deBrevedIn kontakt med övertoner

det finns massor av ställen att lära sig om övertoner; alla böcker har små blurbs på dem och det finns gott om guider på nätet. De säger alla att du kan göra det här eller det, men de verkar alla prata om saker isolerat, som om den enda gången du spelar en harmonisk är som en hel anteckning med vila före och efter det. Det är mycket lik informationen, eller bristen på det, på dubbla stopp. Faktum är att det finns många likheter mellan övertonernas prestanda och dubbla stopp, så några av samma överväganden gäller.

Låt oss först titta på de grundläggande typerna av övertoner: naturliga och artificiella (eller falska). Detta kommer att vara kort eftersom det finns många andra resurser som går in i många detaljer om detta. Jag kommer att skära till det som är praktiskt.

naturliga övertoner är där spelaren berör strängen endast på en harmonisk nod. Det är bra att överlämna dessa till minnet eftersom samma matematik gäller när vi kommer till artificiella övertoner.

• tryck på oktaven, delar strängen i hälften, tonhöjd = en oktav
• tryck på 5: e, delar strängen i 3: e, tonhöjd = en oktav och en 5: e
• tryck på 4: e, delar strängen i 4: e, tonhöjd = 2 oktaver
• tryck på den stora 3: e, delar strängen i 5: e, tonhöjd = 2 Octave och en major 3rd

dessa kan också spelas i andra positioner på strängen. Till exempel för att få en oktav och en femte, det spelar ingen roll vilken nod du rör så länge det ’skär’ strängen i 3rds. Detta innebär att spelaren kan komma åt samma harmoniska från vardera änden av strängen. Det finns också många andra naturliga harmoniska möjligheter. De jag nämner är de vanligaste, och bortsett från oktaven, de som överför bra till konstgjorda övertoner.

när man överväger skillnaden i ljudet av en naturlig vs. en artificiell harmonisk, är det bra att bara tänka på dem på samma sätt som vi tänker på att använda en öppen sträng vs. en stoppad sträng. Även om det inte är så uppenbart som det är med normala anteckningar, är skillnaden fortfarande kvar. Open har ett något större, mer strident ljud än fingered, där fingerplattan tar kanten av lite.

medan naturliga övertoner är mycket användbara på enstaka toner, när du vill spela fraser måste du överväga artificiella övertoner. Hittills har vi varit begränsade till grundläggande platser för de öppna strängarna, vilket begränsar de toner som finns tillgängliga som övertoner. Men om vi tittar på konstgjorda övertoner kan vi använda vilken tonhöjd som helst som roten. För att spela en konstgjord harmonisk finger du grundläggande, tryck sedan på noden. Matematiken är densamma som med den naturliga harmoniska; den enda begränsande faktorn är vilka intervall handen kan sträcka sig till. Till exempel är den första harmoniska, oktaven, inte möjlig. Det enklaste och vanligaste är vad jag kallar en ”touch 4” (två oktaver). Detta är lätt på alla stränginstrument utom basen, som jag kommer att förklara senare.

vad jag hittills har täckt är samma information som finns i de flesta böcker. Det finns dock några saker de inte säger mycket om.

du måste överväga prestanda för artificiella övertoner. Isolerat är allt möjligt, men i verkligheten delar deras prestanda några av samma överväganden som dubbla stopp, eftersom du använder två fingrar samtidigt. Det betyder att det är svårt att spela en legato-linje. Om anteckningen flyttar ett steg är det ganska lätt att snabbt flytta den. Men varnas, det är svårt att landa på nästa tonhöjd perfekt. När du flyttar upp eller ner ändras avståndet mellan det grundläggande och noden. Det är inte så enkelt som att låsa fingrarna på ett visst avstånd och flytta dem. Detta gör inriktning på en tonhöjd lite svår, och det är lätt att missa nästa anteckning i en fras. Du hör ofta någon i avsnittet missa det harmoniska. Du kan få en död anteckning, den grundläggande eller en annan harmonisk. Om skiftet är större än ett steg, kommer du antingen att höra en bild eller det kommer att bli ett gap när de pausar bågen och byter fingrarna.

det finns vägar runt detta, dock, och det är möjligt att få en fin legato linje med några noggrann orkestrering.

du kommer att märka att jag har överlappat anteckningarna lite. Strängar har en tendens att spela anteckningar lite kortare än den skriftliga varaktighet, de också ’svans av’ ändarna. Genom att överlappa anteckningarna motverkar du detta och får en ansluten linje. Du kan bara skriva den sanna varaktigheten och be dem spela lite längre men om du har ont om tid behöver du inte säga någonting. En väldigt cool effekt är att förlänga dessa ännu mer så att du verkligen hör överlappningen. Det fungerar ännu bättre när du har Violin I till vänster och Violin II till höger och istället för att dela på stativet, har de första spela toppen och sekunder spela botten. Det är en stor ’stereo’ effekt.

det finns flera anledningar till varför touch 4 är den vanligaste. För det första är matten lätt, det låter upp två oktaver. För det andra är handens form på fiolen och viola perfekt för touch 4, Det är rätt där pinky är som standard. Touch 5 är en sträcka, så inte lika ergonomisk. När strängen skärs i divisioner för att spela en harmonisk, touch 5 är ett något större ljud än 4. Touch 3: erna är inte svåra att spela men eftersom strängen nu skärs i många bitar är ljudet inte lika klart. Ju större instrumentet är, desto mindre är det ett problem eftersom strängarna är längre.

verkliga exempel

här är en liten melodi som kom upp i en ny cue. Det enda sättet att få det spelat exakt var att dela upp det. De två översta stavarna delar sig på stativet. Vi hade 24 fioler så det delades 8/8 och sedan Pizz linjen spelades av överblivna 8. I studion kopieras alla fioler på samma del, så dessa typer av divisioner är inte ett problem. Genom att blanda touch 4 och 5 övertoner kunde jag lämna handen i samma position för flera toner, vilket gjorde delen mycket lättare att spela. Det faktum att olika anteckningar kom från olika spelare märktes inte i det resulterande ljudet.

här är en annan siffra från samma cue. Jag noterade den första ’ B ’ som en touch 5 eftersom handen då är i ett enkelt läge för nästa harmoniska. Jag kunde bara ha skrivit tonhöjderna med cirklar som i styrstavarna, men jag lägger pengar på någon som spelar E som en naturlig harmonisk och därmed inte balanserar med de andra anteckningarna.

notera övertoner

för naturliga övertoner placerar du en diamantnot på noden och anger strängen med en romersk siffra eller ”Sul” (såvida det inte bara är möjligt på en sträng).

historiskt sett har det varit vanligt att skriva alla naturliga övertoner som ihåliga diamanter, vilket innebär att du måste skriva rytmen ovan om det inte är uppenbart. Ibland har jag skrivit med solida diamanter och inte haft problem, men det här är en plats där jag känner att det traditionella sättet inte är det mest idealiska! I 99.9% av det arbete som jag gör, jag använder aldrig det här systemet ändå. Det enklaste sättet är att skriva ljudhöjden och sätta en cirkel ovan (se det första ’låter som’ exemplet ovan). Om det är en uppenbar naturlig harmonisk, det kommer att spelas som sådan.

i studion föredrar jag att använda konstgjorda övertoner. Fördelen med artificiella övertoner är att spelarna kan ställa in dem i sammanhanget, medan naturliga övertoner är låsta in.

det finns två sätt att notera de konstgjorda övertonerna: skriv ljudhöjden och lägg en cirkel ovanför den, eller skriv de fingerade anteckningarna. Under åren har jag gått fram och tillbaka lite på vad som är bäst, men i de flesta fall nu skriver jag ut den fingrade versionen. Det är tydligt för spelarna och det hjälper mig också att visualisera vad spelaren måste göra, inklusive var deras hand kommer att vara, och du kan se till att de spelar en artificiell, inte naturlig, harmonisk. Om du är osäker på vad du gör, gå till klingande tonhöjd och cirkeln. Om du vet hur man skapar den harmoniska, tycker jag att det är bättre att skriva ut fingret. Ett problem med att använda sounding pitch-metoden är att när du blir hög måste du använda 8va eller 15mA och det kan bli förvirrande att läsa och tolka. Det kan också ta tid för spelarna att träna det bästa sättet att göra det och vilka noder som ska användas. Cirkelmetoden presenterar också frågor när det gäller basar, eftersom det finns en tankeskola att övertoner i diskantklav (skriven med den lilla cirkeln) skrivs på tonhöjd (inte transponerad), så du måste klargöra. Om du skriver de fingerade anteckningarna finns det ingen förvirring.

du kommer ofta att se ljudanteckningen skriven ovanför de fingerade anteckningarna inom parentes. Detta kan vara till hjälp i akademiska situationer eller om du skriver massor av olika övertoner, men det är mer en bekvämlighet för poängläsaren och inte spelarna. När allt kommer omkring kan fingrarna bara ge ett resultat. I mina poäng lägger jag inte till den ljudande tonhöjden, eftersom jag vet vad noten kommer att bli och det gör spelarna också.

jag har också sett människor bli förvirrade och slå samman aspekter av dessa olika metoder. Till exempel lägger du till en cirkel ovanför en diamant. Diamanten indikerar en harmonisk nod, så det är alltså… en harmonisk! Cirkeln i detta fall är överflödig och felaktig, eftersom det betyder ’harmonisk vid denna ljudhöjd.’String spelare är ganska intelligenta människor och kommer att arbeta det mesta, men precis som det är möjligt att läsa text med stavfel, det är inte nödvändigtvis trevligt. Man bör alltid sträva efter att vara korrekt, inte bara tillräckligt nära.

något annat som verkar överflödigt för mig är fortsättningen av harmoniska cirklar på långa bundna anteckningar.

detta är det rätta sättet att göra det, men jag ifrågasätter om cirklarna behövs efter den första noten. Jag har aldrig gjort det här, och har aldrig haft min sektion plötsligt byta till en vanlig anteckning.

Vem kan göra vad?
fioler kan spela alla dessa övertoner, eftersom de lätt kan nå en femtedel. Violas kan också göra det, men den femte är svårare för personer med mindre händer. Det blir mer intressant med cello. Eftersom anteckningarna är mycket längre ifrån varandra kan de bara nå den fjärde genom att flytta hela handen ovanpå fretbrädet och använda tummen för att hålla ner det grundläggande. Sträckan av den femte är inte möjlig förrän en femtedel upp strängen, så G på C-strängen är första gången de kan nå en nod för att skapa övertonen. Basen har en ännu svårare tid. De kan inte nå fram till en stor sjätte upp och som cello måste de också flytta tummen på toppen. Anteckningarna är långt ifrån varandra på den nedre delen av greppbrädan, så det är omöjligt att sträcka. Den extra svårigheten med basen är att på grund av placeringen av greppbrädan kan de inte bekvämt få handen på toppen förrän den sjätte. Vid denna position är touch 3 och touch 4 övertoner möjliga. När de flyttar upp till oktaven är touch 5 också ett alternativ. Dessa är alla säkra regler för orkesterspel. För solister kan gränserna skjutas och vissa spelare med stora händer eller smidiga axlar kan göra mer, men kolla med spelaren innan du skriver.

kom dock ihåg att naturliga övertoner fortfarande fungerar på de områden där handen inte kan nå.

effekter
det finns några väldigt coola effekter du kan skapa med övertoner. Harmoniska bilder är enkla och mycket effektiva. En naturlig harmonisk bild är där du lätt rör vid den öppna strängen och skjuter fingret runt. När den rör sig träffar den olika noder och tonhöjden ändras. Tonhöjderna kommer alla att baseras på den harmoniska serien av den öppna strängen. En mer intressant version med ett mer slumpmässigt ljudresultat är användningen av artificiella övertoner. Som jag nämnde tidigare kommer avståndet mellan anteckningar närmare när du går upp på fingerbrädet. Om du vill skjuta samma tonhöjd måste du justera avståndet mellan fingrarna. Men om du inte justerar och håller dem låsta kommer du att röra vid olika noder när du går upp och ner. När du har en hel sektion som gör det här låter det ganska coolt, som en flock måsar.

det finns många sätt att notera något så här. Du kan komma med lite galen grafik, men jag föredrar alltid att använda standardnotation och en ’till punkten’ textbeskrivning. Jag älskar det när jag ser galen grafik och sedan en enorm förklaring av vad den galna grafiken betyder.

som standard spelar spelare inte övertoner med vibrato. De kan dock; det är bäst att kolla med en spelare och se om det är ett ljud du vill ha. Det kan vara en cool effekt, men i allmänhet förväntar vi oss att övertoner är glasiga och statiska.

Scoring sessioner och övertoner
jag tycker att det är viktigt att jag också talar om svårigheten att få en ren prestanda övertoner. Det är svårt! Även om passagen är lätt, eller om du har skrivit ut det på ett sätt som gör det lättare att utföra, är det fortfarande riktigt svårt att få ett inlåst och rent ljud från en hel sektion. Det är mycket lätt att ’missa’ den harmoniska med bara lite och få en ’död’ ton eller gnissla av något slag. Det finns också mycket bulleruppbyggnad. Av dessa skäl lämnar vi ofta övertoner som prover på filmer och TV-poäng. Om vi väljer att spela in kommer vi ofta att stripa det.