Fine Art Fotografie

een eerdere versie van dit artikel werd voor het eerst gepubliceerd in 2015. Het is bijgewerkt.

de markt voor Beeldende kunstfotografie heeft een eigen vocabulaire en eigen methoden voor waarde-en prijsbepaling. Fotografen die hun fine-art prints willen verkopen aan verzamelaars of musea moeten beslissingen nemen over hoe ze hun werk moeten prijzen, hoe groot hun limited editions moeten zijn, hoe ze hun werk op de markt moeten brengen en hoe ze hun inventaris moeten beheren terwijl ze verkopen. Ze moeten ook begrijpen hoe de markt en het bedrijf van het runnen van een galerie verandert in het licht van economische druk en technologische veranderingen die nieuwe manieren bieden voor verzamelaars om kunstfotografie te ontdekken en te kopen.Om de werking van de hedendaagse beeldende kunstmarkt beter te begrijpen, heeft PDN talrijke galerijdirecteuren, particuliere handelaren en verzamelaars geïnterviewd en ook met fotografen gesproken die erin zijn geslaagd een succesvolle carrière op te bouwen bij het maken van kunst en het verkopen van prenten, zowel op eigen initiatief als via galeries. Hun advies en ervaring, ontleend aan artikelen in de archieven van PDN, bieden een gids voor fotografen die hun beeldende kunstprenten op de markt willen brengen en hun carrière als kunstenaar willen bevorderen.

de gearchiveerde artikelen die hier worden weergegeven. Klik op de krantenkoppen om de volledige verhalen te lezen.

A Guide to Pricing Your Prints
galeriehouders zijn het erover eens: u kunt de prijzen altijd verhogen, maar nooit verlagen. Naast de prijsstelling van hun werk te hoog voordat ze zijn gevestigd, opkomende kunstenaars maken de fout van het uitgeven van edities die te groot zijn. Het houden van edities klein-liefst zes prenten of minder, zegt ze-wordt steeds belangrijker, omdat meer hedendaagse kunstverzamelaars gewend zijn om te investeren in unieke schilderijen beginnen met het verzamelen van foto ‘ s. “Ik smeek kunstenaars om één editie van drie tot vijf uit te geven”, zegt de New Yorkse galeriehouder Andrea Meislin.

het verhogen van uw prijzen hangt van vele factoren af, zeggen galeristen, waaronder niet alleen hoe goed uw prints hebben verkocht, maar wie ze heeft gekocht.

Wat Betekent” Limited Edition ” Werkelijk?
twintig jaar geleden was een oplage van minder dan 20 prenten zeldzaam; nu verkopen galeries zelden werk van een fotograaf die in edities van meer dan tien drukt. Verzamelaars verwachten dat de fotografische prenten die ze verwerven schaars blijven zodat ze hun waarde behouden. Maar veel fotografen hebben op een later tijdstip nieuwe edities uitgegeven in grotere formaten, of met behulp van verschillende printprocessen, of beide: soms is het om creatieve redenen, maar vaak is het om de stijgende waarde van een werk waarvoor de bestaande limited-edition prints uitverkocht zijn, te incasseren. New York, Californië en andere staten hebben statuten die een “limited edition” definiëren en beperken wat een fotograaf kan doen om te profiteren van een enkele afbeelding. In Philadelphia gevestigde Fotografie dealer Alex Novak, voor een, minces geen woorden. “Of het nu illegaal is of niet, het is onethisch” om nieuwe edities uit te geven die eerdere kopers hadden geen waarschuwing zou kunnen worden gemaakt, zegt hij. “Het doet pijn aan de mensen die je eerder hebt verkocht.”En fotografen kwetsen zichzelf door de marktwaarde van hun werk en hun naam te verdunnen.

het beheren van uw inventaris van Limited-Edition Prints
door edities te beperken, beperken kunstenaars ook de inventaris die ze kunnen verkopen. Wanneer de laatste druk in een editie verkoopt, “je kunt er niet zomaar een afdrukken voor het nageslacht,” zegt private dealer Lee Marks van Lee Marks Fine Art. Of u wilt verkopen of sparen voor de toekomst – wanneer u mogelijk equity nodig hebt, of het aan een instelling of erfgenaam geeft—is een zeer persoonlijke beslissing die elke geïnterviewde fotograaf PDN anders vindt, afhankelijk van hun carrière, hun vooruitzichten en hun kijk op hun nalatenschap.

het beheren van uw voorraad hangt ook af van een nauwkeurige administratie. Dat is vooral belangrijk voor dealers die gebruik maken van stepped pricing: in een oplage van tien, bijvoorbeeld, prints 1 tot en met 3 verkopen voor de laagste prijs en nummers 4 tot en met 6 kosten meer, tot en met de laatste druk. Het bijhouden van nauwkeurige gegevens over hoeveel prints ze hebben verkocht, weggegeven of uitgeleend voor een tentoonstelling is essentieel voor elke fotograaf om prijsfouten te voorkomen—zoals de verkoop van de vierde print tegen de prijs van de derde print. “Als iemand belt en zegt:’ Ik hou van dit beeld. Waar staat het in de editie?’we weten het,’ zegt Michael Foley van Foley Gallery.

wat te verwachten van de relatie fotograaf/Galerie
wie betaalt de productie, promotie, verzending? Wat betekent “exclusiviteit” of “zending” precies? “Een geschreven document is essentieel,” benadrukt Fotografie consultant Mary Virginia Swanson, auteur van Finding Your Audience: A Guide to Marketing Your Photographs. “Veel galeries gebruiken er geen, dus kunstenaars moeten met een dealer praten als ze geen contract aanbieden om te bespreken wat de verwachtingen zijn.”

Dealers, fotografen en galeriehouders bespreken enkele van de voorwaarden waarover moet worden onderhandeld en leggen uit waar misverstanden vaak voorkomen.

wat (en hoe) verzamelaars Nu Kopen
in PDN ‘ s artikel uit 2011 “What Collectors Want” legde avid photo collectors uit hoeveel ze beïnvloed zijn door de grootte van de editie, de prijs en de reputatie van de galerie van de kunstenaar.In 2018 was het aantal manieren waarop verzamelaars kunstenaars vonden en prenten kochten, toegenomen. PDN interviewde vijf verzamelaars: Ze omvatten een nieuwkomer die was het onderwijzen van zichzelf over de fotografie markt, een verzamelaar die een grote collectie van beelden in een genre heeft vergaard, een lange tijd dealer die prints koopt voor zichzelf “overal en overal,” en een toevallige verzamelaar die zegt dat zij en haar man kopen een foto die ze bewonderen als “we zouden graag om het te zien elke dag.”

deze verzamelaars zeiden dat ze de kunst die ze gekocht hebben gevonden via online benefietveilingen voor Non-profits en kunstorganisaties, eBay, galeries die ze regelmatig bezoeken, non-profit kunstruimtes, en publicaties en blogs zoals Photograph en The Washington Post In Sight blog.

ten minste één zei dat hij artist statements “off-putting” vindt, maar waardeert de mogelijkheid om fotografen te ontmoeten en te leren over hun proces en invloeden. Toen de in San Francisco gevestigde fotograaf Sarah Christianson een verzamelaar vertelde dat zijn aankoop van prints haar in staat stelde om haar project voort te zetten, “ging de kleinste gloeilamp af,” zegt de verzamelaar. “Het soort van draaide me op deze fase van mijn verzamelen waar ik voel dat het de moeite waard het ondersteunen van kunstenaars.”

een andere verzamelaar heeft werk van jonge kunstenaars gekocht. Sommige, zoals Alex Prager, Sam Falls en Matthew Pillsbury, “hebben uiteindelijk steeds goed bekend,” zegt hij. Hij voegt eraan toe: “het is leuk om daarin te investeren, omdat deze kunstenaars, vooral de jongeren, het moeilijk hebben om hun brood te verdienen.”

How To Sell Your Work without a Gallery
fotografen die ervoor kiezen om prints zelf te verkopen, kiezen voor verschillende benaderingen, van het verkopen van kleine, open edities tegen lage prijzen om een groot aantal kopers aan te spreken, tot het verkopen van beperkte edities tegen galerijprijzen. Maar welke methoden ze ook kiezen, ze moeten manieren vinden om de afdrukkwaliteit te controleren, betalingen af te handelen en verzending te beheren. Er is geen manier om de klantenservice te stroomlijnen. Helen Jones-Florio, die een online galerij lanceerde om werk van Jason Florio en andere fotografen te demonstreren, zegt dat kopers afdrukken kunnen bekijken en online een prijslijst kunnen krijgen, maar toch persoonlijke service verwachten. Het opent een dialoog en helpt hun geest op hun gemak te stellen, ” zegt ze.

verpakken en mailen afdrukken is “een ton van het werk, tenzij je een fulltime studio manager en een of twee stagiairs,” zegt Ryan Pfluger. Veel fotografen laten die taak liever over aan het lab dat ook hun drukwerk afhandelt. Fotograaf Sara Macel regelt het zelf. Ze vertelt haar kopers dat zodra ze heeft ontvangen betaling via PayPal of een credit card transactie, verzending kan duren ongeveer twee weken, en kost tussen de $100 en $150, afhankelijk van de grootte van de afdruk. “Ik probeer persoonlijke accenten toe te voegen om te laten zien dat het rechtstreeks van mij komt, niet van de printer”, zegt ze. Tijdens de feestdagen stuurt ze haar verzamelaars een briefje en een kleine lettertjes. “Het is een manier om contact te houden, en ze een mooi briefje te sturen, maar ze er ook aan te herinneren dat ik misschien meer spullen heb die ze kunnen kopen.”

13 Tips voor het opbouwen van uw netwerk voor Beeldende Kunst
een belangrijk onderdeel van het werken als kunstenaar is het aangaan van relaties met mensen die eerlijk advies en kritiek geven, introducties geven, pleiten voor en steun geven aan iemands werk, en vriendschap en een gevoel van gemeenschap bieden. Deze mensen kunnen oudere kunstenaars, collega ‘ s, curatoren, galeristen, mecenassen of anderen zijn die geïnteresseerd zijn in kunst en de promotie ervan. “De kunstwereld is socialer dan wat dan ook”, zegt Daniel Shea. “Het is een wereld die politiek bestaat rond interpersoonlijke relaties, in voor-en tegenspoed.”

fotografen die voor andere kunstenaars hebben gewerkt of crit-groepen met collega ‘ s hebben gevormd, zeiden dat zij van het advies en de gedeelde informatie hebben geprofiteerd. Anderen solliciteerden en landden kunstenaarsresidenties waar ze andere kunstenaars konden ontmoeten, of zochten mentoren door contact op te nemen met kunstenaars die ze bewonderden. In het begin van zijn carrière nam Shea contact op met Brian Ulrich voor advies. Shea herinnert zich: “Ik denk dat hij kon vertellen dat ik was echt hongerig en enthousiast om te leren, en dat ik nam wat ik deed zeer serieus en ik echt gerespecteerd wat hij deed.”
hoewel het voor de meeste kunstenaars niet realistisch is om al vroeg in hun carrière met grote curatoren, galeries of instellingen te werken, vormden fotografen die banden hadden met jonge curatoren en galerieassistenten lange relaties. Christopher Churchill herinnert zich een aantal adviezen die hij kreeg van een gallery director: “je moet gaan voldoen aan de curatoren die uw leeftijd, die zijn toegewijd aan het en gaan bewegen door hun carrière als je beweegt door je carrière.”Om deze mensen te vinden, zegt Ulrich,” toon werk aan iedereen.”Dat is advies dat hij kreeg van een galeriedirecteur, en het “verlichtte veel druk van die vergaderingen,” moedigt hem aan om contact op te nemen met mensen “gewoon om elkaar te ontmoeten, hallo te zeggen en hun gedachten over het werk te horen.”

Hoe maak je een opvallende inzending voor Awards en Juryrecensies samen
jury competities, tentoonstellingen en portfoliorecensies bieden kunstenaars de kans om hun werk te presenteren aan curatoren, redacteuren en uitgevers, en om een voet tussen de deur te krijgen met galeries, musea en non-profit kunstorganisaties die geen ongevraagde inzendingen accepteren. Directeuren van non-profits raden aan om te onderzoeken wat de galerie of competitie eerder heeft geëerd, en te weten wat andere fotografen hebben gedaan over het onderwerp dat u aanspreekt. Laura Pressley van CENTER zegt dat juryleden op zoek zijn naar beelden die “een verhaal vertellen op een nieuwe, fantasierijke manier”, dus adviseert ze fotografen om werk in te voeren dat op tijd en riskant is.

een fotograaf moet ervoor zorgen dat zijn digitale inzending een goede weergave is van zijn werk. Sarah Stolfa van PPAC in Philadelphia zegt juryleden merken een goede volgorde van beelden: “dat helpt communiceren de intentionaliteit van de kunstenaar.”(Voor meer informatie over dit onderwerp, lees ons interview met een non-profit Gallery director over hoe fotografen moeten opvolgen na een portfolio review )

hebben bakstenen en mortel galerijen een toekomst?In 2017 spraken kunsthandelaar en consultant Sasha Wolf en galeriehouder Michael Foley over het bedrijfsmodel van de fysieke galerie en de nieuwe manieren waarop potentiële kopers kunstenaars vinden. Hun gesprek, dat plaatsvond een paar maanden nadat Wolf sloot haar galerie na tien jaar en begon met de verkoop van kunst particulier, werd gemodereerd door gallerist David Dixon, en georganiseerd door Stropheus, een collectief van kunst recht en zakelijke professionals die gespecialiseerd is in het dienen van de kunst gemeenschap.
Wolf noemde een aantal redenen om haar ruimte op te geven.

“een van de dingen die mij ertoe hebben gebracht mijn publieke ruimte op te geven is dat het overgrote deel van mijn verkopen naar mensen ging die niet kwamen” om de galerieruimte te bezoeken, zegt Wolf. “De laatste zes of zeven verkopen die ik heb gedaan waren aan mensen die ik nooit heb ontmoet.”Op dat moment, zegt ze, was haar overhead voor een ruimte in Manhattan echt gek.””Een andere factor, zei ze, was de verwachtingen van haar kunstenaars dat ze moesten doen een show om de twee jaar, want dat is “de industrie norm.”Ze legt uit,” het maakt niet uit hoe vaak ik mijn kunstenaars bleef vertellen om te ontspannen en dat dit gewoon een vals paradigma was, ze konden er echt niet aan ontsnappen omdat het de manier is waarop de industrie werkt. Het begon niet goed te voelen, alsof ik te veel shows opzette die niet volledig gebakken waren.”Instagram, Facebook, this post and that post” (“niet via Instagram, niet via Facebook, niet via this post en that post”), zei Foley, wiens galerij zich bevindt aan de Lower East Side van Manhattan.”Hij merkt op,” Ik denk dat een artiest moet voorzichtig zijn over wat ze vrijgeven en wanneer ze het vrijgeven.”

Foley merkt ook op dat kunstbeurzen en onlinemarktplaatsen nu vaker voorkomen. “We moeten proberen om al deze verschillende manieren te begrijpen die mensen ervaren, kopen en ermee omgaan, en erachter te komen wat het beste is en hoeveel van mijn middelen moet gaan in elke en welke is het blijken te zijn de meest succesvolle. Op dit moment lijkt het alsof ze allemaal tegelijkertijd plaatsvinden, maar de vraag is, vijf of tien jaar later, wat gaat er naar de top stijgen?”

de groeiende markt voor Beeldende Kunstvideo ‘ s
technologische ontwikkelingen helpen verzamelaars zich vertrouwd te maken met het idee om videogebaseerde kunst te kopen. Het kopen van videowerken betekent niet langer dat je je inzet voor de installatie van een omvangrijke televisie of het vinden van de ruimte voor een projector; videokunst en multimedia kunnen nu naadloos worden weergegeven op slanke monitors die netjes aan een muur hangen. De geïnterviewde fotografen-geworden-video kunstenaars PDN leggen uit dat verzamelaars van videowerk nu individuen, evenals grote instellingen omvatten.Het vertegenwoordigen van videokunstenaars zoals Gregory Scott heeft “onze markt volledig uitgebreid”, zegt Catherine Edelman, die een galerie bezit die bekend staat om de verkoop van fotografie. Deze verzamelaars zijn voornamelijk verzamelaars van hedendaagse kunst. “Er is iets aan video dat vandaag de dag zo toegankelijk is”, voegt Edelman toe. “We zijn allemaal op zoek naar die persoon die ons hart op gang krijgt, en is de enige weg die ik ben zeker op zoek naar.”

How to Get Notced—and Inmanded—by an Art Advisor

CPW ‘ s Director on the Importance of Follow-up after a Portfolio Review

Brian Ulrich: On Creating, Funding and supporting Your Long-Term Photo Project

Cole Barash on What He Learned from Daniel Shea about Presenting Fine-Art Photography