On Demand afspeellijsten en Tracks

koren zijn er voor de gemeenschap.Het eerste wat we moeten weten over koren onder het professionele niveau is dat we, naar mijn vaste overtuiging, er vooral voor de Gemeenschap in geloven. Er is natuurlijk ook trots op de technische uitvoering! Maar veel meer nog, het gaat over het overbrengen van emotie, en het ervaren van dezelfde emotie, en zo het creëren en onderhouden van de banden van de Gemeenschap met elkaar en met een publiek.

bovendien is het vrij gebruikelijk om ervaren koorzangers te ontmoeten met een beperkte zichtlezencapaciteit, die in plaats daarvan vertrouwen op een fijn ontwikkelde vaardigheid in het behouden en herhalen van melodieën die ze horen. De notatie wordt dan, zoals in het middeleeuwse Europa, meer een geheugenhulpmiddel dan een set expliciete instructies.

de vreugde is dat het de ervaring van gemeenschappelijke muziek maken in het bereik van een zeer grote bevolking brengt. De uitdaging is dat de regisseur heel vaak, noodgedwongen, een leraar is. Dus, voor amateurkoren, is er geen garantie dat de zangers het hele-score bewustzijn zullen hebben dat een kenmerk is van elite ensembles; en voor velen is er in principe een garantie dat ze dat niet zullen doen!

waarom zou iemand in hemelsnaam proberen om microtonale muziek in dit ecosysteem te brengen? Nou, voor een ding, het zal helpen scherpen ieders intonational bewustzijn—die hard nodig kan zijn. Maar, op zijn eigen voorwaarden: Er zijn nieuwe werelden van emotie te verkennen die niet beschikbaar zijn met 12 gelijke tonen alleen!

echter, een regisseur in deze omstandigheden moet het stuk in kwestie te verkopen aan een misschien sceptisch ensemble. Gebruik uw volledige grenzeloze enthousiasme om de methodische technieken hieronder te ondersteunen. Als de zangers je leuk vinden, geven ze het een kans.

met alle voorbehouden uit de weg, dan, laten we naar de technische kant.

de technische kant

voor het onderwijzen van microtonale passages pleit ik voor een” bimodale, doelgerichte ” benadering. Ik koos voor deze naam omdat ik een titel nodig had die zowel accuraat als indrukwekkend klinkend was voor een papieren voorstel. (Het werkte.) Maar hier is wat ik bedoel:

bimodaal – vereist een geïntegreerd bewustzijn van zowel de horizontale als verticale aspecten van elke toonhoogte Verandering. Dat wil zeggen, men moet rekening houden met de relatie van een nieuwe toonhoogte tot de toonhoogte die hij net heeft verlaten, en ook de context binnen de sonoriteit waarin hij aankomt. Deze zijn vaak onafhankelijk.

Doelgebaseerd-afhankelijk van het anticiperen op het vertrouwde, of het nu melodisch of harmonisch is, of beide. Wanneer dit gebeurt, kunnen dingen gemakkelijker op hun plaats vallen, zelfs half-onbewust.

deze twee tactieken zijn al nodig om een goede koormuzikant te zijn binnen het standaard repertoire, maar het is belangrijk om ze expliciet te maken wanneer we met microtonaliteit werken. Een nuttige stap in de richting van het gebruik van hen expliciet in microtonale stukken is het gebruik van hen expliciet voor uitdagende tonale passages. Dus, een regisseur zou kunnen werken aan deze tactiek tijdens het semester vlak voordat een microtonaal stuk is zelfs op het programma.

een tonaal voorbeeld van de bimodale strategie

een illustratieve passage is te vinden in Poulenc ‘ S O Magnum Mysterium. Onder de vele intonationele problemen in dit stuk, denk aan de tritone in de openingstenor, om 0:08 en een paar keer daarna:

de meeste zangers kunnen een tritone eruit trekken, maar het is geen betrouwbaar interval. Het is niet ongewoon om te moeten worden herinnerd hoe het klinkt, met behulp van Maria Of The Simpsons thema als een ezelsbruggetje. (Hier is een hartverwarmende reactie thread van de Simpsons video:)

zelfs als ze het veilig hebben, zal elke persoon het iets anders uitvoeren, vooral als geen van de betrokken tonen fungeert als een leidende toon. De resulterende groep pitch kan wazig zijn. En omdat het een “dissonant” horizontaal interval is, is er vaak de verwachting van een dissonantie waar het landt.

dus, je zingt het langzaam, stem dat akkoord op een lange toon-en het wordt duidelijk dat de” Cb ” in feite een B natuurlijk is, de derde van een G majeur!

de tenoren ervaren nu, idealiter, die probleemplek op twee niveaus. In zekere zin zingen ze een tritonus van de vorige noot. Maar in een andere zin bezetten ze een heel duidelijk “huis” in de resulterende harmonie, een huis dat niets te maken heeft met Triton-achtigheid.

in microtonale muziek is het nog belangrijker om deze twee afzonderlijke niveaus te behouden. Dit komt omdat dergelijke muziek onvermijdelijk vraagt om het zingen van een aantal onbekende horizontale intervallen—en de zangers’ natuurlijke instinct zal zijn om te landen op een verticaliteit die is even “onbekend,” dwz dissonant, en dit instinct is waarschijnlijk verkeerd. We zullen de ongelukkige vruchten van deze aanpak zien in een 1962 uitvoering van het Kyrie uit Julián Carrillo ‘ s Misa A San Juan XXIII later in dit artikel.

een opmerking over doelstellingen

we gaan nu verder met het” target-based ” deel van de aanpak. In microtonale muziek, bijvoorbeeld, als je koor nodig heeft om een onbekende keten van kleine intervallen te zingen—geef ze dan een rotsvast idee van het interval dat ze omvatten, en de tussenliggende tonen kunnen bijna onbewust op zijn plaats vallen. Ze kunnen later worden verfijnd, in een tweede stap.

om te benadrukken hoe makkelijk dit kan klinken als het gemodelleerd wordt, hier is Jacob Collier die dat soort dingen met een klein derde doet:

(zijn volledige discussie hierover begint eigenlijk om 10: 12, maar kom op, Ga het hele ding bekijken. De man is zo hip, het is surrealistisch.)

de doelgerichte aanpak is niet beperkt tot het melodisch invullen van bekende intervallen. Op een bredere schaal gaat het om het bieden van een reeks conceptuele ankers in een stuk—waar zangers hun voet kunnen herwinnen, als ze het onderweg verliezen. Dit kan worden doel melodische intervallen zoals hierboven; maar ook doel harmonische intervallen af te stemmen op (bijvoorbeeld voor ingangen), of doel akkoorden.

nieuw hier is dat de doelen niet muzikaal prominent in het stuk hoeven te zijn—ze kunnen voorkomen op zwakke beats, of op de-benadrukt plaatsen binnen een zin, enz. Ze hoeven alleen maar al bekend te zijn bij de zangers, die ze dan kunnen gebruiken om opnieuw te kalibreren. Bijvoorbeeld, een exotische cadentiële sonoriteit kan het muzikale doel zijn, maar hoeft niet het conceptuele doel te zijn—die rol zou een aangrenzende, minder belangrijke, meer bekende sonoriteit kunnen zijn. Hier is een voorbeeld van dat in een stuk dat ik schreef (die zal worden gehost op NMBx na de première op Januari 24):

dit gaat van slechts een groot akkoord naar een 7: 9:11 in de harmonische serie van B twaalfde-flat (in mijn voorkeur 72edo notatie). De laatste is verrassend gemakkelijk te spijkeren, want je verlaat een zeer vertrouwde plaats, elk deel beweegt in principe door kwart stap-een afstand die gemakkelijk kan worden beoefend. De gemeenschappelijke toon helpt ook.

het bouwen van een steiger

het andere ding dat uw microtonale onderwijs moet leiden is het educatieve idee van steigers, of de ” zone van proximale ontwikkeling.”Dit alles betekent dat elk nieuw concept zich moet verhouden tot direct naast elkaar gelegen Concepten; en de aangrenzende Concepten geven inzicht op individueel niveau.

bijvoorbeeld: je leert niet lezen door iemand die je vertelt hoe je moet lezen. Er is geen manier om het te doen, behalve het maken van de verbinding op uw eigen tussen individuele letter-geluiden en de manier waarop ze combineren in woorden. Je leraar gaf je de voorwaarden om die sprong te maken, door je de lettergeluiden te laten onthouden en je vervolgens te confronteren met gemakkelijk gedecodeerde combinaties (en dan, niet zo gemakkelijke).

het principe is hier belangrijk. Ondanks de aantrekkingskracht van een” brute kracht ” methode, zoals het leren van een stuk door rote van een gesynthetiseerde opname (Nieuw gemakkelijk te produceren, als gevolg van de technologie!), die tactiek zal niet slagen voor de meeste mensen-omdat ze niet hebben geïnternaliseerd de bouwstenen om de nieuwe intervallen ” stok.”En velen zijn misschien niet bereid om die enorme technische sprong te maken in de eerste plaats; het is niet waarom ze in koor.

we moeten dus kijken hoe we de steigers kunnen leveren.

we hebben al twee belangrijke dingen behandeld, die gebeuren bij normaal koorzang, en kunnen worden toegepast op microtonale zang. Wat nu volgt is een lijst van aanvullende concepten, elk voortbouwend op de vorige, en een aantal middelen om ze te beheersen. Er zijn twee paden, Een Just Intonation pad en een equal-division pad.

gewoon Intonatiepad: expressieve intonatie

ironisch genoeg begint dit pad met het tegenovergestelde van alleen intonatie: “expressieve intonatie.”

niemand minder dan Ezra Sims, de grote exponent van 72edo, werd ingesteld op de microtonale pad door zijn undergraduate koordirigent, Hugh Thomas. Thomas drong erop aan dat zijn ensembles zeer hoge leidende tonen zingen bij het oplossen van tonics, en zeer lage 4th bij het oplossen van 3rd ‘ s, onder andere dingen. Onder zo ‘ n invloed, zegt Sims, “zul je het nog steeds moeilijk vinden om te geloven (hoe hard de klavierinstrumenten je ook proberen te overtuigen) dat er bijvoorbeeld één ding is dat G-scherp is, één frequentie die het voor altijd definieert, Amen.”

expressieve intonatie, op zijn ruwst, is zeer intuïtief. (Overdrijf de tendens van de tendentonen!) Dus, als het het doel van het kloppen van zangers uit een vaste toonhoogte manier van denken kan bereiken,dan maakt het de weg naar voren aanzienlijk.

feitelijke intonatie

Fahad Siadat heeft op de website van zijn uitgeverij een reeks artikelen, die het onderwerp “Just Intonation” voor koren introduceren. Sommige vollediger middelen momenteel beschikbaar zijn Harmonic Experience van W. A. Mathieu, die ik vermeld in het laatste artikel; en De Just Intonation Primer van David B. Doty, die wat directer is.

een praktische koordirecteur kan slechts enkele intervallen kiezen om aan te werken. Major thirds en harmonische 7ths zijn handig om mee te beginnen, omdat ze gemakkelijk te demonstreren zijn. Laat een cellist natuurlijke harmonischen Spelen en vergelijk ze met de piano! Breng in een hoog niveau kappershop kwartet om “ring” sommige akkoorden! In eerste instantie, je bent gewoon het ontwikkelen van het idee dat er verschillende beschikbare “smaken” voor een bepaald interval, elk met een andere functie.

gebruik wat relevant is voor het stuk bij de hand. Als je koor alleen de harmonische 7e toevoegt aan hun vocabulaire, dan is dat genoeg om aan Ben Johnston’ s I ‘M Goin’ Away te werken.Ross Duffin is bekend om zijn boek over middentoon en goed temperament, How Equal Temperament Ruined Harmony (and Why You Should Care). Maar hij schreef ook een prachtige verdediging van, en methode voor, gewoon intonatie praktijk, die afhangt van het lokaliseren en gebruiken van de syntonische komma. Dit is een zeer nuttige manier om systematisch te denken over het afstemmen van 3rds, 6th en 7th in vergelijking met 4th en 5th. Het is hier gratis beschikbaar. Hij omvat zelfs oefeningen voor het beoefenen van typische problematische intonatie situaties die kunnen optreden.

het Hilliard Ensemble en Nordic Voices verwerken dit basissysteem (verschillend in de bijzonderheden) regelmatig in hun praktijk. Als je koor een semester Renaissance contrapunt zingt, kijkend naar intonatie door deze lens, dan zou het volgende semester de microtonaliteit verder kunnen uitbreiden:

Extended Just Intonation

nu komen we in de vreemde dingen. Het is mogelijk, met veel herhaling en een rotsvaste referentie, om intervallen van de hogere boventonen van de harmonische reeks te onthouden en te reproduceren.

een mogelijke referentie is boventoon zingen (Fahad Siadat, persoonlijke communicatie), die—op een lage fundamentele—betrouwbaar harmonischen kan produceren ten minste tot de 14e, en misschien nog verder. Een retuned digitaal toetsenbord is een andere potentiële bron.

maar er is ook een opmerkelijke reeks oefeningen beschikbaar: Andrew Heathwaite bedacht een systeem voor het zingen door elk mogelijk interval dat zich voordoet tussen leden van een bepaalde groep boventoon-gebaseerde toonhoogtes, Charmant Singtervals genoemd. Anderen hebben hier al op ingegaan. Het is verrassend logisch en intuïtief, met behulp van een lichte wijziging van notenleerletters.Als een zanger het luisteren naar, het begrijpen van en het zingen van dit soort matrix tot zijn dagelijkse praktijk zou maken, zouden ze al snel in staat zijn om een strikt overtonaal (of ondertoon) stuk als Henk Badings ‘ Contrasten zonder veel lijden te benaderen.

Kwarttoonpad: tussen tonen

beginnend bij het begin van een ander pad, kunnen we het vermogen van mensen gebruiken om gelijke tonen te zingen tussen de toonhoogtes van een klein en vertrouwd interval, om te beginnen met het ontwikkelen van een echt kwarttoonkader. In het begin kun je gewoon een oefening toevoegen aan de normale opwarmingen: Zing F – Gb, dan f – F quarter-sharp – Gb, en dan hetzelfde in de tegenovergestelde richting. De buitenste tonen zijn natuurlijk gemakkelijk te controleren op de piano.

volledige 24-Toonsschaal

interessant wordt het extrapoleren van deze eenvoudige techniek naar alle tussenliggende posities in de chromatische schaal. Robert Reinhart, die muziektheorie en auditieve vaardigheden aan de Northwestern University doceert, toegewezen intermediaire klinkers aan de kwart-tonale toonhoogtes tussen notenleer noten, zoals ra-reh-re-rih-ri voor alle variëteiten van de tweede schaal graad re. Vervolgens ontwierp hij—en gebruikte hij in de klas—progressieve oefeningen om het oor te trainen op de nieuwe intervallen. In veel gevallen gaat het om het eerst zingen bekende intervallen; dan vullen de gaten met kwart tonen; en dan uiteindelijk zingen alleen de gewijzigde toonhoogtes, terwijl het auditeren van de meer bekende omringende toonhoogtes.

dit is slechts een uitbreiding van sight-singing pedagogie in beweegbare-do systemen! Bijvoorbeeld, om het patroon do-fa-la (moeilijk voor beginners) te onderwijzen, kan men herhaaldelijk een grote schaal zingen, en geleidelijk verwijderen van de tussenliggende tonen re, mi en sol; eerst auditeren hen, en vervolgens het maken van de cognitieve sprong naar gewoon zingen do-fa-la zonder enige kruk.Reinhart heeft over dit onderwerp een uiteenzetting gegeven en werkt momenteel aan een systematische verzameling van oefeningen op basis van de moeilijkheidsgraad van de kwarttoons notenleer.

ook u kunt dit basiskader gebruiken om bijvoorbeeld halve tonen te verdelen in groepen van drie zesde tonen-of hele tonen in vijfde tonen, als u Renaissance-enharmonische muziek zingt. De specifieke klinkers in je uitgebreide notenleer doen er niet zoveel toe, zolang ze maar consistent zijn.

Dieper Gaan: Julia Werntz is de huidige drager van de 72edo auditieve vaardigheden traditie aan het New England Conservatory, als opvolger van Joe Maneri. Ze leert studenten om te horen, op te treden en te componeren met twaalfde tonen—dat wil zeggen kwart-tonen elk verder verdeeld in derde. Haar klas begint met het ontwikkelen van een kwart-toon kader, en breidt uit vanaf daar. De cursus leerboek, Steps to the Sea, is zowel zeer toegankelijk (met tal van audio voorbeelden) en direct beschikbaar.

tegen de tijd dat we in twaalfde tonen komen, beginnen de net intonatie en gelijke delen paden samen te voegen. Voor zangers in het bijzonder, de eenvoudigere Just Intonation intervallen corresponderen zo precies met toonhoogtes in het gamma van 72 tonen per octaaf, dat het verschil—een maximum van ongeveer 5 cent, en meestal minder dan 3—letterlijk onmogelijk is om te produceren met de stem.In feite is een recente studie van Matthias Mauch et al. laat zien dat, zelfs voor ervaren zangers, het net merkbare verschil en de mediane toonhoogte productiefout op een bepaalde noot beide zweven rond 18 tot 19 cent—een beetje over een hele 12e-toon! De studie ging over Solo melodieuze zang, en intonatie nauwkeurigheid kan iets hoger zijn in harmonische zang( vooral in barbershop); maar niet zoveel als je denkt.

(verschillende bronnen geven verschillende bedragen voor het net merkbare verschil in verschillende contexten, en 5-8 cent is de gebruikelijke geciteerde waarde. Maar in het geval van gezongen toonhoogtes lijkt er iets meer chaos te heersen.)

gelukkig kunnen microtones echt worden geleerd, en gehoortraining in 72edo heeft echt het effect van toenemende toonhoogte Discriminatie en productiecapaciteit. Het temt een deel van de latente chaos van het maken van muziek.

het eindresultaat

als je dit allemaal hebt meegemaakt met je koor, Dan ben je obsessief, en het zijn all saints. Wat je echt moet doen is kiezen uit deze mogelijkheden, gebaseerd op wat er gaande is in het stuk zelf. Dit heb ik gedaan. Maar waar ik zelf misschien nog geen bepaalde techniek heb gebruikt, is die door anderen in het veld getest. Ze doen allemaal wat ze beweren.

potentiële slechte resultaten

zoals ik eerder beloofde, is hier het eerste deel van Carrillo ‘ s Misa:

dit is geen, Laten we zeggen, touchstone performance. De zangers kunnen hebben aangenomen dat het doel was een “ander-wereldse” geluid, en vermoedelijk beweerde genoeg succes om de opname uit te brengen. Maar helaas hebben ze de hele partituur onnauwkeurig uitgevoerd, inclusief wat de “dit-wereldse” delen hadden moeten zijn.

ze zijn vanaf het allereerste begin pitchy. Om 0:58 is de tenor een hele halve toon plat in vergelijking met de andere, wat leidt tot een klinkende Ab Majeur in eerste inversie, in plaats van het geschreven C augmented akkoord. (Als het weer gebeurt om 1: 07, kun je hem naar boven horen drijven om te proberen het te corrigeren.) In de muziek die vanaf 1:32 in beeld is, zingt de arme Bas 1 perfect 5ths geschreven als tritones, omdat hij de onderste noot niet ver genoeg naar beneden kan krijgen. En zo verder. Als je dit hoort als een voorbeeld van microtonale koorzang, zou je het je vergeven dat je het idee verzuurde.

maar ondanks de tekortkomingen van deze specifieke uitvoering, werd het stuk eigenlijk geschreven op een manier die gemakkelijk te begrijpen kon zijn—met behulp van de tactiek die ik hierboven heb geschetst. Het zou zelfs kunnen werken als een eerste onderneming in microtonaliteit voor een koor!

hier is hoe ik het zou benaderen.

• eerst zou ik kwarttonen toevoegen aan de warming—ups aan het begin van de repetities-gewoon een halve toon splitsen. Dit gebeurt constant in Misa, dus het koor zou veel kilometers halen van alleen die oefening.
• dan, ook in warmups, zouden we augmented akkoorden en andere hele-toon sonorities bouwen, zoals en in verschillende inversies. Dit zijn Carrillo ‘ s bouwstenen voor het stuk. Ze zijn enigszins ongewoon als structurele elementen in conventioneel koorrepertoire, dus ze zouden versterking nodig hebben om bruikbaar te zijn als doelwitten.
• toen we naar het stuk zelf gingen, zongen we segmenten zonder de kwarttonen die tussenkomen, en zorgden we ervoor dat het koor de doelklanken van de gehele toon in hun grotere harmonische frame heeft onthouden.
• ten slotte is het tijd om de kwarttonen in te voegen. We zouden dit eerst deel voor deel doen om melodisch bewustzijn te versterken.
• nu, de verrassing! Carrillo zet behulpzaam alle kwarttonale veranderingen in verticale uitlijning, met uitzondering van sommige schorsingen. Het stuk wisselt af tussen een 12-toons “wereld” en de complementaire “wereld” in 24edo. Dus, de sonorities gebouwd door de gewijzigde plaatsen zijn over het algemeen bekend. De sonoriteit op 1: 11, op de tweede tel van de laatste maat in frame, is in feite een kwartflat majeur akkoord in eerste inversie-dus het moet klinken als een majeur akkoord in eerste inversie! Iedereen kent dat geluid.

dit alles gaat volledig verloren in de Jammerende, lossige intonatie van deze voorstelling. Ik denk dat een nauwkeurige interpretatie, aan de andere kant, een stuk van buitengewoon ander karakter zou onthullen dan wat er in de opname wordt gepresenteerd.: misschien verrassend in hoe toegankelijk het werkelijk is.

conclusie: praktische aspecten

hier zijn een paar diverse suggesties die ik kan geven over het onderwijzen van microtones aan koren.

gebruik warmups om nieuwe muzikale concepten te versterken, als dat nog niet duidelijk was. Waarom tijd verspillen met het zingen van grote toonladders of arpeggio ‘ s de hele warming-up, als je kwart tonen zou kunnen oefenen door herhaling, of het bouwen van harmonische-serie akkoorden? Dit vermindert de leertijd op het microtonale stuk zelf.

speel absoluut geen klankcluster in plaats van een tussenliggende toon, als u een microtonale melodie modelleert op een standaardpiano. Dit doet niets voor het verbeelden van de toonhoogte (“horen” we een D, wanneer C-E wordt gespeeld? Echt niet! Dus waarom zouden we een D kwart-scherp horen als D-Eb wordt afgespeeld?), en het modelleert een dissonantie, die het koor u graag zal geven. Beter om de gewijzigde toonhoogte over te slaan—of beter nog:

Model met de stem indien mogelijk. Dit is niet alleen gemakkelijker te volgen dan een toetsenbord, maar het toont ook aan dat de passage is, in feite, uitvoerbaar.

het toetsenbord opnieuw instellen als het digitaal is. De taak is nu in principe triviaal, met de beschikbare technologie; maar het kan niet zo zijn voor u persoonlijk. Als dat het geval is, en je bent iemand die dit zou lezen, dan heb je zeker vrienden die grote nerds zijn zoals jij, behalve met computers. Je kunt ze om een gunst vragen of ze inhuren om het voor je te doen. BitKlavier is vrije software met een eenvoudige leercurve; als ze kunnen programmeren in Max / MSP, dan moeten ze in staat zijn om zuivere gegevens te gebruiken zonder veel gedoe, die ook gratis is; of je kon shell uit voor PianoTeq standaard, die geluid van professionele kwaliteit en zeer goede microtonale tuning besturingselementen heeft. Er zijn vele andere opties, maar deze zijn een begin.

nauw samenwerken met uw begeleider is van cruciaal belang, vooral als de toetsen drastisch opnieuw worden gemapped! Maar nogmaals, als je iemand bent die dit leest, is je begeleider er waarschijnlijk goed in.

doe eerst al het normale koorwerk – spreek het stuk in ritme, streef naar precieze cutoffs, gebruik expressieve frasering, interpreteer de teksten-zodat ze beseffen hoeveel ze al weten hoe te doen.Een goede ondersteuning van de ademhaling is absoluut noodzakelijk. Onbekendheid veroorzaakt onzekerheid, en onzekerheid veroorzaakt onjuiste ondersteuning, en onjuiste ondersteuning zorgt voor slappe toonhoogte en slecht timbre, die het project oneindig moeilijker maakt. Verlies dus nooit dat fundament van een goed ondersteund geluid uit het oog en kom er vaak op terug.

het belangrijkste is dat je vreugde in de muziek moet overbrengen. En daar gaat het toch altijd om?

Meld u aan voor onze maandelijkse newmusicbox nieuwsbrief