주문형 재생 목록 및 트랙

감성주의 서문

합창단 감독으로서 대부분의 경험은 청소년과 아마추어 앙상블입니다. 따라서 나는 보통 많은 독자들이 할 수있는 것보다 다른 일련의 우려와 우선 순위를 다룬다.

전문가 수준 이하의 합창단에 대해 가장 먼저 알아야 할 것은 저의 확고한 신념에서 우리는 무엇보다도 공동체를 위해 합창단에 있다는 것입니다. 물론 기술적 실행에도 자부심이 있습니다! 그러나 훨씬 더 중요한 것은 감정을 전달하고,같은 감정을 경험하고,따라서 서로 그리고 청중과 공동체의 유대를 만들고 유지하는 것입니다.

또한,시각 읽기 능력이 제한된 경험이 풍부한 합창 가수를 만나는 것은 매우 일반적입니다. 이 표기법은 중세 유럽에서와 같이 명시적인 명령 세트보다 메모리 보조 장치가 더 많습니다.

기쁨은 공동 음악 제작의 경험을 매우 큰 인구의 도달으로 가져 오는 것입니다. 문제는 감독이 매우 자주,필요에 따라 교사라는 것입니다. 그래서,아마추어 합창단,가수가 엘리트 앙상블의 특징 인 전체 점수 인식을해야합니다 보장은 없습니다;그리고 많은,그들은하지 않습니다 보장은 기본적으로있다!

왜 지구에 사람이 생태계에 마이크로 톤 음악을 가지고하려고 것? 글쎄,한 가지,그것은 모든 사람의 억양 인식을 연마하는 데 도움이 될 것입니다. 그러나,그것의 자신의 기간에:혼자 12 의 동등한 음색에 이용할 수 없는 탐구될 것이다 정서의 새로운 세계가 있다!

그러나 이 상황에서 감독은 문제의 작품을 아마도 회의적인 앙상블에 팔아야 한다. 아래의 체계적인 기술을 지원하기 위해 전체 무한한 열정을 사용하십시오. 당신 같은 가수 경우,그들은 그것을 기회를 줄 것이다.

비켜 모든주의 사항과 함께,다음,의 기술적 인 측면으로 가자.

기술 측면

마이크로 톤 구절을 가르치기 위해,나는”바이 모달,표적 기반”접근법을 옹호한다. 나는 종이 제안에 대한 정확하고 인상적인 소리가 모두이었다 제목을 필요로하기 때문에 나는이 이름을 선택했다. (효과가 있었다.)그러나 여기에 내가 의미하는 바가 있습니다:

바이 모달-모든 피치 변경의 수평 및 수직 측면에 대한 통합 된 인식이 필요합니다. 즉,방금 떠난 피치와 새로운 피치의 관계,그리고 그것이 도착하는 음향성 내에서의 맥락을 염두에 두어야합니다. 이들은 종종 독립적입니다.

목표 기반-멜로디 또는 고조파 또는 실제로 둘 다 익숙한 것을 예상하는 데 의존합니다. 이 작업이 완료되면 개입하는 것이 반 무의식적으로 더 쉽게 제자리에 떨어질 수 있습니다.

이 두 가지 전술은 표준 레퍼토리 내에서 훌륭한 합창 음악가가 되려면 이미 필요하지만,우리가 마이크로 톤으로 작업 할 때 그것들을 명시 적으로 만드는 것이 중요합니다. 마이크로 톤 조각에서 명시 적으로 사용하기위한 유용한 단계는 도전적인 색조 구절에 명시 적으로 사용하는 것입니다. 그래서,감독은 마이크로 톤 조각도 프로그램에 직전에 학기 동안 이러한 전술에 작동 할 수 있습니다.

바이모달 전략의 음조 예

하나의 예시적인 구절은 풀랑크의 오 매그넘 미스테리움에 있다. 이 작품의 많은 억양적 문제점 중에서 오프닝 테너의 트리톤을 0:08 과 몇 번 후에 고려하십시오:

대부분의 가수는 트리톤을 꺼낼 수 있지만 신뢰할 수있는 간격은 아닙니다. 그것은 니모닉으로 마리아 또는 심슨 테마를 사용하여,같은 소리를 생각 나게 할 필요가 드문 일이 아니다. (여기에 심슨 비디오에서 흐뭇한 코멘트 스레드입니다:)

그들은 안전하게이 경우에도,각 사람은 약간 다르게 실행합니다,특히 어느 톤이 선도적 인 톤으로 역할을 포함 할 때. 결과 그룹 피치는 퍼지 일 수 있습니다. 그리고 그것은”불협화음”수평 간격이기 때문에 종종 그것이 착륙하는 부조화에 대한 기대가 있습니다.

그래서,당신은 천천히 노래,긴 톤에 그 코드를 조정-그리고 그것은 분명해진다”콜럼비아”사실 나 자연,지 메이저의 세 번째입니다!

테너는 이제 이상적으로 두 가지 수준에서 그 문제점을 경험하고 있습니다. 어떤 의미에서,그들은 이전 음표에서 트리톤을 노래하고 있습니다. 그러나 다른 의미에서,그들은 결과적인 조화에서 매우 명확한”집”을 차지하고 있습니다.

마이크로톤 음악에서는 이 두 가지 레벨을 유지하는 것이 더욱 중요합니다. 이것은 그러한 음악이 필연적으로 낯선 수평 간격을 노래 할 것을 요구하기 때문입니다-그리고 가수의 자연스러운 본능은 똑같이”익숙하지 않은”수직,즉 불협화음에 착륙하는 것이며,이 본능은 잘못 될 가능성이 있습니다. 우리는 1962 년 공연에서 이러한 접근 방식의 불행한 결실을 보게 될 것입니다 키리…에서 줄리 카리 요의 미사 아 산 후안 23 세 이 기사의 뒷부분에서.

대상에 대한 메모

이제 접근 방식의”대상 기반”부분으로 이동합니다. 당신의 합창단이 작은 간격의 익숙하지 않은 체인을 노래 할 필요가있는 경우 마이크로 톤 음악,예를 들어,-다음 그들에게 그들이 포괄 간격의 견고한 아이디어를 제공하고,개입 톤은 거의 무의식적으로 제자리에 떨어질 수 있습니다. 그들은 두 번째 단계에서 나중에 정제 될 수 있습니다.

모델링 할 때이 소리가 얼마나 쉽게 강화하기 위해,여기에 제이콥 콜리어는 경쾌하게 사소한 세 번째에 그런 일을하고있다:

(이 그의 전체 토론은 정말 10 시 12 분에서 시작하지만,어서,모든 일을보고 이동합니다. 그 사람은 너무 엉덩이,그것은 초현실적이다.)

목표 기반 접근 방식은 익숙한 간격으로 멜로디하게 채우는 것에 국한되지 않습니다. 넓은 규모에,그것은 조각에 걸쳐 개념 앵커의 시리즈를 제공에 관하여—가수가 자신의 발판을 회복 할 수있는,그들은 길에 그것을 잃을 일이 있다면. 이 위와 같이 멜로디 간격을 대상으로 할 수있다;뿐만 아니라(입구에 대한 예를 들어)에 조정 고조파 간격,또는 대상 코드를 대상으로.

여기서 새로움은 대상이 조각 내에서 음악적으로 눈에 띄는 필요가 없다는 것입니다-그들은 약한 비트에서 발생할 수 있습니다,또는 문구 내에서 드 강조 장소에서,기타. 그들은 가수들에게 이미 친숙 할 필요가 있으며,가수들은 그들을 재 교정하는 데 사용할 수 있습니다. 예를 들어,이국적인 케이지적인 음파는 음악적 목표 일 수 있지만 개념적 목표 일 필요는 없습니다.이 역할은 인접하고 덜 중요하고 친숙한 음파 일 수 있습니다. 여기에 내가 쓴 조각에 그 인스턴스의(1 월에 초연 후 24):

이것은 단지 주요 화음에서 7:9 로 간다:11 의 고조파 시리즈 비 열두 번째-플랫(내가 선호하는 72 도 표기법). 쉽게 연습 할 수있는 거리—후자는 매우 친숙한 장소,분기 단계에 의해 기본적으로 이동 각 부분을 떠나 있기 때문에,못을 놀라 울 정도로 쉽습니다. 일반적인 톤 또한 도움이됩니다.

스캐 폴드 구축

당신의 마이크로 톤 가르침을 안내해야 할 또 다른 것은 스캐 폴드에 대한 교육적 아이디어 또는”근위 발달 영역”입니다.”이 모든 의미는 모든 새로운 개념이 바로 인접한 개념과 관련 될 필요가 있다는 것입니다; 그리고 인접한 개념은 개인 수준에서 통찰력을 야기합니다.

예:읽는 법을 알려주는 사람이 읽는 법을 배우지 않습니다. 개별 문자 소리와 그들이 단어로 결합하는 방법 사이에 자신의 연결을 제외하고 그것을 할 수있는 방법은 없습니다. 당신이 그 도약을 할 수 있도록 학년-학교 교사는 다음 쉽게 디코딩 된 조합(다음,그리 쉬운 것들)와 함께 당신을 직면,편지 소리를 기억하게함으로써,조건을 제공했다.

이 원칙은 중요합니다. 이러한 합성 기록에서 암기하여 조각을 학습으로”무차별”방법의 매력에도 불구하고(기술로 인해,생산 새로 쉽게!),그 전술은 대부분의 사람들에게 성공하지 못할 것입니다-새로운 간격을 만들기 위해 빌딩 블록을 내면화하지 않았기 때문에”스틱.”그리고 많은 사람들이 처음에 그 거대한 기술적 도약을 할 내키지 수 있습니다;그들이 합창단에있어 이유는 아니다.

그래서,우리는 우리가 비계를 제공 할 수있는 방법을 볼 필요가있다.

우리는 이미 정상적인 합창 노래에서 일어나고 마이크로 톤 노래에 적용될 수있는 두 가지 중요한 것들을 다루었습니다. 이제 다음은 추가 개념 목록,이전의 각 건물 및이를 마스터 할 수있는 몇 가지 리소스입니다. 단지 억양 경로와 동등한 분할 경로의 두 가지 경로가 있습니다.

그냥 억양 경로:표현 억양

아이러니하게도,이 경로는 단지 억양의 반대로 시작:”표현 억양.”

72 에도의 위대한 지수 인 에즈라 심즈 외에는 학부 합창 지휘자 휴 토마스가 마이크로 톤 경로를 설정했습니다. 토마스는 자신의 앙상블이 강장제로 해결할 때 매우 높은 선행 톤을 노래하고 다른 것들 중에서도 3 번째로 해결할 때 매우 낮은 4 분의 1 을 노래한다고 주장했습니다. 이러한 영향 아래,심즈는 말한다,”당신은 하드 다시 믿고 찾을 책임이 있습니다(아무리 키보드 악기가 그렇게 당신을 설득하려고 할 수 있습니다 얼마나)가 있다는 것을,예를 들면,지-샤프입니다 한 가지,영원히 그것을 정의하는 하나의 주파수,아멘.”

표현적인 억양은 매우 직관적입니다. (경향 톤의 경향을 과장! 이 생각의 고정 피치 방법에서 가수를 노크의 목표를 달성 할 수 있다면)그래서,그것은 앞으로 상당히 방법을 부드럽게.

실제 저스트 억양

파하드 시아 다트는 합창단을위한 저스트 억양 주제를 소개하는 그의 출판사 웹 사이트에 일련의 기사를 가지고 있습니다. 현재 사용할 수있는 일부 풀러 자원은 내가 마지막 기사에서 언급 한 마티유에 의해 고조파 경험을 포함한다; 그리고 그냥 억양 프라이머 데이비드 비.도티,오히려 더 직접적입니다.

실제 합창단 감독은 작업 할 몇 가지 간격 만 선택할 수 있습니다. 주요 3 분의 1 과 고조파 7 은 설명하기 쉽기 때문에 시작하는 데 유용합니다. 자연 고조파를 연주하고 피아노와 비교 첼리스트에 가져와! 높은 수준의 이발소 중주에 가져와”반지”일부 화음! 처음에는 주어진 간격에 대해 각각 다른 기능을 가진 여러 가지”맛”이 있다는 아이디어를 개발하고 있습니다.

손에있는 조각과 관련된 것을 사용하십시오. 당신의 합창단은 어휘 만 고조파 7 을 추가하는 경우,그 벤 존스턴의 내가 갈거야’멀리 작업을 시작하기에 충분하다.

쉼표 이동 정량화

로스 더핀은 그의 책으로 잘 알려져 있습니다. 그러나 그는 또한 훌륭한 방어를 썼다,및 방법에 대한,단지 억양 연습,이는 위치와 구문 쉼표를 사용하여 경첩. 이것은 4 번째와 5 번째에 비해 3 번째,6 번째 및 7 번째 튜닝에 대해 체계적으로 생각하는 매우 유용한 방법입니다. 그것은 여기에서 자유롭게 사용할 수 있습니다. 그는 심지어 발생할 수있는 전형적인 문제가있는 억양 상황을 연습하기위한 연습을 포함합니다.

힐리어드 앙상블과 노르딕 보이스는 이러한 기본 시스템(세부 사항이 다름)을 정기적으로 연습에 통합합니다. 당신의 합창단이 르네상스 대위법을 노래하는 경우 한 학기,이 렌즈를 통해 억양을보고,다음 학기는 더 마이크로 톤을 확장 할 수 있습니다:

확장 그냥 억양

이제 우리는 이상한 물건에 들어가. 그것은 많은 반복과 암기하고 고조파 시리즈의 높은 배음의 간격을 재현,견고한 참조와 함께 할 수 있습니다.

한 가지 가능한 참고 문헌은 배음 노래(파하드 시아 다트,개인 커뮤니케이션)이며,낮은 기본에 따르면 적어도 14 일까지는 고조파를 안정적으로 생성 할 수 있으며 아마도 그 이상일 것입니다. 재 튜닝 된 디지털 키보드는 또 다른 잠재적 인 자원입니다.

하지만 사용할 수 운동의 놀라운 세트가있다,너무:앤드류 히스 웨이트는 배음 기반 피치의 주어진 그룹의 구성원 사이에 발생하는 모든 가능한 간격을 통해 노래하는 시스템을 고안,매력적으로 노래라는. 다른 사람들은 이것에 대해 자세히 설명했습니다. 그것은 놀라 울 정도로 논리적이고 직관적이며,솔프 음절의 약간의 변경을 사용합니다.

만약 가수가 이러한 유형의 매트릭스를 듣고,이해하고,노래하는 것이 일상 연습의 일부가된다면,그들은 곧 많은 고통없이 헨크 배딩의 대조와 같은 엄격한 배음(또는 저음)조각에 접근 할 수있을 것이다.

쿼터 톤 경로:중간 톤

다른 경로의 시작 부분에서 다시 시작,우리는 진정한 쿼터 톤 프레임 워크를 개발하기 시작,작고 익숙한 간격의 피치 사이에 동일한 틱 톤을 노래하는 사람들의 능력을 사용할 수 있습니다. 처음에는 정상적인 워밍업에 운동을 추가 할 수 있습니다. 외부 톤은 물론,쉽게 피아노에 확인된다.”………..””………..””………..””………..””………..””………”.

런치 갤러리

풀 24 톤 스케일

흥미로운 점은 이 간단한 기술을 반음계의 모든 중간 위치에 외삽하는 것입니다. 로버트 라인 하트,노스웨스턴 대학에서 음악 이론과 청각 기술을 가르치는 사람,솔프 지 노트 사이의 분기 음색 피치에 할당 중간 모음,이러한 두 번째 규모의 학위 재의 모든 품종에 대한 라-레-레-리-리로. 그 후 설계-그리고 교실에서 사용-새로운 간격에 귀를 훈련하는 진보적 인 운동. 많은 경우에,이들은 먼저 알려진 간격을 노래 포함;다음 분기 톤으로 격차를 작성;더 익숙한 주변 피치를 오디션하는 동안 다음 궁극적으로 만 변경된 피치를 노래.

이것은 움직일 수있는 시스템에서 시력 노래 교육학의 확장 일뿐입니다! 예를 들어,패턴 할-빠-라(초보자를위한 어려운)가르 칠,하나는 반복적으로 큰 규모를 노래 할 수 있습니다,점차적으로 중간 톤을 다시 제거,미 및 솔;먼저 오디션,다음인지 도약을 단순히 어떤 목발없이 할-빠-라 노래.

라인하트는이 주제에 대해 발표했으며 현재 난이도에 따라 등급이 매겨진 쿼터 톤 솔프 연습 문제를 체계적으로 수집하고 있습니다.

당신은,너무,이 기본 프레임 워크를 사용할 수 있습니다,말하자면,세 여섯 번째 음색의 그룹으로 반음-또는 다섯 번째 음색으로 전체 톤,당신은 르네상스 음조 음악을 노래하는 경우. 확장된 솔프의 특정 모음은 일관성이 있는 한 그다지 중요하지 않습니다.

더 깊게 가기: 72 톤 스케일

줄리아 베르츠는 뉴 잉글랜드 음악원에서 72 에도에게 청각 기술 전통의 현재 무기명,조 마네리 성공. 그녀는 학생들에게 12 번째 음색,즉 1/4 음색을 각각 3 분의 1 로 더 나누어 듣고,공연하고,작곡하도록 가르칩니다. 그녀의 클래스는 분기 톤 프레임 워크를 개발하는 것으로 시작,거기에서 부연. 코스 교과서,바다 단계,(오디오 예제를 많이)모두 매우 접근하고 쉽게 사용할 수 있습니다.

우리가 12 번째 음색에 들어갈 무렵에는,단지 억양과 등분 경로가 합쳐지기 시작합니다. 약 5 센트의 최대,일반적으로 3 에서——가수의 경우 특히,간단한 단지 억양 간격은 차이가 있다는 것을,옥타브 당 72 톤의 영역에서 피치와 너무 정확하게 대응 음성으로 생산하는 문자 그대로 불가능하다.

사실,마티아스 마우 치 등의 최근 연구. 심지어 경험이 풍부한 가수,단지 눈에 띄는 차이와 주어진 노트에 중간 피치 생산 오류가 모두 18~19 센트 주위에 가져,보여줍니다—전체 12 톤 이상 비트! 이 연구는 솔로 멜로디 노래를 다루었으며 억양 정확도는 고조파 노래(특히 이발소에서)에서 다소 높을 수 있습니다.

(다른 출처는 다양한 맥락에서 눈에 띄는 차이에 대해 다른 금액을 제공하며 5-8 센트는 인용 된 일반적인 값입니다. 그러나 노래 피치의 경우,조금 더 혼란이 지배하는 것 같다.)

고맙게도,혹시 궁금하시다면,마이크로톤은 정말 배울 수 있고,72 에도의 귀 훈련은 피치 차별과 생산 능력을 높이는 효과가 있습니다. 그것은 음악 제작의 잠재 혼돈의 일부를 길들인다.

최종 결과

당신이 합창단과 함께이 모든 것을 겪었다면,당신은 강박 적이며 그들은 모두 성도입니다. 당신이 정말로해야 할 일은 조각 자체에서 무슨 일이 일어나고 있는지에 따라 이러한 가능성 중에서 선택하고 선택하는 것입니다. 이것이 내가 한 일입니다. 그러나 내가 아직 특정 기술을 사용하지 않았을 수도있는 곳에서는 다른 사람들이 현장에서 테스트했습니다. 그들은 모두 정말로 그들이 주장하는 것을합니다.

잠재적 인 나쁜 결과

앞서 약속 한 바와 같이,카릴로의 미사의 첫 번째 운동은 다음과 같습니다:

이것은 시금석 성능이 아닙니다. 가수는 목표가”다른 세상”소리라고 가정했을 수 있으며 아마도 녹음을 공개하기에 충분한 성공을 주장했을 것입니다. 그러나 불행히도,그들은”이 세상”부분 이었어야하는 것을 포함하여 전체 점수를 부정확하게 수행했습니다.

그들은 처음부터 피치입니다. 0 시 58 분으로,테너는 다른 사람에 비해 전체 반음 평면이다,첫 번째 반전의 소리 순이 메이저로 이어지는,대신 서면 씨 증강 화음의. (이 1 시 7 분에 다시 발생하면,당신은 그를 그것을 해결하기 위해 시도 위쪽으로 표류들을 수 있습니다.)1 시 32 분에서 시작하는 프레임의 음악에서,가난한베이스 1 트리톤으로 작성 완벽한 5 분의 노래,그는 충분히 내려 가서 낮은 음을 얻을 수 없기 때문에. 그래서. 한 사람이 이것을 마이크로 톤 합창 노래의 모범으로 들었다면,그 아이디어에 대해 용서받을 수 있습니다.

그러나 이 특별한 공연의 결점에도 불구하고,이 작품은 실제로 내가 위에서 설명한 전술을 사용하여 이해하기 쉬운 방식으로 작성되었습니다. 심지어 합창단에 대한 마이크로 톤에 첫 번째 벤처로 작동 할 수!

여기에 내가 접근하는 방법이 있습니다.

• 첫째,나는 리허설의 시작 부분에 워밍업에 분기 톤을 추가 할 것—단순히 반음을 분할. 이 미사에서 지속적으로 발생,그래서 합창단은 그 운동에서 주행 거리를 많이 얻을 것입니다.
• 그런 다음 워밍업에서도 증강 된 코드와 다른 전체 톤의 음색을 만들 것입니다. 이 조각 카리요의 빌딩 블록입니다. 그들은 기존의 합창 레퍼토리의 구조적 요소로 다소 드문,그래서 그들은 대상으로 유용하기 위해 보강이 필요합니다.
• 그런 다음,작품 자체에 가서,우리는 개입 쿼터 톤없이 세그먼트를 노래하고,합창단이 자신의 큰 조화 프레임 워크에서 대상 전체 톤 음파를 기억했는지 확인합니다.
• 마지막으로 분기 톤을 삽입 할 때입니다. 우리는 선율에 대한 인식을 확고히하기 위해 처음에는 한 번에 한 부분을 할 것입니다.
• 지금,놀람! 카릴로는 일부 서스펜션 이외의 모든 분기 색조 변화를 수직 정렬에 유용하게 사용합니다. 이 작품은 하나의 12 톤”세계”와 24 의 보완적인”세계”를 번갈아 가며 나타납니다. 그래서,변경된 피치에 의해 만들어진 음파는 일반적으로 친숙합니다. 프레임의 마지막 측정의 두 번째 비트에 1:11 의 음파는 사실 첫 번째 반전의 1/4 플랫 메이저 코드이므로 첫 번째 반전의 메이저 코드처럼 들려 야합니다! 모두가 그 소리를 알고 있습니다.

이 모든 것은 완전히 통곡 손실,이 성능의 느슨한-거위 억양. 나는 정확한 해석,다른 한편으로는,녹음에 제시된 것보다 매우 다른 문자의 조각을 공개 할 것이라고 믿는다: 아마도 그것이 실제로 얼마나 접근 할 수 있는지에 놀랄 것입니다.

결론:실용성

합창단에 마이크로 톤을 가르치는 것에 대해 내가 줄 수있는 몇 가지 기타 제안 사항이 있습니다.

워밍업을 사용하여 이미 명확하지 않은 경우 새로운 음악 개념을 강화하십시오. 왜 시간을 낭비 당신은 반복에 의해 분기 톤을 연습,또는 고조파 시리즈 코드를 구축 할 수있을 때,주요 저울 또는 아르페지오 전체 워밍업을 노래? 이 마이크로 톤 조각 자체에 교육 시간을 줄일 수 있습니다.

표준 피아노에서 마이크로 톤 멜로디를 모델링하는 경우 개입 톤 대신 톤 클러스터를 절대 연주하지 마십시오. 이 피치를 상상 아무것도 않습니다(우리는 디를”듣고”않습니다,씨-전자가 연주 될 때? 지옥 안돼! 그렇다면 왜 디 에브가 연주 될 때 디 쿼터 샤프를들을 것입니까?),그리고 그것은 합창단이 당신에게 정중하게 줄 불협화음을 모델링합니다. 더 나은 변경된 피치를 건너 뜁니다-또는 더 나은 아직:

가능한 한 목소리로 모델. 이것은 키보드보다 따라하기가 더 쉬울뿐만 아니라 그 구절이 실제로 수행 가능하다는 것을 보여줍니다.

키보드를 디지털 방식으로 다시 튜닝합니다. 이 작업은 사용 가능한 기술로,지금 기본적으로 사소한;하지만 개인적으로 당신을 위해 그렇게하지 않을 수 있습니다. 그런 경우,그리고 당신이 이것을 읽을 사람이 있다면,당신은 확실히 컴퓨터를 제외하고,당신 같은 큰 바보 인 친구가 있습니다. 당신은 그들에게 호의를 요청하거나 당신을 위해 그것을 할 그들을 고용 할 수 있습니다. 비트클라비어는 학습 곡선이 쉬운 자유 소프트웨어입니다.; 또는 당신은 전문적인 품질의 사운드와 아주 좋은 마이크로 톤 튜닝 컨트롤을 가지고 피아노 테크 표준,밖으로 껍질 수 있습니다. 다른 많은 선택권이 있다,그러나 이들은 시작이다.

반주자와 긴밀히 협력하는 것이 중요합니다. 그러나 다시,당신이 이것을 읽는 사람이라면,당신의 반주자는 아마도 그것을위한 게임 일 것입니다.

모든 정상적인 합창 일을 먼저하십시오–리듬으로 조각을 말하고,정확한 컷오프를 목표로하고,표현적인 표현을 사용하고,가사를 해석하십시오-그들이 이미 얼마나 알고 있는지 깨닫게하십시오.

적절한 호흡 지원은 절대적으로 필수적입니다. 익숙하지 않으면 불확실성이 발생하고 불확실성은 부적절한 지원을 유발하며 부적절한 지원은 처진 피치와 나쁜 음색을 생성하여 프로젝트를 무한히 어렵게 만듭니다. 그래서,잘 지원 사운드의 기반암의 시력을 잃게하고 자주 다시 오지 않았다.

가장 중요한 것은,당신은 음악에 기쁨을 전달해야합니다. 그리고 그것이 항상 무엇에 관한 것이 아닌가?

월간 뉴스박스 뉴스레터 구독하기