지만 그에게 다른 것을 요구하는 분노가있었습니다. “아름다움에 대한 학문적 훈련은 가짜”라고 그는 한 번 말했다. “우리는 속임을 당했지만 너무 속아서 진리의 그림자조차 거의 되돌릴 수 없습니다.”
마티스는 1906 년 그의 벨트 아래에서 거의 10 년 동안 급진적 인 그림을 그렸고 피카소는 파란색과 장미색의 환상에서 막 등장하여 입체파로 폭발하려고했습니다. 마티스는”잔인한”색을 사용하기 위해 알려진 바와 같이”야수”또는”야수”의 지도자였습니다. 1906 년 마티스의 그림을 비판 한 비평가는”햇빛의 방법으로 우리에게주는 모든 것”은 망막에 문제가 있습니다.”야수의 풍경을 만드는 마티스의 동반자,안드르 데랭은 나중에 예술적 폭력의 감각을 회상했다. “색상은 다이너마이트의 막대기가되었다”고 말했다. “그들은 빛을 방출 할 준비가 끝났다.”마티스는 더 부드럽게”내 색을 노래하게 만드는 방법을 알아 내고 있다고 말했다.”
피카소가 1906 년에 본 그림 중 하나는 마티스가 자신의 야수 실험 인 르 봉허 드 비브르 또는 삶의 기쁨을 비범하게 종합 한 것입니다(63 페이지). 그것은 누드를 기대는 연인과 평온한 댄서를 수용의 목가적 인 장면입니다. 색상은 평평하고,그림은 스케치되어 있으며,일부는 앵그리스의 누드처럼 감각적으로 그려져 있고,다른 일부는 대담하게 그려져 있습니다. 이 같은 아무것도 이제까지 심지어 마티스에 의해 그려진 없었다. 피카소는 이것을 즉시 이해하고 그것을 도전으로 삼았습니다.
1906 년 살롱 데 인디펜던트에서 처음 보여진 르 보누르 드 비브르는 이해할 수 없는 것처럼 보였다. 그것은 인사를했다,마티스의 첫 번째 딜러 베르 테 웨일 리콜,조롱의”소란과,화가 나부랭이와 비명 웃음. . . . “그러나이 그림에서 마티스는 새로운 종류의 평온함,예기치 않은 요소들의 조화를 이루었고,그는 그의 경력을 통해 그릴 것입니다. 피카소는 몇 년 후,”결국,모든 것은 자기 자신,천 개의 광선을 가진 뱃속의 불에 달려 있습니다. 다른 것은 중요하지 않습니다. 예를 들어,마티스는 마티스입니다 이유입니다. . . . 그는 그의 직감에 태양을 가지고 있습니다.”
어떤 의미에서 피카소는 마티스가 그를 능가하게하지 않기 때문에 피카소가되었습니다. 르 봉허 드 비브르를 본 직후,그는 그의 가장 야심적이고 놀라운 그림,레 드모아젤 아비뇽 작업을 시작했습니다. 그는 아프리카 여성의 원시적 인 가면과 엽서를 모델에 사용하여 계속해서 다시 칠하고,다음을 그립니다.
피카소가 드모아젤과 싸우고 있을 때,그는 1907 년 충격적인 블루 누드:비스크라의 기억(아래)을 전시한 마티스에게 다시 충격을 받았다. 마티 스는 또한 모델로(누드 그림의)엽서를 사용 했다,그리고 열심히 찾고 있었다. 이 새로운 그림으로 마티스는 피카소가 발을 내려 놓기 전에 피카소의 발가락을 밟고있었습니다. 스타 인은 파란색 누드를 움켜 잡고,그 기형(일부 비평가들은”파충류”라고 말했다)그림은 손바닥의 장식 배경에 기대어. 스타 인에서 피카소는 뉴욕에서 젊은 방문자,작가 월터 파흐,작품을 쳐다 보았다. 파치는 나중에이 계정을 준:”‘그 관심이 있습니까?’피카소가 물었다. “어떤 면에서는,네. . . 그것은 눈 사이의 타격처럼 나에게 관심. 나는 그가 무엇을 생각하고 있는지 이해하지 못한다.’나도 마찬가지야’피카소가 말했다. “그가 여자를 만들고 싶다면 여자를 만들어라. 그가 디자인을 만들고 싶다면 디자인을 만들어 보자. 이 둘 사이에 있습니다.”
그 순간 피카소 자신의 투쟁을 반영하는 논평이다. 몇 년 후 그는 프랑스 작가 안드르에게 자신의 데모아젤을 형성한 다른 것을 말러에게 말하였다. 마티스는 그가 구입 한 아프리카 동상을 그에게 보여주었습니다. 그리고 피카소는 원시 유물의 컬렉션과 함께 파리의 거무 죽죽 한 민족 지적인 박물관,트로카데로에 갔다. 그것은 벼룩 시장 같은 냄새,하지만 마스크와 주물의 마법에 눈을 뜨게. “당신은 영혼 모양을 제공하는 경우,당신은 그들로부터 무료로 휴식,”그는 말했다. 갑자기,”나는 내가 왜 화가 였는지 파악했다. 마스크,빨간 인도 인형,먼지로 덮여 인형으로 둘러싸인 그 박물관에서 혼자. 데모젤레스’는 그 날 찾아왔을 것이다. . . 그것은 내 첫 번째 퇴마 사진 이었기 때문에.”그가 그림을 그리기를 마쳤을 때,피카소는 실제로 모든 것을 변화 시켰습니다. 영국 미술 사학자 존 골딩,쇼의 큐레이터 중 하나,모마 카탈 로그에 기록:”르 봉허르 드 비브르는 예술의 역사에서 랜드 마크 중 하나 인 경우,레 드모 젤. . . 그것의 아주 과정을 바꾸었다. 그것은 가장 중요한 단일 20 세기 그림으로 남아 있습니다.”그러나 1907 년에는 아무도 그것을 알지 못했습니다. 마티스는 피카소의 스튜디오에서 그것을 보러 온 다른 사람들과 함께 소름 끼쳤다. 화가 조르주 브라크는 거의 숨 막혔고,볼라 드는 움찔했고,레오 스타 인은 웃었고,피카소는 좌절하고 상처를 입었고,결국 캔버스를 들것에서 꺼내 전시하지 않고 옆으로 두었습니다.
마티스는 1908 년 거북이를 가진 해수욕객 인 확고한 반응을 그리는 데 약간의 시간을 낭비했습니다. 그것은 진정으로 떨어져 두 화가를 설정 한 그림입니다,그들은 같은 소스에 그린 경우에도. 피카소의 그림은 어디에나 있었고,특히 기하학적인 조각들 속에 있었다. 그러나 씨의 또 다른 측면은 마티스의 새로운 작품,어색하고 거의 어린애 같은 그림 스타일에서 분명했습니다. 모마큐레이터와 마티스의 학자 존 엘더필드는 예술가들에 대해 이렇게 말한다. 마티 스는 다 제 2 차 세계 대전의 전체성과 인물의 명확성에 대한 잔느의 관심을 가지고 있습니다. 피카소는 그것을 분해로 이해하고 마티스는 그것을 구성으로 이해하고 있습니다.”
세잔이었지만 자신의 영감의 원천입니다. 피카소와 마티스 모두 1906 년에 고갱 목판화 컬렉션을 보았고 그의 남쪽 바다 원시주의는 곧 만든 목판화에 나타났습니다. 프랑스 큐레이터 발다사리의 발언에 따르면 마티스와 피카소는 과거와 헤어지는 데 도움이 될 만한 모든 것을 보고 있었다. “피카소는 사진에 완전히 매료되었습니다.”라고 그녀는 말합니다. “그리고 마티스는 그가 드로잉의 자신의 학문적 방법을 극복하기 위해 사진을 사용했다. 그들은 화가가 아닌 관음증을위한 에로틱 한 영화의 이미지를 사용했습니다. 라인의 질문,구성의,보조했다,비록 왜곡,라인의 왜곡,그들에게 매우 중요했다. 그것은 형상과 함께 형태를 가진 게임이었습니다. 그들은 형상을 파괴했습니다! 문제는 과거를 어떻게 떠나야 하는가였다. 그것은 추함의 문제였다. . . 왜 추함?”
1907 년 가을 마티스와 피카소는 그림을 교환하기로 동의했다. 거트루드 스타 인이 말했듯이,각 화가는 자신을 안심시키는 것처럼 상대방의 새로운 작품의 최악의 예라고 생각하는 것을 선택했습니다. 피카소는 마티스의 딸 마거리트의 초상화를 골랐고 마티스는 정물,투수,그릇,레몬을 선택했습니다. 그것은 피카소는 그의 친구가 가짜 다트를 던졌다 방에 마티스를 걸려 있다고 말했다. 이 이야기는 호화로운 400 페이지 분량의 모마 카탈로그에서 찾을 수 있지만 모든 쇼의 큐레이터가 믿는 것은 아닙니다.
“잘못되었습니다!”발다 사리는 주장한다. “이 초상화는 피카소에게 가장 중요한 그림이었고 마티스는 6 년 전에 마거리트가 심각한 목구멍 수술을 받았기 때문에 그를 위해 그것을 선택했습니다. 작업 당시 마티스는 볼라 드의 갤러리에서 피카소 쇼에 가서 컷 아웃과 같은 평평한 구조,같은 모양을 가진 초상화를 보았습니다. 마티스는 그때 충격을 받았지만 그의 마거리트 초상화는 그것의 정확한 거울이었습니다. 이 그림은 일종의 농담이었고 피카소에 대한 찬사였습니다.”
피카소의 그림은 마티스에게도 농담을 했다. 교환이 시작되기 얼마 전,발다사리는 마티스가 자신의 정물을 위해 언론에서 공격을 받았다고 설명했다. “레몬은 평평하지 않다,무슈 마티스,”비평가는 썼다. 피카소의 레몬은 마티스의 레몬보다 더 평평했다.또한,드모아젤과 동시에 만들어진 피카소의 정물은 입체파로의 분명한 도약이다. “그것은 매우 중요한 교환입니다,”발다 사리는 말한다,”아름다운 교환. 그것은 서로 서로의 프로그램을 이해한다는 것을 보여주는 상징과 같습니다. 그것은 그들을 이해하는 첫 번째 열쇠와 같습니다.”그것은 마치 그들이 서로 말 했다:”여기 현대 하는 방법.”
어느 쪽도 확신하지 못했습니다. 피카소의 친구 브라크가 1908 년 자신의 새로운 그림 그룹을 살롱 오톰네에 보냈을 때 마티스는 배심원 중 한 명이었습니다. “그들은 작은 큐브로 만들어졌습니다!”그는 그들을 거부하기로 투표로 항의했다. 한 비평가는 이것을 듣고 언론에서”입체파”에게 세례를 주었다. 동시에 마티스는 피카소의 스튜디오에서 데모아젤을 보기 위해 그의 가장 중요한 수집가인 슈추킨이라는 러시아 직물 황제를 데려갔다. 모스크바 주택이 이미 모네,르누아르,반 고흐,고갱과 씨의 벽을 자랑했던 슈추킨은 그의 마티스와 함께 처음에는 충격을 받았지만 곧 피카소도 사기 시작했다. 그것은 마티스의 부분에 큰 관용의 행위였다.
피카소는 두 발로 입체파에 뛰어들었고,처음에는 브라크와 협력했다. 마티스의 반응은 그의 가장 아름다운 그림 중 하나 인 1913 년에 제작 된 마티스 마담의 초상화에서 가장 잘 볼 수 있으며,그녀의 얼굴은 마스크처럼 보입니다(65 페이지). 발다 사리는 피카소가 그 여름에 아팠고 마티스가 그를 자주 방문했다고 말합니다. 피카소의 스튜디오에서 그는 피카소에게 준 마거리트의 초상화 근처에 흰색 아프리카 마스크가 매달려있는 것을 보았습니다. “마담 마티스의 얼굴에 흰색 마스크를 그렸을 때 마티스는 피카소와 일종의 트릭을 연주했습니다. 그리고 바로 그 후,그는 자신의 그림에서 입체파를 탐구하는 데 참여하게되었습니다. 마티스 부인의 초상화 중 시인 기욤 아폴리네르는 마티스가 회화에서 풍만함을 재창조했다고 말했다. 추상 그대로,그 마스크 같은 얼굴과 공간의 평평 감각,고요한 초상화는 현저하게 대조,형식과 주제의 특정 유사성에도 불구하고,피카소의 어린 소녀의 초상화와,다음 해 수행. 이 그림에서 피카소의 입체파 접근법은 포즈의 평온함을 약화시킵니다. 그러나 반대에서도,이 두 초상화에서와 같이 두 예술가 간의 대화는 분명했습니다.
그러나 때로는 더 미묘했습니다. 한 화가는 그가 오래 전에 중단 한 곳을 차지,다른 사람의 과거로 멀리 볼 수 있습니다. 이 쇼에서 이러한 교차 수분의 많은 예가 있지만,가장 눈에 띄는 중 하나는 피카소의 기념비적 인 세 댄서입니다. 그것은 그가 위대한 디아길레프의 발레 러스의 세트에 작업 할 때 1925 년에 이루어졌다. 마티스는 몇 년 전에 디아길레프 발레를 위해 세트와 의상을 만들었는데,피카소가 그것에 대해 들었을 때 화를 냈습니다. “마티스!”그는 물었다. “마티스란 무엇인가? 큰 빨간 화분이 온통 떨어지는 발코니!”
그러나 피카소가 세 명의 무용수를 작업 할 때,그는 마티스가 1912 년에 만든 그림 인’춤’을 가진 한련을 어깨 너머로 보았을 것입니다.시각적 비유는 분명합니다.둘 다 매력과 아름다움을 분배하는 그리스 여신의 세 가지 은혜의 고전적인 주제를 왜곡합니다. 그러나 피카소의 그림은 완전히 야만적 인 반면 마티스는 은총의 감각을 유지했습니다. 당시 피카소가 전직 발레리나 인 올가와 결혼 한 것은 실패했고 그는 옛 친구의 죽음에 대한 소식을 들었습니다. 세 명의 무용수는 드모아젤과 마찬가지로 일종의 엑소시즘이었다.
1920 년대에는 두 화가가 떨어져 나갔다. 마티스는 멋진 그림 고급스러운 오달리스크와 깃털 모자에 여성의 초상화를 그리기에 호텔에 안치되었다. 마티스의 영화 감독이자 시인 장 콕토가 쓴”햇볕에 흠뻑 젖은 야수”는”보나드 새끼 고양이가되었습니다.”반대로 피카소는 미노타 우르 스와 사티르를 그리고 돌이 많은 신고전주의 인물을 그리고있었습니다. 그러나 그때도 그들은 서로를 지켜보았다.
1920 년대 후반 피카소는 그녀의 은혜로 거의 그리스인 인 젊은 여성 마리 테레즈 발터와 사랑에 빠졌다. 그녀를 칠하기 위해 피카소는 마티스의 더 흐르는 선,둥근 인물 및 생생한 색상을 빌리는 것을 발견했습니다. 그의 부분을 위해,마티스는 그의 그림에서 니스의 광도를 계속 증류했다. “조금 전에 나는 올리브 나무 아래에서 낮잠을 잤다.”그는 1918 년에 친구에게 썼다.”내가 본 색 하모니는 너무 감동적이었다. 그것은 당신이 분석 할 권리가없는 낙원처럼,하지만 당신은 하나님을 위해,화가입니다! 좋은 너무 아름답다! 그 광채에도 불구하고 너무 부드럽고 부드럽습니다.”
그 빛에 빠져 마티스는 어느 정도 신을 버리고 있었다. 지난 몇 년 동안 그는 용기를 내어 자신에게 이렇게 말했습니다.”그러나 1920 년에 방문자에게 이야기하면서 그는 쿠르베의 그림을 벽에서 꺼내 말했습니다.”이것이 내가 그림이라고 부르는 것입니다! 이 반면. . . 나에게 덜 영향을 미친다.”그리고 피카소는 마티스와 심지어 르누아르가 새로운 애인을 그렸을 때 그림을 그리기도했습니다. 피카소의 초상화와 마티스가 같은 손으로 그린 것처럼 보이는 순간이있었습니다.
피카소는 파리에 머물렀고 마티스는 제 2 차 세계 대전 중 남쪽에 머물러 있었지만 그들의 존경과 우정은 깊어졌습니다. 피카소는 마티스의 그림을 돌보고 은행 금고에 보관했습니다. 마티스는 건강이 좋지 않아 피카소를 비평가들로부터 옹호했다. 마티스는 아들 피에르 에게”이 가난한 사람은 자신의 독창성에 대해 어려운 대가를 치르고 있습니다. 그는 조용히 파리에 살고,판매 할 소원이 없다,아무것도 요구하지 않습니다.”
그러나 두 사람은 평화를 지키기에는 너무 의욕적이었다. 1945 년 전쟁이 끝날 무렵,런던의 빅토리아 앨버트 박물관에서 그들의 주요 작품이 열렸습니다. 이 전시회를 준비하면서 마티스는 노트북에”내일,일요일,4 시에 피카소를 방문하십시오. 나는 내일 그를 볼 것으로 기대하고있어,내 마음은 직장에있다. 나는 그와 함께 런던에서이 선전 쇼를하고 있어요. 나는 한쪽에 내 사진과 함께 방을 상상할 수,다른 그의. 마치 제가 간질과 동거하는 것 같았습니다.”
마티스의 건강이 80 년대에 가라 앉자 그의 예술은 급증했다. 그의 오랜 투쟁은 본질을 표시하고 세부 사항을 삭제,그들을 간단하게함으로써 아름다운 수치를 만들기 위해,양식을 정화,종이 컷 아웃의 아이의 예술에 그를 다시했다. 이 중 일부는 거대했고 다른 일부는 침대에서 관리 할 수있을만큼 작았습니다. 1947 년 한 도미니카 사제가 그를 방스 마을에 예배당을 디자인하도록 초대했을 때,그는 종이를 잘라서 스테인드 글라스 창문과 벽 장식을위한 이미지 중 일부를 준비했습니다. 피카소도 한 쌍의 가위를 가져 갔다. 그는 종이 컷 아웃처럼 조각 일련의 만든,그들은 판금의 비록. 그리고 그의 그림은 마티스 형태의 단순함,심지어 장식적인 풍부함을 취하는 것처럼 보였습니다.
돌이켜 보면,이 오는 것을 보았어야했다. 마티스의 마거리트 초상화와 같은 초기 그림 중 일부는 종이 컷 아웃 모양을 가졌습니다. 그리고 브라크와 피카소의 협력은 입체파 콜라주에 종이를 자르고 붙여 넣는 것을 포함했습니다. 심지어 이전 힌트가 있었다. 마티스는 항상 자신의 출생지의 직물 전통에 그린,관점을 파괴하는 섬유 패턴을 사용하여,힐러리 스펄링 노트로,”그는 반 완성 된 캔버스에 종이 패턴을 고정 같은 오래된 직공’트릭에 화가로 의존.”피카소는 자신의 그림을 만들기 위해 컷 아웃 종이를 사용한 아버지로부터 같은 트릭을 배웠습니다. 퐁피두 센터 큐레이터 이사벨 모노 폰테인은”학문적 화가가 그림을 만드는 것은 오래되고 공식적인 수단”이라고 설명했다. “잘라 붙여 넣은 종이는 화가가 자신의 작품을 개념화 할 수있는 방법이었습니다. 피카소와 마티스는 이것을 낮은 수준의 숨겨진 기술에서 가져 와서 예술 자체의 앞,표면 위에 두었습니다. 그리고 그것은 현대 미술의 주요 부분입니다.”
마티스의 오달리스크에 영감을 불어 넣은 19 세기 화가 유진 트라크네 들라크루아,마티스가 죽은 후 피카소는 한때 현대적이되기위한 자신의 투쟁에 대해 썼다. 그가 본 것처럼 문제는 최종 완성 된 그림을 만들 때 첫 번째 스케치의 신선함을 유지하는 방법이었습니다. 즉,앞에 숨겨진 트릭을 넣어 모든에 대해 무엇. 마티스와 피카소는 마티스가 미완성보고 자신의 그림을 좋아하고 피카소가 떨어져 모든 것을 찢어 구부러진 이유 각 앵그르처럼 그릴 수있을 때 조잡 그리기로 선택한 이유입니다. 그들은 다른 접근 방식을 취했지만 그들 사이에 예술을 현대적으로 만들었습니다.
“오직 한 사람 만이 나를 비판 할 권리가있다”고 마티스는 말했다. “피카소입니다. 마티스가 1954 년에 사망 한 후 피카소는 혼자 였지만 그리 좋지는 않았습니다. “마티스가 죽었을 때,그는 나에게 그의 오달리스크를 유산으로 남겼습니다.”그는 선언하고 일련의 자신의 그림으로 그들을 해부했습니다. 피카소는 1973 년에 죽었고,”모든 것을 고려하면 마티스 만 있습니다.”