On Demand Spillelister Og Spor

Emotionalist Preamble

som kordirektør er mesteparten av min erfaring med ungdoms-og amatørensembler. Dermed håndterer jeg vanligvis et annet sett med bekymringer og prioriteringer enn mange lesere Av NMBx kanskje.

det første du må vite om kor under det profesjonelle nivået er at vi i min faste tro er i det for samfunnet fremfor alt. Det er stolthet i den tekniske utførelsen også, selvfølgelig! Men mye mer, det handler om å formidle følelser, og oppleve den samme følelsen, og dermed skape og opprettholde båndene i samfunnet med hverandre og med et publikum.

i tillegg er det ganske vanlig å møte erfarne korsangere som har begrenset synlesningsevne, som i stedet stoler på en finutviklet ferdighet til å beholde og gjenta melodier som de hører. Notasjonen blir da, som det var i middelalderens Europa, mer et minnehjelp enn et sett med eksplisitte instruksjoner.

en faksimile av manuskriptet for ‘Iubilate deo universa terra’ som viser en serie av uhøyde cheironomic neumes lagt til salme vers. (Bilde i den offentlige sfæren.)

gleden er at det bringer opplevelsen av felles musikk-making i rekkevidden av en meget stor befolkning. Utfordringen er at regissøren er veldig ofte, av nødvendighet, en lærer. Så, for amatør kor, det er ingen garanti for at sangerne vil ha hele score bevissthet som er et kjennetegn på elite ensembler; og for mange, det er i utgangspunktet en garanti for at de ikke vil!

hvorfor i all verden ville noen prøve å bringe mikrotonal musikk inn i dette økosystemet? Vel, for en ting, vil det bidra til å finpusse alles intonasjonelle bevissthet—som kan være svært nødvendig. Men, på sine egne premisser: det er nye verdener av følelser å bli utforsket som er utilgjengelig med 12 like toner alene!

imidlertid må en regissør i denne situasjonen selge det aktuelle stykket til et kanskje skeptisk ensemble. Bruk hele grenseløs entusiasme for å støtte de metodiske teknikkene nedenfor. Hvis sangerne liker deg, vil de gi det en sjanse.

med alle advarsler ut av veien, så la oss komme til den tekniske siden.

den tekniske siden

for å undervise mikrotonale passasjer, taler jeg for en «bimodal, målbasert» tilnærming. Jeg valgte dette navnet fordi jeg trengte en tittel som var både nøyaktig og imponerende lyd for et papirforslag. (Det fungerte .) Men her er hva jeg mener:

Bimodal – Krever en integrert bevissthet om både horisontale og vertikale aspekter av hver tonehøyde. Det vil si at man må huske på en ny tonehøyde forhold til banen den nettopp forlot, og også dens sammenheng i sonoriteten der den kommer. Disse er ofte uavhengige.

Target-based – Stole på å forutse det kjente, enten melodisk eller harmonisk, eller faktisk begge deler. Når dette er gjort, kan intervenerende ting lettere falle på plass, selv halvt ubevisst.

disse to taktikkene er allerede nødvendige for å være en god kormusiker innen standardrepertoar, men det er viktig å gjøre dem eksplisitte når vi jobber med mikrotonalitet. Et nyttig skritt mot å bruke dem eksplisitt i mikrotonale stykker, bruker dem eksplisitt for utfordrende tonale passasjer. Så, en regissør kan jobbe med disse taktikkene i løpet av semesteret umiddelbart før et mikrotonalt stykke er til og med på programmet.

et toneeksempel på den bimodale strategien

Et illustrerende avsnitt er I Poulencs O Magnum Mysterium. Blant mange intonasjonelle problemer i dette stykket, vurdere tritone i åpningen tenor, på 0:08 og et par ganger etterpå:

de fleste sangere kan trekke ut en tritone, men det er ikke et pålitelig intervall. Det er ikke uvanlig å bli påminnet om Hvordan Det høres ut, ved Hjelp Av Maria eller Simpsons-temaet som en mnemonic. (Her er en hjertevarmende kommentartråd Fra The Simpsons video:)

selv når de har det sikkert, vil hver person utføre det litt annerledes, spesielt når ingen av de involverte tonene fungerer som en ledende tone. Den resulterende gruppen banen kan være uklar. Og fordi det er et» dissonant » horisontalt intervall, er det ofte forventning om en dissonans der den lander.

så, du synger det sakte, tune at akkord på en lang tone—og det blir tydelig at «Cb» er faktisk en b naturlig, den tredje Av En g-dur!

tenorene opplever nå det problemstedet på to nivåer. På en måte synger de en tritone opp fra forrige notat. Men på en annen måte opptar de et veldig klart «hjem» i den resulterende harmonien, et hjem som ikke har noe å gjøre med tritone-ish-ness.

i mikrotonal musikk er det enda viktigere å opprettholde disse to separate nivåene. Dette skyldes at slik musikk uunngåelig krever å synge noen ukjente horisontale intervaller—og sangernes naturlige instinkt vil være å lande på en vertikalitet som er like «ukjent», dvs.dissonant, og dette instinktet er sannsynligvis feil. Vi vil se de uheldige fruktene av denne tilnærmingen i En 1962-ytelse Av Kyrie fra Juliá Carrillos Misa A San Juan XXIII senere i denne artikkelen.

et notat om mål

Vi går nå videre til den» målbaserte » delen av tilnærmingen. I mikrotonal musikk, for eksempel, hvis koret ditt trenger å synge en ukjent kjede av små intervaller—så gi dem en bunnsolid ide om intervallet de omfatter, og de mellomliggende tonene kan nesten ubevisst falle på plass. De kan raffineres senere, i et andre trinn.

for å forsterke hvor lett dette kan høres når modellert, Her Er Jacob Collier blithely gjør den slags ting til en mindre tredjedel:

(hans fulle diskusjon om dette starter virkelig klokka 10:12, men kom igjen, se på hele greia. Fyren er så hip, det er surrealistisk.)

den målbaserte tilnærmingen er ikke begrenset til melodisk å fylle ut kjente intervaller. På en bredere skala handler det om å gi en rekke konseptuelle ankre gjennom et stykke – hvor sangere kan gjenvinne sin fot, hvis de tilfeldigvis mister den på vei. Dette kan være mål melodiske intervaller som ovenfor; men også mål harmoniske intervaller for å stille til (f.eks for innganger), eller mål akkorder.

nyheten her er at målene ikke trenger å være musikalsk fremtredende i stykket—de kan forekomme på svake beats, eller på de-vektlagte steder innenfor en setning, etc. De trenger bare å være kjent med sangerne, som deretter kan bruke dem til å kalibrere. For eksempel kan en eksotisk kadentiell sonoritet være det musikalske målet—men trenger ikke å være det konseptuelle målet – den rollen kan være en tilstøtende, mindre viktig, mer kjent sonoritet. Her er en forekomst av det I et stykke jeg skrev (som vil bli vert På NMBx etter premieren i januar 24):

Et utdrag fra poengsummen Til Robert Lopez-Hanshaws mikrotonale korssammensetning vokas animo.

dette går Fra En bare en stor akkord, til en 7: 9:11 i den harmoniske serien av b tolvte-flat (i min foretrukne 72edo notasjon). Sistnevnte er overraskende lett å spikre, fordi du forlater et veldig kjent sted, hver del beveger seg i utgangspunktet med kvart trinn-en avstand som lett kan praktiseres. Den vanlige tonen hjelper også.

Bygg stillaset

den andre tingen som skal lede din mikrotonale undervisning er den pedagogiske ideen om stillas, eller » sonen av proksimal utvikling.»Alt dette betyr at hvert nytt konsept må forholde seg til umiddelbart tilstøtende konsepter; og de tilstøtende konseptene gir opphav til innsikt på individnivå.

For eksempel: du lærer ikke å lese av noen som forteller deg hvordan du skal lese. Det er ingen måte å gjøre det bortsett fra å gjøre tilkoblingen på egen hånd mellom individuelle brev-lyder og måten de kombinerer i ord. Din klasseskolelærer ga bare betingelsene for at du skulle gjøre det spranget, ved å få deg til å huske brevlydene, og konfrontere deg med lett dekodede kombinasjoner(og så ikke så enkle).

prinsippet her er viktig. Til tross for appellen til en» brute force » – metode, som å lære et stykke utenat fra et syntetisert opptak (nylig lett å produsere, på grunn av teknologi!), vil den taktikken ikke lykkes for de fleste-fordi de ikke har internalisert byggesteinene for å få de nye intervaller » pinne.»Og mange kan være villige til å gjøre det store tekniske spranget i utgangspunktet; det er ikke derfor de er i kor.

så, vi må se på hvordan vi kan gi stillaset.

vi har allerede dekket to viktige ting, som skjer i normal korsang, og kan brukes til mikrotonal sang. Det som nå følger er en liste over flere konsepter, hver bygning på forrige, og noen ressurser til å mestre dem. Det er to veier, En Rettferdig Intonasjonsvei og en lik divisjon.

Bare Intonasjonsvei: Ekspressiv Intonasjon

Ironisk nok begynner denne banen med motsatt Av Bare Intonasjon: «ekspressiv intonasjon.»

Ingen ringere Enn Ezra Sims, den store eksponenten for 72edo, ble satt på mikrotonalbanen av Sin kordirigent, Hugh Thomas. Thomas insisterte på hans ensembler synge svært høy ledende toner når løse til tonics, og svært lav 4ths når løse til 3rds, blant annet. Under en slik innflytelse, Sier Sims, «du er ansvarlig for å finne det vanskelig igjen å tro (uansett hvor mye tastaturinstrumentene kan prøve å overbevise deg om at det er slik) at Det for eksempel Er En Ting Som Er G-skarp, en frekvens som definerer Det for alltid og alltid, Amen.»

Ekspressiv intonasjon, på sitt groveste, er veldig intuitiv. (Overdriv tendensen til tendensen toner !) Så, hvis det kan oppnå målet om å banke sangere ut av en fast-tonehøyde måte å tenke på, så glatter det veien fremover betydelig.

Faktisk Bare Intonasjon

Fahad Siadat har en serie artikler som skal videreføres på nettsiden til hans forlag, som introduserer Emnet For Bare Intonasjon for kor. Noen fyldigere ressurser tilgjengelig inkluderer Harmonic Experience Av Wa Mathieu, som jeg nevnte i den siste artikkelen; Og Just Intonation Primer Av David B. Doty, som er ganske mer direkte.

en praktisk kordirektør kan velge bare noen få intervaller å jobbe med. Major thirds og harmonic 7ths er nyttige til å begynne med, fordi de er enkle å demonstrere. Ta med en cellist for å spille naturlige harmonier og sammenligne dem med piano! Ta med en barbershop quartet på høyt nivå for å «ringe» noen akkorder! Først utvikler du bare ideen om at det finnes flere tilgjengelige «smaker» for et gitt intervall, hver med en annen funksjon.

Bruk det som er relevant for stykket ved hånden. Hvis koret ditt bare legger til den harmoniske 7. i vokabularet, så er Det nok å begynne å jobbe Med Ben Johnstons I ‘m Goin’ Away.

Kvantifisere Komma Skift

Ross Duffin er kjent for sin bok om meantone og godt temperament, Hvordan Lik Temperament Ødela Harmoni (Og Hvorfor Du Bør Bry deg). Men han skrev også en fantastisk forsvar av, og metode For, Bare Intonasjon praksis, som hengsler på å finne og bruke syntonisk komma. Dette er en svært nyttig måte å tenke systematisk om tuning 3rds, 6ths og 7ths sammenlignet med 4ths og 5ths. Det er fritt tilgjengelig her. Han inkluderer selv øvelser for å praktisere typiske problematiske intonasjonssituasjoner som kan oppstå.

Hilliard Ensemble og Nordic Voices innlemmer regelmessig dette grunnleggende systemet (forskjellig i detaljene) i sin praksis. Hvis koret ditt synger Renaissance counterpoint ett semester, ser på intonasjon gjennom dette objektivet, kan det følgende semesteret utvide mikrotonaliteten ytterligere:

Utvidet Bare Intonasjon

Nå kommer Vi inn i rare ting. Det er mulig, med mye repetisjon og en bunnsolid referanse, å huske og reprodusere intervaller av de høyere overtonene i den harmoniske serien.

en mulig referanse er overtonsang (fahad Siadat, personlig kommunikasjon), som—på en lav fundamental—pålitelig kan produsere harmoniske minst opp til den 14., og kanskje videre. Et retuned digitalt tastatur er en annen potensiell ressurs.

Men Det er også et bemerkelsesverdig sett med øvelser tilgjengelig: Andrew Heathwaite utviklet et system for å synge gjennom alle mulige intervaller som oppstår mellom medlemmer av en gitt gruppe overtonbaserte tonehøyder, sjarmerende kalt Singtervals. Andre har utdypet dette. Det er overraskende logisk og intuitivt, ved hjelp av en liten endring av solfè stavelser.

hvis en sanger skulle gjøre å lytte til, forstå og synge denne typen matrise en del av sin daglige praksis, ville de snart kunne nærme seg et strengt overtonal (eller undertonal) stykke Som Henk Badings Kontrast uten mye lidelse.

Kvarttonebane: Mellom Toner

ved å starte på nytt i begynnelsen av en annen vei, kan vi bruke folks evne til å synge like-ish toner mellom tonehøydene i et lite og kjent intervall, for å begynne å utvikle et ekte kvarttoneramme. Først kan du bare legge til en øvelse til normale oppvarming: Syng F-Gb, deretter f-F kvartskarp-Gb, og så det samme i motsatt retning. De ytre tonene er selvsagt lett sjekket på pianoet.

Full 24-Tone Skala

hvor det blir interessant er å ekstrapolere denne enkle teknikken til alle mellomliggende posisjoner i kromatisk skala. Robert Reinhart, som underviser i musikkteori og auditive ferdigheter ved Northwestern University, tildelte mellomliggende vokaler til kvart-tonale tonehøyder mellom solfè notater, for eksempel ra-reh-re-rih-ri for alle varianter av andre skala grad re. Han designet—og brukte i klasserommet-progressive øvelser for å trene øret på de nye intervaller. I mange tilfeller involverer disse først å synge kjente intervaller; deretter fylle hullene med kvarttoner; og så til slutt synge bare de endrede tonene, mens du lytter til de mer kjente omkringliggende tonene.

Dette er bare en forlengelse av syngsangpedagogikk i movable-do-systemer! For eksempel, for å lære mønsteret do-fa-la (vanskelig for nybegynnere), kan man gjentatte ganger synge en stor skala, og gradvis fjerne de mellomliggende tonene re, mi og sol; først auditere dem, og deretter gjøre det kognitive spranget til å bare synge do-fa-la uten krykke.

Reinhart har presentert på dette emnet, og jobber for tiden med en systematisk samling av kvart-tone solfè øvelser, gradert etter vanskelighetsgrad.

du kan også bruke dette grunnleggende rammeverket til å dele, si halvtoner i grupper på tre sjette toner-eller hele toner i femte toner, hvis du synger Renaissance enharmonic musikk. De spesifikke vokalene i din utvidede solfè spiller ingen rolle så mye, så lenge de er konsistente.

Går Dypere: 72-Toneskala

Julia Werntz er den nåværende bæreren av 72edo aural skills-tradisjonen ved New England Conservatory, som etterfølger Joe Maneri. Hun lærer elevene å høre, utføre og komponere med tolvte toner—det vil si kvarttoner hver videre delt inn i tredjedeler. Hennes klasse begynner med å utvikle en kvart tone rammeverk, og utdyper derfra. Kursboken, Steps to The Sea, er både svært tilgjengelig (med mange lydeksempler) og lett tilgjengelig.

når vi kommer inn i tolvte toner, Begynner De Bare Intonasjon og like divisjonsveier å fusjonere. For sangere spesielt, de enklere Bare Intonasjon intervaller svarer så nøyaktig med plasser i gamut av 72 toner per oktav, at forskjellen-maksimalt ca 5 cent, og vanligvis under 3-er bokstavelig talt umulig å produsere med stemmen.

faktisk, en nylig studie Av Matthias Mauch et al. viser at, selv for erfarne sangere, bare Merkbar Forskjell og median tonehøyde produksjonsfeil på et gitt notat både sveve rundt 18 til 19 cent—litt over en hel 12th-tone! Studien handlet om solo melodisk sang, og intonasjonsnøyaktighet kan være noe høyere i harmonisk sang (spesielt i barbershop); men ikke så mye som du tror.

(Ulike kilder gir forskjellige beløp for Den Bare Merkbare Forskjellen i ulike sammenhenger, og 5-8 cent er den vanlige verdien sitert. Men i tilfelle av sung plasser, synes litt mer kaos å herske.)

Heldigvis, hvis du lurte på, kan mikrotoner virkelig læres, og øretrening i 72edo har virkelig effekten av å øke tonediskriminering og produksjonsevne. Det temmer noe av det latente kaoset av musikkfremstilling.

Sluttresultatet

hvis du har gått gjennom alt dette med koret ditt, så er du obsessiv, og de er all saints. Det du virkelig bør gjøre er å velge og vrake blant disse mulighetene, basert på hva som skjer i selve stykket. Dette er hva jeg har gjort. Men hvor jeg kanskje ikke har brukt en bestemt teknikk selv, har den blitt feltprøvd av andre. De gjør alle virkelig det de hevder.

Potensielle Dårlige Resultater

som jeg lovet tidligere, her er Den første bevegelsen Av Carrillos Misa:

Dette er ikke, skal vi si, en prøvestein ytelse. Sangerne kan ha antatt at målet var en «utenomjordisk» lyd, og antagelig hevdet nok suksess til å slippe opptaket. Men dessverre utførte de hele poengsummen unøyaktig, inkludert hva som burde vært de» denne verdslige » delene.

De er pitchy fra begynnelsen. Ved 0:58 er tenoren en hel halvton flat i forhold til de andre, noe som fører Til En lydende Ab-major i første inversjon, i stedet for den skrevne c-forsterkede akkorden. (Når det skjer igjen klokka 1: 07, kan du høre ham drive oppover for å prøve å rette opp det.) I musikken som er i ramme fra 1:32, synger den fattige Bassen 1 skrevet perfekt 5ths som tritoner, fordi han ikke kan få det nedre notatet til å gå ned langt nok. Og så videre. Hvis man hørte dette som et eksempel på mikrotonal korsang, kan man bli tilgitt for souring på ideen.

men til tross for manglene i denne spesielle ytelsen, ble stykket faktisk skrevet på en måte som kunne være lett å forstå-ved hjelp av taktikken jeg har skissert ovenfor. Det kan til og med fungere som et første venture i mikrotonalitet for et kor!

Her er hvordan jeg ville nærme seg det.

• Først vil jeg legge til kvarttoner til oppvarmingene i begynnelsen av repetisjonene – bare å dele en halvton. Dette skjer hele tiden I Misa, så koret ville få mye kjørelengde fra bare den øvelsen.
• da, også i oppvarming, ville vi bygge forsterkede akkorder og andre heltonesonoriteter, som og i forskjellige inversjoner. Dette Er Carrillos byggesteiner for stykket. De er noe uvanlig som strukturelle elementer i konvensjonelle kor repertoar, så de ville kreve forsterkning for å være nyttig som mål.
• da vi gikk til selve stykket, ville vi synge segmenter uten kvarttoner som griper inn, og sørge for at koret har memorisert målet heltonesonoriteter i deres større harmoniske rammeverk.
• Endelig er det på tide å sette inn kvarttonene. Vi ville gjøre dette en del av gangen, først, å sementere melodisk bevissthet.
• nå, overraskelsen! Carrillo setter hjelpsomt alle kvart-tonale endringer i vertikal justering, annet enn noen suspensjoner. Stykket veksler mellom en 12-tone «verden» og den komplementære «verden» i 24edo. Så, sonoriteter bygget av de endrede tonehøydene er generelt kjent. Sonoriteten på 1: 11, på det andre slaget av det siste målet i rammen, er faktisk en kvart-flat major akkord i første inversjon—så det skal høres ut som en major akkord i første inversjon! Alle kjenner den lyden.

Alt dette er helt tapt i den jammer, loosey-goosey intonasjon av denne ytelsen. Jeg tror en nøyaktig tolkning, derimot, ville avsløre et stykke ekstraordinært annerledes karakter enn det som presenteres i opptaket: kanskje oppsiktsvekkende i hvor tilgjengelig det egentlig er.

Konklusjon: Praktiske

Her er noen diverse forslag jeg kan gi om undervisning mikrotoner til kor.

Bruk oppvarming for å forsterke nye musikalske konsepter, hvis det ikke var klart allerede. Hvorfor kaste bort tid på å synge store skalaer eller arpeggios hele oppvarmingen, når du kan øve kvarttoner ved repetisjon,eller bygge harmoniske akkorder? Dette reduserer undervisningstiden på selve mikrotonalstykket.

Spill Absolutt Ikke en toneklynge i stedet for en mellomliggende tone, hvis du modellerer en mikrotonal melodi på et standard piano. Dette gjør ingenting for å forestille banen (hører vi «A D» når C-E spilles? Ikke faen! Så hvorfor skulle vi høre En d kvart skarp når D-Eb spilles?), og det modellerer en dissonans, som koret vil gi deg. Bedre å hoppe over den endrede banen-eller enda bedre:

Modell med stemmen når det er mulig. Dette er ikke bare enklere å følge enn et tastatur, men det viser også at passasjen faktisk kan utføres.

Juster tastaturet På nytt hvis det er digitalt. Oppgaven er nå i utgangspunktet triviell, med tilgjengelig teknologi; men det kan ikke være slik for deg personlig. Hvis det er tilfelle, og du er en person som vil lese dette, så har du sikkert venner som er store nerder som deg, unntatt med datamaskiner. Du kan be dem om en tjeneste eller leie dem til å gjøre det for deg. BitKlavier er gratis programvare med en enkel læringskurve; hvis De kan programmere I Max / MSP, bør de kunne bruke Rene Data uten mye oppstyr, som også er gratis; eller du kan shell Ut For PianoTeq Standard, som har profesjonell lydkvalitet og meget gode mikrotonal tuning kontroller. Det er mange andre alternativer, men disse er en start.

Arbeide tett med akkompagnatør er kritisk, spesielt hvis noen nøkler er remapped drastisk! Men igjen, hvis du er en person som leser dette, er akkompagnatøren din sannsynligvis spill for det.

Gjør alle de vanlige korgreiene først-snakk stykket i rytme – mål for presise cutoffs, bruk uttrykksfull frasering, tolk teksten-slik at de skjønner hvor mye de allerede vet hvordan de skal gjøre.

Riktig pustestøtte er helt uunnværlig. Ukjennskap forårsaker usikkerhet, og usikkerhet forårsaker feil støtte, og feil støtte skaper sagging tonehøyde og dårlig klang, noe som gjør prosjektet uendelig vanskeligere. Så, aldri miste av syne at grunnfjellet av en godt støttet lyd og komme tilbake til det ofte.

Viktigst, du må formidle glede i musikken. Og er det ikke det det alltid handler om?

Meld deg på vårt månedlige newmusicbox nyhetsbrev