Fotografia Artystyczna

wcześniejsza wersja tego artykułu została opublikowana po raz pierwszy w 2015 roku. Został zaktualizowany.

rynek fotografii artystycznej ma własne słownictwo i własne metody oceny wartości i ceny. Fotografowie, którzy chcą sprzedawać swoje odbitki artystyczne kolekcjonerom lub muzeom, muszą podejmować decyzje o tym, jak wyceniać swoje prace, jaki rozmiar powinny mieć ich limitowane edycje, jak sprzedawać swoje prace i jak zarządzać zapasami podczas sprzedaży. Muszą również zrozumieć, jak zmienia się rynek i biznes prowadzenia galerii w obliczu presji ekonomicznej i zmian technologicznych, które zapewniają nowe sposoby odkrywania i kupowania fotografii artystycznej przez kolekcjonerów.

aby lepiej zrozumieć funkcjonowanie dzisiejszego rynku dzieł sztuki, PDN przeprowadziło wywiady z wieloma dyrektorami galerii, prywatnymi dealerami i kolekcjonerami, a także rozmawiało z fotografami, którym udało się zbudować udaną karierę w tworzeniu sztuki i sprzedaży odbitek zarówno samodzielnie, jak i za pośrednictwem galerii. Ich porady i doświadczenie, zebrane z artykułów w archiwach PDN, stanowią Przewodnik dla fotografów, którzy chcą sprzedawać swoje grafiki artystyczne i rozwijać swoją karierę jako artyści.

tutaj znajdują się archiwalne artykuły. Kliknij na nagłówki, aby przeczytać pełne historie.

poradnik Wyceny wydruków
właściciele galerii zgadzają się: zawsze można podnosić ceny, ale nigdy nie można ich obniżyć. Oprócz zbyt wysokich cen swoich prac, zanim zostaną założone, wschodzący Artyści popełniają błąd, wydając zbyt duże edycje. Utrzymanie małych edycji-najlepiej sześciu odbitek lub mniej-jest coraz ważniejsze, ponieważ coraz więcej kolekcjonerów sztuki współczesnej przyzwyczajonych do inwestowania w jedyne w swoim rodzaju obrazy zaczyna zbierać fotografie. „Błagam artystów o wydanie jednej edycji od trzech do pięciu” – mówi właścicielka galerii w Nowym Jorku Andrea Meislin.

podniesienie cen zależy od wielu czynników, w tym nie tylko od tego, jak dobrze sprzedały się Twoje wydruki, ale także od tego, kto je kupił.

Co Tak Naprawdę Oznacza „Edycja Limitowana”?
dwadzieścia lat temu wydanie mniej niż 20 druków było rzadkością; obecnie galerie rzadko sprzedają prace fotografa, który drukuje w edycjach powyżej dziesięciu. Kolekcjonerzy oczekują, że odbitki fotograficzne, które nabywają, pozostają rzadkie, więc zachowują swoją wartość. Ale wielu fotografów wydało nowe edycje w późniejszym terminie w większych rozmiarach lub przy użyciu różnych procesów drukowania, lub obu: czasami jest to z powodów kreatywnych, ale często jest to spieniężyć na rosnącej wartości pracy, dla której istniejące wydruki limitowane zostały wyprzedane. Nowy Jork, Kalifornia i inne stany mają statuty określające „limitowaną edycję” i ograniczające to, co fotograf może zrobić, aby wykorzystać pojedynczy obraz. Filadelfijski sprzedawca fotografii Alex Novak, na przykład, nie ma słów. „Czy to nielegalne, czy nie, to nieetyczne” wydawanie nowych edycji, których poprzedni nabywcy nie mieli ostrzeżenia, może być tworzone-mówi. „To rani ludzi, którym wcześniej sprzedałeś.”A fotografowie krzywdzą siebie, osłabiając wartość rynkową ich pracy i nazwy.

Zarządzanie zapasami wydruków limitowanych
ograniczając edycje, artyści ograniczają również zapasy, które mogą sprzedać. Kiedy sprzedaje się ostatni wydruk w jednym wydaniu,” nie można po prostu wydrukować jednego dla potomności”, mówi prywatny dealer Lee Marks z Lee Marks Fine Art. To, czy sprzedać, czy zapisać na przyszłość—kiedy możesz potrzebować kapitału własnego, czy przekazać go instytucji lub spadkobiercy—jest bardzo osobistą decyzją, z którą każdy fotograf, z którym przeprowadzono wywiad, rozważał inaczej, w zależności od ich kariery, perspektyw i spojrzenia na ich dziedzictwo.

Zarządzanie zapasami zależy również od dokładnego prowadzenia dokumentacji. Jest to szczególnie ważne dla dealerów, którzy stosują stopniowane ceny: na przykład w wydaniu dziesięciu druki od 1 do 3 sprzedają się po najniższej cenie, a numery od 4 do 6 kosztują więcej, aż do ostatniego wydruku. Prowadzenie dokładnej dokumentacji o tym, ile wydruków sprzedali, rozdali lub użyczyli na wystawę, jest niezbędne dla każdego fotografa, aby zapobiec błędom cenowym—takim jak sprzedaż czwartego wydruku po cenie trzeciego wydruku. „Jeśli ktoś zadzwoni i powie:” podoba mi się ten obraz. Gdzie jest w wydaniu?- wiemy-mówi Michael Foley z Foley Gallery.

czego można oczekiwać od relacji fotografa / galerii
kto płaci za produkcję, promocję, wysyłkę? Co dokładnie oznacza „wyłączność” lub „przesyłka”? „Pisemny dokument jest niezbędny”, podkreśla znany konsultant fotograficzny Mary Virginia Swanson, autor Finding your Audience: a Guide to Marketing your Photographs. „Wiele galerii nie korzysta z jednej, więc artyści muszą usiąść z dealerem, jeśli nie dostarczą kontraktu, aby omówić oczekiwania.”

Dealerzy, fotografowie i właściciele galerii omawiają niektóre warunki do negocjacji– i wyjaśniają, gdzie często występują nieporozumienia.

co (i jak) kolekcjonerzy kupują teraz
w artykule PDN 2011 „czego chcą kolekcjonerzy” zapaleni kolekcjonerzy zdjęć wyjaśnili, jak duży wpływ na nich ma rozmiar edycji, Cena i reputacja galerii artysty.

do 2018 r.wzrosła liczba sposobów znajdowania artystów przez kolekcjonerów i kupowania odbitek. PDN przeprowadziło wywiad z pięcioma kolektorami: Byli wśród nich nowicjusz, który uczył się o rynku fotograficznym, kolekcjoner, który zgromadził dużą kolekcję obrazów w jednym gatunku, wieloletni dealer, który kupuje odbitki dla siebie „wszędzie i wszędzie”, i przypadkowy kolekcjoner, który mówi, że ona i jej mąż kupują zdjęcie, które podziwiają, jeśli „chcielibyśmy zobaczyć je codziennie.”

Ci kolekcjonerzy powiedzieli, że znaleźli sztukę, którą kupili za pośrednictwem aukcji internetowych dla organizacji non-profit i organizacji artystycznych, eBay, galerii, które regularnie odwiedzają, przestrzeni artystycznych non-profit oraz publikacji i blogów, takich jak Fotografia i Washington Post in sight blog.

przynajmniej jeden powiedział, że uważa wypowiedzi artystów za „odpychające”, ale docenia możliwość spotkania fotografów i poznania ich procesu i wpływów. Kiedy fotograf z San Francisco, Sarah Christianson, powiedziała jednemu z kolekcjonerów, że jego zakup odbitek pozwolił jej kontynuować projekt,” zgasła najmniejsza żarówka”, mówi kolekcjoner. „W pewnym sensie skierowało mnie to w tę fazę kolekcjonowania, w której czuję, że warto wspierać artystów.”

kolejny kolekcjoner kupił prace młodych artystów. Niektórzy, tacy jak Alex Prager, Sam Falls i Matthew Pillsbury, „w końcu stali się znani”, mówi. Dodaje: „fajnie jest w nie inwestować, bo tym artystom, szczególnie młodym, trudno jest zarabiać na życie.”

Jak sprzedać swoją pracę bez galerii
fotografowie, którzy sami decydują się na sprzedaż odbitek, stosują różne podejścia, od sprzedaży małych, otwartych edycji po niskich cenach, aby przyciągnąć dużą liczbę kupujących, po sprzedaż limitowanych edycji po cenach na poziomie galerii. Niezależnie od wybranej metody muszą jednak ustalić sposoby monitorowania jakości druku, obsługi płatności i zarządzania wysyłką. Nie ma sposobu na usprawnienie obsługi klienta. Helen Jones-Florio, która uruchomiła galerię internetową, aby zaprezentować prace Jasona Florio i innych fotografów, mówi, że podczas gdy kupujący mogą przeglądać wydruki i uzyskać cennik online, nadal oczekują osobistej obsługi. Otwiera dialog i pomaga uspokoić ich umysł”, mówi.

Pakowanie i wysyłanie wydruków to „mnóstwo pracy, chyba że masz pełnoetatowego kierownika studia i jednego lub dwóch stażystów”-mówi Ryan Pfluger. Wielu fotografów woli pozostawić tę pracę laboratorium, które również zajmuje się ich drukowaniem. Fotograf Sara Macel zajmuje się tym sama. Mówi swoim kupującym, że po otrzymaniu płatności za pośrednictwem PayPal lub transakcji kartą kredytową, wysyłka może potrwać około dwóch tygodni i kosztuje od 100 do 150 USD, w zależności od rozmiaru wydruku. „Staram się dodawać osobiste akcenty, aby pokazać, że to pochodzi bezpośrednio ode mnie, a nie od drukarki”, mówi. W święta wysyła kolekcjonerom list i mały druk. „To sposób na pozostawanie w kontakcie i wysyłanie im miłej notatki, ale także przypominanie im, że mogę mieć więcej rzeczy, które mogą kupić.”

13 wskazówek dotyczących budowania sieci dzieł sztuki
ważną częścią pracy artysty jest nawiązywanie relacji z ludźmi, którzy udzielają szczerych porad i krytyki, wprowadzają, wspierają i wspierają swoją pracę, oferują przyjaźń i poczucie wspólnoty. Mogą to być starsi artyści, rówieśnicy, kuratorzy, galerowcy, patroni lub inni, którzy interesują się sztuką i jej promocją. „Świat sztuki jest bardziej społeczny niż cokolwiek innego”, mówi Daniel Shea. „To świat, który politycznie istnieje wokół relacji międzyludzkich, na dobre i na złe.”

fotografowie, którzy pracowali dla innych artystów lub tworzyli grupy krytyczne z rówieśnikami, powiedzieli, że skorzystali z porad i podzielili się informacjami. Inni ubiegali się o rezydencje artystów, gdzie mogli spotkać innych artystów, lub szukali mentorów, docierając do artystów, których podziwiali. Na początku swojej kariery shea skontaktował się z Brianem Ulrichem o poradę. Shea wspomina: „myślę, że mógł powiedzieć, że byłem naprawdę głodny i chętny do nauki, i że wziąłem to, co zrobiłem, bardzo poważnie i naprawdę szanowałem to, co zrobił.”
chociaż nie jest realistyczne dla większości artystów oczekiwanie współpracy z głównymi kuratorami, galeriami lub instytucjami na wczesnym etapie kariery, fotografowie, którzy nawiązali kontakty z młodymi kuratorami i asystentami galerii, nawiązali długie relacje. Christopher Churchill przypomina sobie kilka rad, które otrzymał od dyrektora galerii: „musisz spotkać się z kuratorami w twoim wieku, którzy są zaangażowani w to i będą przechodzić przez swoją karierę, gdy ty będziesz przechodzić przez swoją karierę.”Aby znaleźć tych ludzi, Ulrich mówi:” pokaż wszystkim pracę.”To rada, którą otrzymał od dyrektora galerii, i to” złagodziło dużą presję tych spotkań, „zachęcając go do kontaktu z ludźmi” tylko po to, aby się spotkać, przywitać i usłyszeć ich przemyślenia na temat pracy.”

Jak złożyć wyróżniające się zgłoszenie na nagrody i recenzje jurorów
konkursy jurorów, wystawy i przeglądy portfolio dają artystom szansę na zaprezentowanie swoich prac kuratorom, redakcjom i wydawcom, a także na zdobycie stopy w galeriach, muzeach i organizacjach artystycznych non-profit, które nie akceptują niechcianych zgłoszeń. Dyrektorzy organizacji non-profit zalecają zbadanie tego, co Galeria lub konkurs wcześniej uhonorowały,i wiedząc, co inni fotografowie zrobili w tym temacie. Laura Pressley z centrum mówi, że jurorzy szukają obrazów, które opowiadają „historię w Nowy, pomysłowy sposób”, więc radzi fotografom, aby weszli do pracy, która jest terminowa i ryzykowna.

fotograf musi upewnić się, że ich cyfrowe zgłoszenie jest dobrym odzwierciedleniem ich pracy. Sarah Stolfa z PPAC w Filadelfii mówi, że jurorzy zauważają dobrą sekwencję obrazów: „to pomaga komunikować intencjonalność artysty.”(Aby uzyskać więcej informacji na ten temat, przeczytaj nasz wywiad z dyrektorem galerii non-profit o tym, jak fotografowie powinni śledzić po przeglądzie portfolio )

czy galerie z cegły i zaprawy mają przyszłość?
w 2017 roku sprzedawca sztuki i konsultant Sasha Wolf i właściciel Galerii Michael Foley usiedli do rozmowy na temat modelu biznesowego galerii Ceglanej i nowych sposobów, w jakie potencjalni nabywcy znajdują artystów. Ich rozmowa, która odbyła się kilka miesięcy po tym, jak Wolf zamknęła swoją galerię po dziesięciu latach i zaczęła sprzedawać sztukę prywatnie, była moderowana przez galerystę Davida Dixona, a organizowana przez Stroheus, kolektyw profesjonalistów z dziedziny prawa sztuki i biznesu, który specjalizuje się w służbie społeczności artystycznej.
Wilk podał kilka powodów, dla których zrezygnowała z miejsca.

„jedną z rzeczy, które zmusiły mnie do rezygnacji z mojej przestrzeni publicznej, jest to, że zdecydowana większość mojej sprzedaży kierowała się do ludzi, którzy nie przychodzili”, aby odwiedzić przestrzeń galerii, mówi Wolf. „Ostatnie sześć lub siedem sprzedałem ludziom, których nigdy nie spotkałem.”W tym czasie, jak mówi, jej koszty związane z przestrzenią na Manhattanie były naprawdę szalone.”Kolejnym czynnikiem, powiedziała, były oczekiwania jej artystów, że muszą robić show co dwa lata, ponieważ to” norma branżowa.”Wyjaśnia,” nieważne, ile razy powtarzałam moim artystom, żeby się zrelaksowali i że to był tylko fałszywy paradygmat, oni naprawdę nie mogli się od tego uwolnić, ponieważ tak działa przemysł. Nie czułem się dobrze, jakbym wystawiał zbyt wiele przedstawień, które nie były w pełni upieczone.Facebook, Instagram, Facebook, ten post i tamto posty. „

Foley, którego Galeria znajduje się na Manhattanie Lower East Side, powiedział, że wystawa jest jedynym miejscem, w którym kolekcjoner może zobaczyć nowe prace”.”Zauważa,” myślę, że artysta musi uważać na to, co wypuszcza i kiedy go wypuszcza.”

Foley zauważa również, że targi sztuki i rynki internetowe są obecnie bardziej powszechne. „Musimy spróbować zrozumieć wszystkie te różne sposoby, w jakie ludzie doświadczają, kupują sztukę i angażują się w nią, i dowiedzieć się, co jest najlepsze i ile moich zasobów trzeba włożyć w każdą z nich i który z nich okazuje się najbardziej udany. W tej chwili wydaje się, że wszystkie występują jednocześnie, ale pytanie brzmi: pięć czy dziesięć lat później, co wzniesie się na szczyt?”

rozwijający się rynek filmów wideo
rozwój technologiczny pomaga kolekcjonerom czuć się komfortowo z pomysłem zakupu sztuki opartej na wideo. Kupowanie prac wideo nie oznacza już angażowania się w instalację dużego telewizora lub znalezienie miejsca na projektor; sztuka wideo i multimedia mogą być teraz wyświetlane bezproblemowo na cienkich monitorach zawieszonych na ścianie. Fotografowie-artyści wideo PDN, z którymi przeprowadzono wywiady, wyjaśniają, że kolekcjonerzy prac wideo obejmują teraz osoby prywatne, a także duże instytucje.

reprezentując artystów wideo, takich jak Gregory Scott, „całkowicie rozszerzył nasz rynek”, mówi Catherine Edelman, która jest właścicielem galerii znanej ze sprzedaży fotografii. Są to przede wszystkim kolekcjonerzy Sztuki Współczesnej. „Jest coś w wideo, które jest dziś tak dostępne” – dodaje Edelman. „Wszyscy szukamy osoby, która pobudza nasze serce i jest jedyną drogą, której zdecydowanie Szukam.”

Jak zostać zauważonym—i zleconym—przez doradcę artystycznego

dyrektor CPW na temat znaczenia działań następczych po przeglądzie Portfolio

Brian Ulrich: na temat tworzenia, finansowania i podtrzymywania długoterminowego projektu fotograficznego

Cole Barash o tym, czego dowiedział się od Daniela Shea o prezentacji fotografii artystycznej