playlisty i utwory na żądanie

Emotionalist Preambuła

jako kierownik chóru, większość mojego doświadczenia pochodzi z zespołów młodzieżowych i amatorskich. Tak więc zwykle mam do czynienia z innym zestawem problemów i priorytetów niż wielu czytelników NMBx może.

pierwszą rzeczą, którą warto wiedzieć o chórach poniżej poziomu profesjonalnego, jest to, że w moim przekonaniu jesteśmy w tym przede wszystkim dla społeczności. Oczywiście jest też duma z technicznego wykonania! Ale o wiele bardziej chodzi o przekazywanie emocji i przeżywanie tych samych emocji, a tym samym tworzenie i utrzymywanie więzi wspólnoty ze sobą nawzajem i z publicznością.

ponadto dość często spotyka się doświadczonych śpiewaków chóralnych, którzy mają ograniczone zdolności czytania wzroku, którzy polegają zamiast tego na dobrze rozwiniętej umiejętności zachowywania i powtarzania melodii, które słyszą. Zapis staje się wtedy, jak to było w średniowiecznej Europie, bardziej pomocą pamięci niż zestawem wyraźnych instrukcji.

faksymile rękopisu dla „Iubilate deo universa terra”, w którym znajduje się szereg nieostrożnych neumów cheironomicznych dodanych do wersetów Psalmu. (Obraz w domenie publicznej.)

radość polega na tym, że przynosi doświadczenie wspólnego tworzenia muzyki w zasięgu bardzo dużej populacji. Wyzwanie polega na tym, że reżyser jest bardzo często, z konieczności, nauczycielem. Tak więc, dla chórów amatorskich, nie ma gwarancji, że śpiewacy będą mieli świadomość całej partytury, która jest znakiem rozpoznawczym elitarnych zespołów; a dla wielu jest w zasadzie gwarancja, że nie będą!

po co, u licha, ktoś miałby wnosić muzykę mikrotonalną do tego ekosystemu? Cóż, po pierwsze, pomoże to udoskonalić świadomość intonacyjną każdego-co może być bardzo potrzebne. Ale, na własnych warunkach: istnieją nowe światy emocji do zbadania, które są niedostępne z 12 równych tonów sam!

jednak reżyser w tej sytuacji musi sprzedać dany utwór być może sceptycznemu zespołowi. Wykorzystaj cały swój bezgraniczny entuzjazm, aby wspierać metodyczne techniki poniżej. Jeśli śpiewacy cię lubią, dadzą mu szansę.

z wszelkimi zastrzeżeniami, przejdźmy więc do strony technicznej.

strona techniczna

do nauczania fragmentów mikrotonalnych opowiadam się za podejściem „bimodalnym, opartym na celu”. Wybrałem tę nazwę, ponieważ potrzebowałem tytułu, który był zarówno dokładny, jak i imponująco brzmiący dla papierowej propozycji. (Zadziałało.) Ale oto co mam na myśli:

bimodalny – wymagający zintegrowanej świadomości zarówno poziomych, jak i pionowych aspektów każdej zmiany wysokości. Oznacza to, że należy pamiętać o związku nowego boiska z boiskiem, które właśnie opuścił, a także o kontekście brzmienia, w którym przybywa. Są one często niezależne.

Target-based – polegający na przewidywaniu tego, co znane, czy to melodyczne, czy harmoniczne, czy też jedno i drugie. Kiedy to nastąpi, interweniujące rzeczy mogą łatwiej zapaść na swoje miejsce, nawet w połowie nieświadomie.

te dwie taktyki są już konieczne, aby być dobrym muzykiem chóralnym w standardowym repertuarze, ale ważne jest, aby były wyraźne, gdy pracujemy z mikrotonalnością. Użytecznym krokiem w kierunku wykorzystania ich jawnie w utworach mikrotonalnych jest użycie ich jawnie w trudnych przejściach tonalnych. Tak więc, reżyser może pracować nad tymi taktykami w trakcie semestru, tuż przed tym, jak mikrotonal znajdzie się w programie.

tonalny przykład strategii bimodalnej

jeden ilustracyjny fragment znajduje się w „O Magnum Mysterium” Poulenca. Wśród wielu intonacyjnych problemów w tym utworze, rozważmy Tryton w otwierającym tenorze, o 0: 08 i kilka razy później:

Większość śpiewaków potrafi wyciągnąć Tryton, ale nie jest to niezawodny interwał. Nierzadko trzeba przypominać, jak to brzmi, Używając motywu Marii lub Simpsonów jako mnemoniki.

nawet jeśli mają go bezpiecznie, każda osoba wykona go nieco inaczej, zwłaszcza gdy żaden z dźwięków nie działa jako ton wiodący. Wynikowy skok grupy może być rozmyty. A ponieważ jest to” dysonans ” interwał poziomy, często oczekuje się dysonansu tam, gdzie ląduje.

więc śpiewasz powoli, dostrajasz ten akord na długi ton—i okazuje się, że „Cb” to w rzeczywistości B naturalne, trzecia część G-dur!

tenorzy teraz, idealnie, doświadczają tego kłopotu na dwóch poziomach. W pewnym sensie śpiewają Tryton z poprzedniej nuty. Ale w innym sensie zajmują one bardzo wyraźny ” dom ” w wynikającej z tego harmonii, dom, który nie ma nic wspólnego z Trytonem.

w muzyce mikrotonalnej jeszcze ważniejsze jest utrzymanie tych dwóch oddzielnych poziomów. Jest tak dlatego, że taka muzyka nieuchronnie wymaga śpiewania nieznanych interwałów poziomych—a naturalnym instynktem śpiewaków będzie lądowanie na pionowości, która jest równie „nieznana”, tj. dysonansowa, a ten instynkt prawdopodobnie się myli. Niefortunne owoce takiego podejścia zobaczymy w przedstawieniu Kyrie z 1962 roku z Misa A San Juan XXIII Juliána Carrillo w dalszej części tego artykułu.

uwaga na temat celów

przechodzimy teraz do części podejścia „target-based”. Na przykład w muzyce mikrotonalnej, jeśli chór musi śpiewać nieznany łańcuch małych interwałów-daj mu solidne wyobrażenie o interwale, który obejmuje, a interwały mogą prawie nieświadomie zapaść na swoje miejsce. Można je udoskonalić później, w drugim kroku.

aby wzmocnić, jak łatwo może to brzmieć, gdy modelowane, Oto Jacob Collier beztrosko robi tego rodzaju rzeczy do małej trzeciej:

(jego pełna dyskusja na ten temat naprawdę zaczyna się o 10:12, ale chodź, obejrzyj całość. Facet jest taki modny, że to surrealistyczne.)

podejście oparte na celu nie ogranicza się do melodyjnego wypełniania znanych interwałów. W szerszej skali chodzi o zapewnienie szeregu konceptualnych zakotwiczeń w całym utworze-gdzie śpiewacy mogą odzyskać swoją pozycję, jeśli zdarzy im się ją stracić po drodze. Mogą to być docelowe interwały melodyczne, jak powyżej; ale także docelowe interwały harmoniczne, aby dostroić się (np. do wejść) lub docelowe akordy.

nowością jest to, że cele nie muszą być muzycznie wyeksponowane w utworze—mogą występować na słabych uderzeniach, w miejscach pozbawionych podkreślenia w obrębie frazy itp. Muszą tylko być już znane śpiewakom, którzy mogą ich użyć do ponownej kalibracji. Na przykład egzotyczna dźwięczność kadencyjna może być celem muzycznym, ale nie musi być celem konceptualnym—ta rola może być sąsiednią, mniej ważną, bardziej znajomą dźwięcznością. Oto przykład tego w utworze, który napisałem (który będzie hostowany na NMBx po premierze w styczniu 24):

fragment partytury Mikrotonalnej kompozycji Chóralnej Roberta Lopeza-Hanshawa vokas animo.

to idzie z akordu tylko durowego do 7: 9:11 w szeregu harmonicznym B2-flat (w mojej preferowanej notacji 72). Ten ostatni jest zaskakująco łatwy do przybicia, ponieważ opuszczasz bardzo znane miejsce, każda część porusza się zasadniczo o ćwierć kroku—odległość, którą można łatwo przećwiczyć. Pomaga również wspólny ton.

Budowa rusztowania

inną rzeczą, która powinna kierować Twoim nauczaniem mikrotonalnym, jest edukacyjna idea rusztowania, czyli ” strefa rozwoju bliższego.”Wszystko to oznacza, że każda nowa koncepcja musi odnosić się do bezpośrednio sąsiadujących pojęć; a sąsiednie koncepcje dają początek wglądowi na poziomie indywidualnym.

na przykład: nie uczysz się czytać przez kogoś, kto mówi ci, jak czytać. Nie ma sposobu, aby to zrobić, poza samodzielnym połączeniem poszczególnych liter-dźwięków i sposobu, w jaki łączą się one w słowa. Twój nauczyciel w podstawówce po prostu zapewnił ci warunki do zrobienia tego skoku, zmuszając cię do zapamiętywania dźwięków liter, a następnie konfrontując cię z łatwo dekodowanymi kombinacjami (a potem, nie tak łatwymi).

zasada tutaj jest ważna. Pomimo atrakcyjności metody „brute force”, takiej jak uczenie się utworu przez rote ’ a z syntetyzowanego nagrania (nowo łatwe do wyprodukowania, dzięki technologii!), ta taktyka nie powiedzie się większości ludzi-ponieważ nie zinternalizowali bloków konstrukcyjnych, aby nowe interwały „przyklejały się.”A wielu może być niechętnych do tego wielkiego skoku technicznego w pierwszej kolejności; nie dlatego są w chórze.

musimy więc przyjrzeć się, jak możemy zapewnić rusztowanie.

omówiliśmy już dwie ważne rzeczy, które zdarzają się w normalnym śpiewaniu chóralnym i mogą być stosowane do śpiewu mikrotonalnego. Poniżej znajduje się lista dodatkowych pojęć, z których każdy opiera się na poprzednim i niektóre zasoby do ich opanowania. Istnieją dwie Ścieżki, Ścieżka tylko intonacji i ścieżka równego podziału.

Just Intonation Path: Expressive Intonation

jak na ironię, ta ścieżka zaczyna się od przeciwieństwa Just Intonation: „expressive intonation.”

nikt inny, jak Ezra Sims, Wielki wykładnik 72, został ustawiony na ścieżce mikrotonalnej przez swojego licencjackiego dyrygenta chóralnego, Hugh Thomasa. Thomas nalegał, aby jego zespoły śpiewały między innymi bardzo wysokie tony wiodące przy rozdzielaniu na Toniki, i bardzo niskie czwarte przy rozdzielaniu na 3rd. Pod takim wpływem, mówi Sims, ” możesz mieć trudności z uwierzeniem (bez względu na to, jak bardzo instrumenty klawiszowe mogą próbować cię przekonać, że tak jest), że istnieje na przykład jedna rzecz, która jest ostra G, jedna częstotliwość, która definiuje ją na zawsze, Amen.”

ekspresyjna intonacja, w swojej najcięższej formie, jest bardzo intuicyjna. (Wyolbrzymiać tendencję tonów tendencyjnych!) Tak więc, jeśli jest w stanie osiągnąć cel wybijania śpiewaków ze stałego sposobu myślenia, to znacznie wygładza drogę naprzód.

Actual Just Intonation

Fahad Siadat ma na stronie internetowej swojego wydawnictwa serię artykułów, które wprowadzają temat Just Intonation dla chórów. Niektóre pełniejsze zasoby dostępne obecnie obejmują Harmonic Experience W. A. Mathieu, o którym wspomniałem w ostatnim artykule; i podkład Just Intonation autorstwa Davida B. Doty, który jest bardziej bezpośredni.

praktyczny dyrektor chóru może wybrać tylko kilka przerw do pracy. Na początek przydają się tercje główne i siódme harmoniczne, ponieważ łatwo je zademonstrować. Zaproś wiolonczelistę do gry na naturalnych harmonicznych i porównaj je z fortepianem! Sprowadźcie kwartet fryzjerski na wysokim poziomie, aby „zaśpiewać” kilka akordów! Na początku dopiero rozwijasz pomysł, że istnieje kilka dostępnych „smaków” dla danego interwału, każdy z inną funkcją.

Użyj tego, co jest istotne dla danego elementu. Jeśli twój chór doda tylko harmoniczną siódemkę do swojego słownictwa, to wystarczy, aby zacząć pracować nad I’ m Goin ’ Away Bena Johnstona.

Ross Duffin jest znany ze swojej książki o meantonie i dobrych temperamentach, o tym, jak równy Temperament zrujnował harmonię (i dlaczego powinno cię to obchodzić). Ale napisał również wspaniałą obronę i metodę praktyki intonacji, która opiera się na lokalizacji i użyciu przecinka syntonicznego. Jest to bardzo pomocny sposób systematycznego myślenia o strojeniu 3rds, 6ths i 7ths w porównaniu do 4ths i 5ths. Jest on dostępny bezpłatnie tutaj. Zawiera nawet ćwiczenia do praktykowania typowych problematycznych sytuacji intonacyjnych, które mogą wystąpić.

zespół Hilliard Ensemble i Nordic Voices regularnie włączają ten podstawowy system (różniący się szczegółami) do swojej praktyki. Jeśli twój chór śpiewa renesansowy kontrapunkt przez jeden semestr, patrząc na intonację przez ten obiektyw, to następny semestr może jeszcze bardziej rozszerzyć mikrotonalność:

Extended Just Intonation

teraz przechodzimy do dziwnych rzeczy. Możliwe jest, z dużą powtarzalnością i solidnym odniesieniem, zapamiętywanie i odtwarzanie interwałów wyższych wydźwięków szeregów harmonicznych.

jednym z możliwych odniesień jest śpiew overtone (Fahad Siadat, komunikacja osobista), który—na niskim poziomie podstawowym—może niezawodnie wytwarzać harmoniczne co najmniej do 14, a może dalej. Retuned klawiatura cyfrowa jest kolejnym potencjalnym zasobem.

ale jest też dostępny niezwykły zestaw ćwiczeń: Andrew Heathwaite opracował system śpiewania przez każdy możliwy interwał, który występuje między członkami danej grupy dźwięków opartych na podtonie, uroczo nazywanych Singtervalds. Inni już to wyjaśnili. Jest zaskakująco logiczny i intuicyjny, wykorzystując niewielką zmianę sylab solfège ’ a.

gdyby wokalista miał uczynić słuchanie, rozumienie i śpiewanie tego typu matrycy częścią swojej codziennej praktyki, wkrótce byłby w stanie zbliżyć się do ściśle podtonalnego (lub podtonalnego) utworu, takiego jak Kontrasten Henka Badingsa, bez większego cierpienia.

ścieżka Ćwierćtonu: pomiędzy tonami

zaczynając od nowa na początku innej ścieżki, możemy wykorzystać zdolność ludzi do śpiewania równych dźwięków między wysokościami małego i znanego interwału, aby zacząć rozwijać prawdziwe ramy ćwierćtonowe. Na początku możesz po prostu dodać ćwiczenie do normalnych rozgrzewek: Śpiewaj F – Gb, następnie F – F quarter-sharp – Gb, a następnie to samo w przeciwnym kierunku. Dźwięki zewnętrzne są oczywiście łatwo sprawdzane na fortepianie.

pełna skala 24-tonowa

tam, gdzie robi się ciekawie, jest ekstrapolacja tej prostej techniki na wszystkie interwencyjne pozycje w skali chromatycznej. Robert Reinhart, który wykłada teorię muzyki i umiejętności słuchowe na Northwestern University, przypisał samogłoski pośrednie do ćwierćtonów między dźwiękami solfège ’ a, takie jak ra-reh-re-rih-ri dla wszystkich odmian drugiego stopnia re. Następnie zaprojektował—i wykorzystał w klasie-ćwiczenia progresywne, aby trenować ucho w nowych odstępach czasu. W wielu przypadkach polega to najpierw na śpiewaniu znanych interwałów, a następnie wypełnianiu luk ćwierćtonami, a następnie na śpiewaniu tylko zmienionych tonacji, a jednocześnie na słuchaniu bardziej znanych dźwięków otaczających.

to tylko rozszerzenie pedagogiki wzroku w systemach ruchomych! Na przykład, aby nauczyć wzorca do-fa-la (trudny dla początkujących), można wielokrotnie śpiewać skalę durową i stopniowo usuwać interweniujące Dźwięki re, mi i sol; najpierw je przesłuchując, a następnie wykonując skok poznawczy, aby po prostu śpiewać do-fa-la bez żadnej kuli.

Reinhart przedstawił na ten temat i obecnie pracuje nad systematycznym zbiorem ćwiczeńtonów solfège ’ a, stopniowanych według trudności.

Ty też możesz użyć tej podstawowej struktury, aby podzielić, powiedzmy, półtony na grupy trzech szóstych tonów – lub całe tony na piąte Tony, jeśli śpiewasz renesansową muzykę enharmoniczną. Specyficzne samogłoski w solfège rozszerzonym nie mają większego znaczenia, o ile są spójne.

Coraz Głębiej: 72-tonowa Skala

Julia Werntz jest aktualną nosicielką tradycji 72-tonowych umiejętności słuchowych w Konserwatorium w Nowej Anglii, zastępując Joe Maneriego. Uczy słuchania, wykonywania i komponowania z dwunastoma tonami – to znaczy ćwierćtonami, z których każdy dzieli się na trzecie. Jej zajęcia rozpoczynają się od opracowania ram ćwierćtonowych i rozwijają się stamtąd. Podręcznik kursu, Steps to The Sea, jest zarówno bardzo przystępny (z dużą ilością przykładów audio), jak i łatwo dostępny.

zanim dojdziemy do dwunastych tonów, ścieżki Just Intonation i equal-division zaczynają się łączyć. W szczególności dla śpiewaków prostsze interwały intonacyjne odpowiadają tak dokładnie tonom w gamie 72 tonów na oktawę, że różnica-maksymalnie około 5 centów, a zwykle poniżej 3-jest dosłownie niemożliwa do wytworzenia za pomocą głosu.

w rzeczywistości ostatnie badania Matthiasa Maucha i wsp. pokazuje, że nawet dla doświadczonych śpiewaków, po prostu zauważalna różnica i średni błąd produkcji tonacji na danej nucie zawisają w okolicach 18 do 19 centów-nieco ponad całym 12 tonem! Studium zajmowało się solowym śpiewem melodycznym, a dokładność intonacji może być nieco wyższa w śpiewaniu harmonicznym (zwłaszcza w fryzjerstwie), ale nie aż tak bardzo, jak myślisz.

(różne źródła podają różne kwoty za zauważalną różnicę w różnych kontekstach, a 5-8 centów to zwykle cytowana wartość. Ale w przypadku śpiewanych boisk panuje nieco więcej chaosu.)

na szczęście, w przypadku, gdy zastanawiałeś, mikrotony naprawdę można się nauczyć, a kształcenie słuchu w 72edo naprawdę ma wpływ na zwiększenie dyskryminacji pitch i zdolności produkcyjnych. Oswaja Ukryty chaos tworzenia muzyki.

efekt końcowy

jeśli przeszedłeś przez to wszystko ze swoim chórem, to masz obsesję, a oni wszyscy są świętymi. To, co naprawdę powinieneś zrobić, to wybrać i wybrać spośród tych możliwości, w oparciu o to, co dzieje się w samym utworze. To właśnie zrobiłem. Ale tam, gdzie nie mogłem jeszcze użyć konkretnej techniki, został on przetestowany przez innych. Wszyscy naprawdę robią to, co twierdzą.

potencjalne złe wyniki

jak obiecałem wcześniej, oto pierwsza część Misa Carrillo:

to nie jest, powiedzmy, spektakl dotykowy. Wokaliści mogli przypuszczać, że celem było „inne światowe” brzmienie i przypuszczalnie osiągnęli wystarczający sukces, aby wydać nagranie. Ale niestety, wykonali całą partyturę niedokładnie, w tym to, co powinno być częściami „tego świata”.

od samego początku są Do 0:58 tenor jest w porównaniu do pozostałych płaski półtonem, co prowadzi do brzmiącego Ab-dur w pierwszej inwersji, zamiast napisanego akordu rozszerzonego C. (Kiedy to się powtórzy o 1: 07, możesz usłyszeć, jak dryfuje w górę, aby spróbować to naprawić.) W muzyce, która jest w kadrze począwszy od 1:32, słaby Bas 1 śpiewa napisane idealnie 5ths jak trytony, bo nie może dostać dolnej nuty, aby zejść wystarczająco daleko. I tak dalej. Gdyby ktoś usłyszał to jako przykład mikrotonalnego śpiewu chóralnego, można by wybaczyć kwaśnienie tego pomysłu.

ale pomimo braków tego konkretnego wykonania, utwór został napisany w sposób, który mógłby być łatwy do uchwycenia—stosując taktykę, którą opisałem powyżej. To może nawet zadziałać jako pierwsze przedsięwzięcie w mikrotonalność dla chóru!

oto jak bym do tego podszedł.

• najpierw dodałbym ćwierćtony do rozgrzewek na początku prób—po prostu dzieląc półton. To się dzieje stale w Misa, więc chór będzie uzyskać dużo przebiegu z właśnie tego ćwiczenia.
• wtedy, również w rozgrzewkach, budowaliśmy akordy rozszerzone i inne brzmienia całotonowe, jak i w różnych inwersjach. To są klocki Carrillo. Są one dość rzadkie jako elementy strukturalne w konwencjonalnym repertuarze chóralnym, więc wymagają wzmocnienia, aby być użytecznymi jako cele.
• następnie, przechodząc do samego utworu, śpiewaliśmy segmenty bez interweniujących ćwierćtonów i upewnialiśmy się, że chór zapamiętał docelowe brzmienia całotonowe w ich większych ramach harmonicznych.
• wreszcie czas na wstawienie ćwierćtonów. Robilibyśmy to po kolei, na początku, aby ugruntować świadomość melodyczną.
• teraz niespodzianka! Carrillo z pomocą stawia wszystkie ćwierćtonowe zmiany w wyrównaniu pionowym, poza niektórymi zawieszeniami. Utwór przeplata jeden 12-tonowy ” świat „i uzupełniający” świat ” w 24. Tak więc brzmienia zbudowane przez zmienione dźwięki są ogólnie znane. Dźwięczność w skali 1: 11, w drugim takcie ostatniej takty w kadrze, jest w rzeczywistości akordem ćwierćtonowym w pierwszej inwersji-powinien więc brzmieć jak akord durowy w pierwszej inwersji! Każdy zna ten dźwięk.

wszystko to jest całkowicie stracone w zawodzącej, luźno-gęsiej intonacji tego spektaklu. Z drugiej strony uważam, że trafna interpretacja ujawniłaby utwór o niezwykle odmiennym charakterze niż to, co zostało przedstawione na nagraniu: być może zaskakujące, jak bardzo jest to naprawdę dostępne.

podsumowanie: praktyczne

oto kilka różnych sugestii, które mogę dać o nauczaniu mikrotonów chórów.

użyj rozgrzewek, aby wzmocnić nowe koncepcje muzyczne, jeśli nie było to już jasne. Po co tracić czas na śpiewanie skal głównych lub arpeggii przez całą rozgrzewkę, kiedy można ćwiczyć ćwierćtony przez powtarzanie lub budować akordy szeregów harmonicznych? Skraca to czas nauczania samego elementu mikrotonalnego.

absolutnie nie graj klastra tonalnego zamiast interweniującego tonu, jeśli modelujesz mikrotonalną melodię na standardowym fortepianie. To nie robi nic na wyobrażenie Boiska (czy „słyszymy” D, gdy gra się C-E? Nie ma mowy! Więc dlaczego mielibyśmy usłyszeć ćwierć d, kiedy D-Eb jest grany?), a to model dysonansu, który chór z chęcią wam da. Lepiej pominąć zmienioną tonację-albo jeszcze lepiej:

Model z głosem w miarę możliwości. Jest to nie tylko łatwiejsze do naśladowania niż klawiatura, ale także pokazuje, że przejście jest w rzeczywistości wykonalne.

Zmień klawiaturę, jeśli jest cyfrowa. Zadanie jest teraz w zasadzie trywialne, z dostępną technologią; ale może nie być tak dla ciebie osobiście. Jeśli tak jest, a Ty jesteś osobą, która by to przeczytała, to z pewnością masz przyjaciół, którzy są dużymi nerdami, takimi jak ty, z wyjątkiem komputerów. Możesz poprosić ich o przysługę lub wynająć ich, aby zrobili to za Ciebie. BitKlavier jest wolnym oprogramowaniem z łatwą krzywą uczenia się; jeśli mogą programować w Max/MSP, powinni być w stanie używać czystych danych bez większego zamieszania, co jest również bezpłatne; możesz też wybrać Standard PianoTeq, który ma profesjonalny dźwięk i bardzo dobre sterowanie strojeniem mikrotonalnym. Istnieje wiele innych opcji, ale to dopiero początek.

bliska współpraca z akompaniatorem ma kluczowe znaczenie, zwłaszcza jeśli jakiekolwiek klawisze zostaną drastycznie zmienione! Ale znowu, jeśli jesteś osobą, która to czyta, Twój akompaniator jest prawdopodobnie grą.

najpierw zrób wszystkie normalne rzeczy chóralne-Wymów utwór w rytmie, celuj w Precyzyjne wycięcia, używaj wyrazistych fraz, interpretuj teksty-tak, aby zdali sobie sprawę, jak wiele już wiedzą, jak to zrobić.

odpowiednie wspomaganie oddechu jest absolutnie niezbędne. Nieznajomość powoduje niepewność, a niepewność powoduje niewłaściwe podparcie, a niewłaściwe podparcie powoduje zwiotczenie wysokości i złą barwę, co sprawia, że projekt jest nieskończenie trudniejszy. Tak więc nigdy nie trać z oczu tej podstawy dobrze wspieranego dźwięku i często do niej wracać.

co najważniejsze, trzeba przekazać radość w muzyce. I czy nie o to zawsze chodzi?

Zapisz się do naszego comiesięcznego newslettera NewMusicBox