on Demand spellistor och spår

Emotionalist ingressen

som körledare, majoriteten av min erfarenhet är med ungdomar och amatör ensembler. Således hanterar jag vanligtvis en annan uppsättning problem och prioriteringar än många läsare av NMBx kanske.

det första att veta om körer under den professionella nivån är att vi i min fasta tro är det för samhället framför allt. Det finns också stolthet i det tekniska utförandet! Men mycket mer handlar det om att förmedla känslor och uppleva samma känslor och därmed skapa och upprätthålla samhällets band med varandra och med en publik.

dessutom är det ganska vanligt att stöta på erfarna Körsångare som har begränsad synläsningsförmåga, som istället förlitar sig på en finutvecklad skicklighet för att behålla och upprepa melodier som de hör. Notationen blir då, som det var i medeltida Europa, mer av ett minneshjälpmedel än en uppsättning uttryckliga instruktioner.

en faksimil av manuskriptet för ’Iubilate Deo universa terra’ som visar en serie oupphöjda cheironomiska neumes som läggs till psalmverser. (Bild i det offentliga rummet.)

glädjen är att den ger upplevelsen av gemensamt musikskapande till räckhåll för en mycket stor befolkning. Utmaningen är att regissören ofta, av nödvändighet, är en lärare. Så för amatörkörer finns det ingen garanti för att sångarna kommer att ha hela poängmedvetenheten som är ett kännetecken för elitensembler; och för många finns det i princip en garanti för att de inte kommer!

varför i hela friden skulle någon försöka få mikrotonal musik i detta ekosystem? Tja, för en sak kommer det att hjälpa till att finslipa allas intonationella medvetenhet—vilket kan behövas mycket. Men på sina egna villkor: det finns nya världar av känslor att utforska som inte är tillgängliga med 12 lika toner ensamma!

emellertid måste en regissör i denna omständighet sälja stycket i fråga till en kanske skeptisk ensemble. Använd hela din gränslösa entusiasm för att stödja de metodiska teknikerna nedan. Om sångarna gillar dig, kommer de att ge det en chans.

med alla försiktighetsåtgärder ur vägen, låt oss då komma till den tekniska sidan.

den tekniska sidan

för undervisning i mikrotonala passager förespråkar jag en” bimodal, målbaserad ” metod. Jag valde det här namnet eftersom jag behövde en titel som var både exakt och imponerande för ett pappersförslag. (Det fungerade.) Men här är vad jag menar:

Bimodal-kräver en integrerad medvetenhet om både de horisontella och vertikala aspekterna av varje tonhöjdsändring. Det vill säga man måste komma ihåg en ny tonhöjds förhållande till den tonhöjd som den just lämnade, och även dess sammanhang inom den sonoritet där den anländer. Dessa är ofta oberoende.

Target-based-förlita sig på att förutse det välbekanta, om melodisk eller harmonisk, eller faktiskt båda. När detta är gjort kan ingripande saker lättare falla på plats, till och med halvt omedvetet.

dessa två taktiker är redan nödvändiga för att vara en bra körmusiker inom standardrepertoar, men det är viktigt att göra dem tydliga när vi arbetar med mikrotonalitet. Ett användbart steg mot att använda dem uttryckligen i mikrotonala bitar använder dem uttryckligen för utmanande tonala passager. Så, en regissör kan arbeta med dessa taktik under terminen omedelbart innan en mikrotonal bit är även på programmet.

ett tonalt exempel på den bimodala strategin

en illustrativ passage är i Poulencs O Magnum Mysterium. Bland många intonationella problem i detta stycke, överväga tritonen i öppningstenorn, klockan 0:08 och några gånger efteråt:

de flesta sångare kan dra ut en Triton, men det är inte ett tillförlitligt intervall. Det är inte ovanligt att behöva påminnas om hur det låter, med Maria eller Simpsons-temat som en mnemonic. (Här är en hjärtvärmande kommentartråd från Simpsons-videon:)

även när de har det säkert, kommer varje person att utföra det lite annorlunda, särskilt när ingen av de inblandade tonerna fungerar som en ledande ton. Den resulterande grupphöjden kan vara suddig. Och eftersom det är ett” dissonant ” horisontellt intervall, är det ofta förväntan om en dissonans där den landar.

så, du sjunger det långsamt, stämmer det ackordet på en lång ton-och det blir uppenbart att ”Cb” faktiskt är en b Naturlig, den tredje av en G-dur!

tenorerna upplever nu idealiskt den problemplatsen på två nivåer. På ett sätt sjunger de en Triton upp från föregående anteckning. Men i en annan mening upptar de ett mycket tydligt” hem ” i den resulterande harmonin, ett hem som inte har något att göra med tritone-ish-ness.

i mikrotonal musik är det ännu viktigare att behålla dessa två separata nivåer. Detta beror på att sådan musik oundvikligen kräver att sjunga några okända horisontella intervaller-och sångarnas naturliga instinkt kommer att vara att landa på en vertikalitet som är lika ”okänd”, dvs dissonant, och denna instinkt kommer sannolikt att vara fel. Vi kommer att se de olyckliga frukterna av detta tillvägagångssätt i en 1962-föreställning av Kyrie från juli Askorbn Carrillos Misa A San Juan XXIII senare i den här artikeln.

en anteckning om mål

vi går nu vidare till den” målbaserade ” delen av tillvägagångssättet. I mikrotonal musik, till exempel, om din kör behöver sjunga en okänd kedja med små intervaller—ge dem en bergfast uppfattning om det intervall de omfattar, och de mellanliggande tonerna kan nästan omedvetet falla på plats. De kan förfinas senare, i ett andra steg.

för att förstärka hur lätt det här kan låta när det modelleras, här gör Jacob Collier blithely den typen av saker till en mindre tredjedel:

(hans fullständiga diskussion om detta börjar verkligen klockan 10:12, men kom igen, titta på det hela. Killen är så hip, det är surrealistiskt.)

det målbaserade tillvägagångssättet är inte begränsat till melodiskt att fylla i bekanta intervaller. I bredare skala handlar det om att tillhandahålla en serie konceptuella ankare genom ett stycke—där sångare kan återfå sin fot, om de råkar förlora det på vägen. Detta kan vara målmelodiska intervaller som ovan; men också rikta harmoniska intervaller att ställa in (t.ex. för ingångar) eller rikta ackord.

nyheten här är att målen inte behöver vara musikaliskt framträdande i stycket—de kan förekomma på svaga beats, eller på de-betonade platser inom en fras, etc. De behöver bara vara bekanta med sångarna, som sedan kan använda dem för att kalibrera om. Till exempel kan en exotisk kadentiell sonoritet vara det musikaliska målet, men behöver inte vara det konceptuella målet—den rollen kan vara en intilliggande, mindre viktig, mer bekant sonoritet. Här är en instans av det i ett stycke jag skrev (som kommer att vara värd på NMBx efter premiären i Januari 24):

ett utdrag ur poängen av Robert Lopez-Hanshaws mikrotonala körkomposition vokas animo.

detta går från en bara en stor ackord, till en 7: 9:11 i den harmoniska serien av B tolfte-platt (i min föredragna 72edo notation). Det senare är förvånansvärt lätt att spika, eftersom du lämnar en mycket bekant plats, varje del rör sig i princip genom kvartal steg – ett avstånd som lätt kan övas. Den gemensamma tonen hjälper också.

bygga ställningen

den andra saken som bör styra din mikrotonala undervisning är den pedagogiska tanken på byggnadsställningar eller ”zonen för proximal utveckling.”Allt detta betyder att varje nytt koncept måste relatera till omedelbart intilliggande begrepp; och de intilliggande koncepten ger upphov till insikt på individnivå.

till exempel: Du lär dig inte att läsa av någon som berättar hur du läser. Det finns inget sätt att göra det förutom att göra anslutningen på egen hand mellan enskilda bokstavsljud och hur de kombineras i ord. Din klassskolelärare gav bara förutsättningarna för att du skulle göra det språnget genom att få dig att memorera bokstavsljuden och sedan konfrontera dig med lätt avkodade kombinationer (och då inte så enkla).

principen här är viktig. Trots överklagandet av en” brute force ” – metod, som att lära sig en bit av rote från en syntetiserad inspelning (nyligen lätt att producera på grund av teknik!), den taktiken kommer inte att lyckas för de flesta—för att de inte har internaliserat byggstenarna för att göra de nya intervallen ”stick.”Och många kan vara ovilliga att göra det enorma tekniska språnget i första hand; det är inte därför de är i kör.

så vi måste titta på hur vi kan tillhandahålla byggnadsställningen.

vi har redan täckt två viktiga saker, som händer i normal körsång, och kan tillämpas på mikrotonal sång. Det som nu följer är en lista med ytterligare begrepp, varje byggnad på föregående och några resurser för att behärska dem. Det finns två vägar, en rättvis Intonationsväg och en jämndelningsväg.

Just Intonation Path: Expressive Intonation

ironiskt nog börjar denna väg med motsatsen till Just Intonation: ”expressive intonation.”

ingen annan än Ezra Sims, den stora exponenten för 72edo, sattes på den mikrotonala vägen av sin grundutbildade kördirigent, Hugh Thomas. Thomas insisterade på hans ensembler sjunga mycket höga ledande toner när lösa till tonics, och mycket låga 4ths när lösa till 3rds, bland annat. Under sådant inflytande, säger Sims, ” du kan finna det svårt någonsin igen att tro (oavsett hur mycket tangentbordsinstrumenten kan försöka övertyga dig om att det är så) att det till exempel finns en sak som är G-skarp, en frekvens som definierar den för evigt, Amen.”

expressiv intonation, vid sin grövsta, är mycket intuitiv. (Överdriv tendensens toners tendens!) Så, om det kan uppnå målet att slå sångare ur ett fast tonläge, släpper det vägen framåt avsevärt.

faktisk Just Intonation

Fahad Siadat har en serie artiklar, som ska fortsätta, på webbplatsen för sitt förlag, som introducerar ämnet Just Intonation för körer. Några fylligare resurser som för närvarande finns tillgängliga inkluderar harmonisk upplevelse av W. A. Mathieu, som jag nämnde i den senaste artikeln; och just Intonation Primer av David B. Doty, som är ganska mer direkt.

en praktisk Körledare kan bara välja några intervaller att arbeta med. Stora tredjedelar och harmoniska 7th är användbara till att börja med, eftersom de är lätta att demonstrera. Ta in en cellist för att spela naturliga övertoner och jämföra dem med piano! Ta in en barbershopkvartett på hög nivå för att” ringa ” några ackord! Först utvecklar du bara tanken att det finns flera tillgängliga ”smaker” för ett visst intervall, var och en med en annan funktion.

använd det som är relevant för det aktuella stycket. Om din kör bara lägger till den harmoniska 7: e till deras ordförråd, så är det tillräckligt för att börja arbeta med Ben Johnston’ s I ’m Goin’ Away.

kvantifiera Kommaskift

Ross Duffin är känd för sin bok om meantone och väl temperament, hur lika Temperament förstörde harmoni (och varför du borde bry dig). Men han skrev också ett underbart försvar av, och metod för, bara Intonationspraxis, som hänger på att lokalisera och använda det syntoniska kommatecken. Detta är ett mycket användbart sätt att tänka systematiskt om att ställa in 3: e, 6: e och 7: e jämfört med 4: e och 5: e. Det är fritt tillgängligt här. Han innehåller även övningar för att öva typiska problematiska intonationssituationer som kan uppstå.

Hilliard-ensemblen och Nordiska Röster införlivar regelbundet detta grundläggande system (olika i uppgifterna) i sin praxis. Om din kör sjunger renässans kontrapunkt en termin, tittar på intonation genom denna lins, kan följande termin förlänga mikrotonaliteten ytterligare:

Extended Just Intonation

nu kommer vi in i konstiga saker. Det är möjligt, med mycket upprepning och en bergfast referens, att memorera och reproducera intervall av de högre övertonerna i den harmoniska serien.

en möjlig referens är övertonssång (Fahad Siadat, personlig kommunikation), som—på en låg grundläggande—på ett tillförlitligt sätt kan producera övertoner åtminstone fram till den 14: e, och kanske vidare. Ett retunerat digitalt tangentbord är en annan potentiell resurs.

men det finns också en anmärkningsvärd uppsättning övningar: Andrew Heathwaite utarbetade ett system för att sjunga genom alla möjliga intervall som uppstår mellan medlemmar i en given grupp av övertonsbaserade platser, charmigt kallade Singtervals. Andra har utarbetat detta. Det är förvånansvärt logiskt och intuitivt, med hjälp av en liten förändring av Solf outtagning stavelser.

om en sångare skulle göra att lyssna på, förstå och sjunga denna typ av matris till en del av deras dagliga övning, skulle de snart kunna närma sig en strikt övertonlig (eller undertonal) bit som Henk Badings Contrasten utan mycket lidande.

Quarter-Tone Path: In-Between Tones

börja igen i början av en annan väg, vi kan använda människors förmåga att sjunga lika-ish toner mellan tonhöjderna i ett litet och välbekant intervall, för att börja utveckla en sann kvarttonram. Först kan du helt enkelt lägga till en övning till normala uppvärmningar: Sjung F – Gb, sedan f – f quarter-sharp – Gb, och sedan samma i motsatt riktning. De yttre tonerna är naturligtvis lätt kontrollerade på piano.

Full 24-tonskala

där det blir intressant extrapolerar denna enkla teknik till alla mellanliggande positioner i kromatisk skala. Robert Reinhart, som undervisar musikteori och ljudfärdigheter vid Northwestern University, tilldelade mellanliggande vokaler till kvartstonala tonhöjder mellan Solf usci-anteckningar, såsom ra-reh-re-rih-ri för alla sorter av andra skalan grad re. Han designade sedan—och använde i klassrummet-progressiva övningar för att träna örat på de nya intervallen. I många fall, dessa innebär först sjunga kända intervaller; sedan fylla i luckorna med kvarts toner; och sedan slutligen sjunger bara de förändrade platser, medan audiating de mer välbekanta omgivande platser.

Detta är bara en förlängning av synsångpedagogik i rörliga system! Till exempel, för att lära mönstret do-fa-la (svårt för nybörjare) kan man upprepade gånger sjunga en stor skala och gradvis ta bort de mellanliggande tonerna re, mi och sol; först audiera dem och sedan göra det kognitiva språnget för att helt enkelt sjunga do-fa-la utan någon krycka.

Reinhart har presenterat om detta ämne och arbetar för närvarande med en systematisk samling av kvartton Solf askorbge övningar, graderade av svårigheter.

du kan också använda denna grundläggande ram för att dela, säg, halvtoner i grupper om tre sjätte toner-eller hela toner i femte toner, om du sjunger renässans enharmonisk Musik. De specifika vokalerna i din förlängda Solf sackaros spelar ingen roll så mycket, så länge de är konsekventa.

Går Djupare: 72-tonskala

Julia Werntz är den nuvarande bäraren av 72edo-ljudfärdighetstraditionen vid New England Conservatory, efterföljande Joe Maneri. Hon lär eleverna att höra, utföra och komponera med tolfte toner—det vill säga kvarttoner som var och en delas upp i tredjedelar. Hennes klass börjar med att utveckla en kvarts ton ram, och utvecklar därifrån. Kurshandboken, steg till havet, är både mycket tillgänglig (med massor av ljudexempel) och lättillgänglig.

när vi kommer in i tolfte toner börjar bara Intonation och lika delningsvägar att slå samman. För sångare specifikt motsvarar de enklare bara Intonationsintervallen så exakt med tonhöjder i 72 toner per oktav, att skillnaden—högst cirka 5 cent, och vanligtvis under 3—är bokstavligen omöjlig att producera med rösten.

faktum är att en ny studie av Matthias Mauch et al. visar att, även för erfarna sångare, bara märkbar skillnad och median tonhöjd produktionsfel på en given anteckning både sväva runt 18 till 19 cent—lite över en hel 12-ton! Studien handlade om solo melodisk sång, och intonationsnoggrannheten kan vara något högre i harmonisk sång (särskilt i frisersalong); men inte så mycket som du tror.

(olika källor ger olika belopp för den bara märkbara skillnaden i olika sammanhang, och 5-8 cent är det vanliga värdet citerat. Men när det gäller sjungna platser verkar lite mer kaos regera.)

tack och lov, om du undrade, kan mikrotoner verkligen läras, och öronträning i 72edo har verkligen effekten av ökad tondiskriminering och produktionsförmåga. Det tämjer en del av det latenta kaoset i musikskapande.

slutresultatet

om du har gått igenom allt detta med din kör, då är du besatt, och de är alla helgon. Vad du verkligen bör göra är att välja och välja bland dessa möjligheter, baserat på vad som händer i själva verket. Detta är vad jag har gjort. Men där jag kanske ännu inte har använt en viss teknik själv har den testats av andra. De gör alla verkligen vad de hävdar.

potentiella dåliga resultat

som jag lovade tidigare, här är den första satsen av Carrillo ’ S Misa:

Detta är inte, ska vi säga, en touchstone-prestanda. Sångarna kan ha antagit att målet var ett ”annat världsligt” ljud och förmodligen hävdade tillräckligt med framgång för att släppa inspelningen. Men tyvärr utförde de hela poängen felaktigt, inklusive vad som borde ha varit de ”detta-världsliga” delarna.

de är pitchy från början. Vid 0: 58 är tenoren en hel halvton platt jämfört med de andra, vilket leder till en klingande AB major i första inversion, istället för det skrivna C-förstärkta ackordet. (När det händer igen klockan 1: 07 kan du höra honom glida uppåt för att försöka rätta till det.) I musiken som är i ram från och med 1: 32 sjunger den stackars basen 1 skrivna perfekta 5th som tritones, för att han inte kan få den nedre noten att gå ner tillräckligt långt. Och så vidare. Om man hörde detta som ett exempel på mikrotonal körsång, kan man förlåtas för att sura på tanken.

men trots bristerna i den här prestationen var stycket faktiskt skrivet på ett sätt som kunde vara lätt att förstå—med hjälp av taktiken Jag har beskrivit ovan. Det kan till och med fungera som en första satsning på mikrotonalitet för en kör!

så här skulle jag närma mig det.

• först skulle jag lägga till kvarttoner till uppvärmningen i början av repetitionerna—helt enkelt dela en halvton. Detta händer ständigt i Misa, så kören skulle få mycket körsträcka från just den övningen.
• sedan, även i warmups, skulle vi bygga förstärkta ackord och andra Helton sonoriteter, som och i olika inversioner. Dessa är Carrillos byggstenar för stycket. De är något ovanliga som strukturella element i konventionell körrepertoar, så de skulle kräva förstärkning för att vara användbara som mål.
• sedan, när vi gick till själva stycket, skulle vi sjunga segment utan kvartstonerna som ingriper och se till att kören har memorerat målens Helton sonoriteter i deras större harmoniska ramverk.
• slutligen är det dags att infoga kvarttonerna. Vi skulle göra den här delen i taget, först för att cementera melodisk medvetenhet.
• nu, överraskningen! Carrillo sätter hjälpsamt alla kvartstonförändringar i vertikal inriktning, annat än vissa suspensioner. Stycket växlar mellan en 12-ton ”värld ”och den kompletterande” världen ” i 24edo. Så, sonoriteterna byggda av de förändrade platserna är i allmänhet bekanta. Sonoriteten vid 1: 11, på den andra takten i den sista åtgärden i RAM, är i själva verket ett kvart platt stort ackord i första inversionen-så det borde låta som ett stort ackord i första inversionen! Alla känner till det ljudet.

allt detta är helt förlorat i den klagande, loosey-goosey intonationen av denna prestation. Jag tror att en korrekt tolkning, å andra sidan, skulle avslöja en del av utomordentligt annorlunda karaktär än vad som presenteras i inspelningen: kanske häpnadsväckande i hur tillgänglig det verkligen är.

slutsats: praktiska

här är några Diverse förslag jag kan ge om att undervisa mikrotoner till körer.

använd warmups för att förstärka nya musikaliska koncept, om det inte var klart redan. Varför slösa tid på att sjunga stora skalor eller arpeggios hela uppvärmningen, när du kan öva kvartstoner genom repetition eller bygga harmoniska ackord? Detta minskar undervisningstiden på själva mikrotonstycket.

spela absolut inte ett tonkluster i stället för en mellanliggande ton, om du modellerar en mikrotonal melodi på ett standardpiano. Detta gör ingenting för att föreställa sig tonhöjden (hör vi ”A D” när C-E spelas? Fan heller! Så varför skulle vi höra en d quarter-sharp när D-Eb spelas?), och det modellerar en dissonans, som kören obligatoriskt kommer att ge dig. Bättre att hoppa över den förändrade tonhöjden—eller ännu bättre:

modell med rösten när det är möjligt. Detta är inte bara lättare att följa än ett tangentbord, men det visar också att passagen faktiskt kan utföras.

Justera tangentbordet Om det är digitalt. Uppgiften är nu i princip trivial, med tillgänglig teknik; men det kanske inte är så för dig personligen. Om så är fallet, och du är en person som skulle läsa detta, då har du säkert vänner som är stora nördar som du, utom med datorer. Du kan be dem om en tjänst eller anlita dem för att göra det åt dig. BitKlavier är fri programvara med en enkel inlärningskurva; om de kan programmera i Max / MSP, borde de kunna använda Ren Data utan mycket krångel, vilket också är gratis; eller så kan du punga ut för PianoTeq Standard, som har professionell ljudkvalitet och mycket bra mikrotonala tuning kontroller. Det finns många andra alternativ, men det här är en början.

att arbeta nära med din ackompanjatör är avgörande, särskilt om några nycklar omarbetas drastiskt! Men igen, om du är en person som läser detta, är din ackompanjatör förmodligen spel för det.

gör alla normala körsaker först-tala stycket i rytm, sikta på exakta cutoffs, använd uttrycksfull frasering, tolka texterna – så att de inser hur mycket de redan vet hur man gör.

korrekt andningsstöd är absolut nödvändigt. Unfamiliarity orsakar osäkerhet, och osäkerhet orsakar felaktigt stöd, och felaktigt stöd skapar svag tonhöjd och dålig timbre, vilket gör projektet oändligt svårare. Så, aldrig glömma att berggrunden av en väl stöds ljud och komma tillbaka till det ofta.

viktigast av allt måste du förmedla glädje i musiken. Och är det inte det det alltid handlar om?

Anmäl dig till vårt månatliga newmusicbox nyhetsbrev