Metropolitan Opera 2018-19 anmeldelse: Tosca
Puccinis “Tosca” modtog sin 966.forestilling på Metropolitan Opera torsdag, okt. 25.
værket indeholdt den anden genoplivning af David Mcvicars produktion fra sidste sæson med nogle unikke forskelle. Som bemærket i sidste års gennemgang af denne produktion, vil denne version af værkets succes leve eller dø ud fra, om kunstnerne bringer et stærkt perspektiv til operaen og gør den til deres egen.
heldigvis for Met and company bragte de den rigtige kunstner til at påtage sig hovedpersonen.
ægte Diva
Sondra Radvanovsky er som god vin. Hun ser bare ud til at blive bedre og bedre med tiden, hendes sang mere kraftfuld og sikker, hendes karakteriseringer mere komplekse og fascinerende. Hun synger ikke bare og handler, hun gør begge dele på samme tid, handler gennem hendes sang og synger gennem hendes skuespil.
og som Puccinis mest ikoniske diva var hun på et niveau, som få andre i dag formår at opnå.
da hun prydede scenen (heldigvis iført den samme kjole Bar Anna Netrebko i stedet for den hvide pyjamasudseende kjole, som McVicar fik Sonya Yoncheva til at komme ind med), blev hun mødt med bifald. Hun havde tjent det fra før, da hendes råb om ” Mario! Mario ” offstage fyldte hallen med saftig lyd. Gennem denne åbningsduet, vi fik følelsen af Tosca som en yngre kvinde, med enorm følelsesmæssig ustabilitet. I et øjeblik flirtede hun jovialt med Cavaradossi, Radvanovsky omdannede den høje B-lejlighed på “salir le voci delle cose” til toppen af en fnise. På et andet tidspunkt formanede hun ham med mere aggressive konsonanter og kraftig tone, da hun så maleriet. Men hendes lyd bevarede en friskhed og konsistens, der ville blive en prøvesten for hele aftenen.
et område, hvor mange sopraner vakler i denne rolle, er i de lavere toner, der gennemsyrer meget af musikken i anden akt. Men kernen i Radvanovskys stemme bevarer fylde og alsidighed i det nedre område og føler sig aldrig tvunget eller skubbet. Som følge heraf torturerer en sådan passage som “son io che cos kristit! Torturate l ‘anima s prisT, l’ anima mi torturere,” med vokallinjen faldende fra en A naturlig ned til en D naturlig lige over midten C, bevaret resonans og klarhed i sopranens stemme. Hun kunne forme nedstigningen med intensitet og lød aldrig som om hun gispede efter luft, da hun observerede rallentando molto og diminendoed. I andre øjeblikke har sopraner en tendens til at tale tekst, fordi det gør det lettere end at synge det så lavt; Radvanovsky tyede sjældent til denne foranstaltning og kom bedre ud for det.
hun fik det hele til at lyde let, ingen note for udfordrende eller uden for hendes rækkevidde, altid i tjeneste for det dramatiske øjeblik. For eksempel, efter at Cavaradossi er tvunget ud for sine råb om “Vittoria,” Tosca har til opgave at have en episk høj C Naturlig, som kun er en prikket kvartnote i længden i partituret. Men Radvanovsky holdt det i den fulde længde af fire-takts mål, og dirigent Carlo Rivii syntes at udvide tempoet nogensinde så lidt for at give noten større plads og tid. Det var et af de viscerale højdepunkter i Radvanovskys anden akt, der kom igennem som skrig af desperation og lidelse efter så meget tortur (dette var sandsynligvis den fjerde eller femte høje C, som hun måtte synge til dette punkt, og de lød Alle perfekt). Du kunne føle, at denne kvinde var ved at implodere og knække under pres, hun kunne bare ikke klare det længere.
hun levede torturscenen, som jeg endnu ikke har set mange leve den. Hun så op til at stå op for Scarpia i begyndelsen, men da scenen blev opløst, det gjorde hun også. Radvanovskys Tosca gentagne stod bag Scarpias skrivebord, som om det var en beskyttende grænse fra ham og forsøgte at løbe fra hans forfølgelse af hende rundt i lokalet. Da han endelig greb kontrol over hende, så sopranen helt overvældet ud. Hun forsøgte at bryde fri fra ham, men hver gang hun fortsatte med at miste mere og mere kontrol, hendes sang blev til råb om hjælp; du kunne næsten høre hende ryste af frygt i hendes stemme. Det var virkeligt.
så da hun endelig fik sin hævn (Radvanovsky gav os hvert eneste slag af beslutningen om at dræbe ham mesterligt), var der ægte følelse af katarsis, hendes råb om “Muori” vokser og vokser i intensitet. Som en ekstra retning syntes Scarpias hånd at gribe hendes tæt i hans sidste øjeblikke. Da hun forsøgte at kæmpe fri, råbte hun de tre gentagelser af “Muori”, hvilket gav teksten tilføjet mening og konflikt.
(som en sidebemærkning foretog Radvanovsky endelig en ændring af de retninger, som McVicar oprindeligt gav for at have Tosca “hviske” fra hele rummet til Mario for at bede om tilladelse til at tale. Både Yoncheva og Netrebko observerede dette (jeg så ikke Roveys fortolkning), men Radvanovsky løber faktisk mod døren for at forsøge at redde sin mand, kun for at blive stoppet i hendes spor.)
“Vissi d ‘Arte” var helt på et andet udtryksfuldt plan, legato i Radvanovskys stemme simpelthen sublim, især i messa di voce på “diedi fiori agl’ altar.”Du kunne mærke momentumet og bygge mod den klimatiske B-lejlighed på “Perch Kurt Signor”, sopranen, der opretholdt B-lejligheden i A-lejligheden, der fulgte før en herlig portamento bragte os til den efterfølgende g natural; hele denne sætning skreg bare med utrolig smerte. Og for at afslutte det, afsluttede sopranen arien med en forhastet “Perch karrus me ne rimuneri cos karrus”, den sidste e-lejlighed, der kom med en crescendo, som hun afviklede med at sprænge ind i hallen til eksplosiv bifald. Igennem, du kunne mærke lidelsen smeltet af længsel og en generel følelse af hjælpeløshed, der passer perfekt ind i, hvordan Radvanovsky formede karakteren gennem hele handlingen.
da akt Tre Kom, var alt hvad du ønskede at høre hende synge, da hver gang hun åbnede munden blomstrede hendes stemme smukt; der var lysstyrke og håb, der tilsyneladende var forsvundet gennem anden akt. Her virkede Tosca som om hun havde vundet og allerede var klar til at nyde det, der kom næste gang i hendes liv. Ved afslutningen af duetten, Tosca synger “Gli occhi ti chiuder Christ con mille baci e mille ti dirrist nomi d’ amor;” Radvanovskys sang her var absolut delikat og øm, pianissimo-formuleringen trækker os ind i et virkelig intimt øjeblik, næsten som en ekstrem nærbillede i en film.
så ja, Radvanovsky var intet mindre end strålende om aftenen i det, der skal være et af hendes bedste øjeblikke på Metropolitan Opera-scenen.
skønhed uden lidenskab
men der er også to mænd i Operaen, der trækker titelsopranen i en række retninger. Som den heroiske Mario Cavaradossi var tenor Joseph Calleja, der viste sig temmelig frustrerende i det hele taget.
han viste vidunderlig kemi på scenen med Radvanovsky hele aftenen, og du troede virkelig, at de var lidenskabeligt forelsket i hinanden. Flirten gennem hele handlingen en duet fik dig til at smile på enden, og deres møde i tredje akt var overdådigt med samme følsomhed over for hinanden. I det øjeblik han så hende i hendes første indgang til den endelige handling, skiftede hele hans væsen fra et nederlag til en pludselig følelse af glæde, Callejas krop forvandlede sig fra humpede over til klar og ophidset. Da han forberedte sig på at møde sin skæbne, spøgte han og flirtede med hende til slutningen; en gang til, du kunne ikke lade være med at smile over deres interaktion i dette dybt mørke øjeblik. Det var et udtryk for, hvordan kærlighed virkelig kan løfte under alle omstændigheder. Men så overgik dette blide øjeblik til en større hjertesorg, da Callejas Cavaradossi pludselig indså, hvad der skulle ske, omfavnede hende med al den magt, han kunne mønstre. Og fra netop dette øjeblik oplevede vi et hav af følelser, der desværre ellers var fraværende i tenorens sang.
tenoren har en herlig rig klangfarve, han sætninger med rigelig legato, og han har stor teknisk sikkerhed i hele sit register. Det er et fremragende instrument.
men af en eller anden grund pakker det ikke meget af et følelsesmæssigt slag, med Callejas musikfremstilling ret firkantet og ligetil. Han sang smukt, men det var svært at virkelig finde nogen anden måde at beskrive hans vokalisering generelt. Det ser næsten ud til, at for at han kan opretholde sin behagelige lyd og legato, skal han spille det sikkert. Måske er det en funktion af, at rollen er på den tunge side for hans lyriske tenor (jeg foretrækker at høre ham bruge sin stemme til lettere bel canto) eller et eksempel på en sanger, der vokser til en rolle. Men det var tydeligt hele natten.
du kan slippe af sted med kun lysstyrke i “Recondita Armonia”, og Callejas blidere lyd passede de blødere dele af arien. Men ved klimaks beder Puccini om forte, og Calleja steg ikke rigtig over den dynamiske markering, han havde ansat før.
vi så meget af det samme i duetten, skønt han beskæftigede en blid pianissimo på a natural appoggiatura, da han sang “t’ amo! Ti dirrist, ” giver ekstra intimitet til øjeblikket.
i anden akt havde han skarpere angreb på samtalesætningerne, da han stod over for Scarpia. Men her syntes der ikke at være nogen bygning i nogen retning for Cavaradossi med hensyn til situationen. Efter en pulserende en skarp på “Vittoria,” gentagelser af ordet “Carnefice” blev alle leveret med de samme accenter og frasering og ingen følelse af vækst i frustration eller vrede. Ikke at det er påkrævet, men manglen på nogen retning fik øjeblikket til at falde fladt. Det samme kunne siges om “m’ Hai tradito”, som Puccini markerede som Allegro Violento, men var langt fra aggressiv i sin fortolkning.
“e lucevan le stele” er Prøvestenen øjeblik for enhver tenor i denne opera. Igen lød Calleja vidunderligt hele vejen igennem. I modsætning til de fleste Tenorer, der gør en ritardanto på “Oh! “Calleja observerede faktisk Puccinis oprindelige hensigt og gjorde ikke en; det er måske ikke så spændende musikalsk, men det gør også det efterfølgende, “Mentr’ io fremente le belle forme disciogliea dai veli” mere følelsesmæssigt overbevisende. Med denne sidstnævnte sætning lavede Calleja en sublim diminuendo, hans stemme, men en delikat hvisken, da han kom til slutningen af sætningen. Det var højdepunktet.
herfra arien er at bygge til ren desperation som Cavaradossi noter ” Muio disperato!”Men igen syntes Calleja bare aldrig at finde et andet hak i dette afsnit, og aria, mens de sluttede på en smuk lydkvalitet, tog aldrig følelsesmæssigt ud. Desperationen manglede. Følelsen af tab og nederlag i musikken og teksten var ikke til stede.
det var symbolsk for forestillingen som helhed.
tabt i det tykke af ting
som Scarpia havde han også en blandet aften. Han skulle ikke synge rollen oprindeligt, men trådte ind i åbningsforestillingen, da Ulvgang Koch trådte ud. Lucic afslutter et fantastisk løb af “la Fanciulla del vest”, hvor han spillede en kompleks Jack Rance. Men af en eller anden grund passer Scarpia bare ikke til ham. Han har utvivlsomt gjort fremskridt fra sin præstation sidste sæson i rollen, men mange af problemerne fra det løb forbliver.
han er bedre til at skildre Scarpias snu natur i sine mere stille øjeblikke som når han opdager “ventaglio” / fan, hvilket giver en følelse af et mørkt metodisk sind på arbejdspladsen.
og hans fysiske tilstedeværelse som helhed var langt mere nuanceret og potent, især i akten to møder med Tosca. Han truede over Radvanovsky som et rovdyr efter sit bytte og fik langsomt kontrol over hende ved at dreje rundt og derefter gribe fat i divaen. Det var ikke så aggressivt som hans Rance-fortolkning i akt to af “La Fanciulla,” men det var bestemt så forfærdeligt, hvis ikke mere. På et tidspunkt sidder han ved siden af Tosca for at give hende endnu en chance for at redde Mario. Lucic gled så tæt på Radvanovsky som muligt og placerede sit ansigt lige ved hendes øre og hviskede ” Ebbene?”på en hårrejsende måde, der fik hende til at se endnu mere ubehagelig ud.
men på trods af hans stærke scenetilstedeværelse kan hans lyd bare ikke synes at finde en vej gennem styrken i Puccinis orkester, og der var masser af gange, hvor det simpelthen blev vasket væk af Carlo og Metropolitan Opera Orchestra tykkere teksturer. For at kompensere skubbede han ofte lydene ud så meget som muligt og skabte en klemt vokalkvalitet. Til tider fungerede det, såsom hans råb om, at Sciarrone skulle fortsætte med at torturere Cavaradossi. Men det fungerede ikke helt på klimaks på aria” Debbo trader, ne voglio altra mercede ” med den høje e-flade og G-flade, der lyder hård og mangler klarhed. Det fungerede heller ikke under” Te Deum”, hvor han blev begravet af orgelet og orkesteret, og hans forsøg på at skubbe sin stemme over ensemblet fik det til at lyde som om han græd om hjælp mere end at forkynde sin magt og magt.
en professionel præstation
i pit, Carlo Rivi og orkestret sat i en temmelig professionel præstation samlet. Noterne syntes alle på de rigtige steder, selvom der syntes at være nogle balanceproblemer med sangerne, orkesteret vasker til tider deres lyde væk. Men ellers ville man sandsynligvis beskrive orkestrets præstation som en kamæleon. Orkesteret var til stede, men trak sig tilbage i baggrunden og syntes mere som en passager i forestillingen snarere end en aktiv kommentator på dramaet. Det var solidt, skønt intet øjeblik sprang ud som særlig hårrejsende. Det virkede mere som hensigten var at tjene sangerne så godt som muligt.
Radvanovsky har stadig en række forestillinger tilbage, og hun alene er prisen for optagelse. Hun er bare på et andet niveau, og det burde være interessant at se, hvordan hun gør med “Aida” senere i denne sæson.