Jill Clayburgh

Frühe KarriereBearbeiten

Clayburgh begann als Studentin in Summer Stock zu schauspielern und trat nach ihrem Abschluss dem Charles Street Repertory Theatre in Boston bei, wo sie 1967 einen weiteren aufstrebenden Schauspieler und zukünftigen Oscar-Preisträger Al Pacino kennenlernte. Sie trafen sich, nachdem sie in Jean-Claude Van Itallies Stück America, Hurrah mitgespielt hatten. Sie hatten eine fünfjährige Romanze und zogen wieder zusammen nach New York City.

1968 debütierte Clayburgh off-Broadway in der Doppelrolle von Israel Horovitz‘ The Indian Wants the Bronx und Es heißt the Sugar Plum, auch mit Pacino. Clayburgh und Pacino wurden in „Deadly Circle of Violence“, einer Episode der ABC-Fernsehserie NYPD, die am 12. November 1968 Premiere hatte, besetzt. Clayburgh trat zu dieser Zeit auch in der Seifenoper Search for Tomorrow auf und spielte die Rolle von Grace Bolton. Ihr Vater schickte dem Paar jeden Monat Geld, um bei den Finanzen zu helfen.

Ihr Broadway-Debüt gab sie schließlich 1968 in The Sudden and Accidental Re-Education of Horse Johnson mit Jack Klugman, der 5 Vorstellungen lang lief. 1969 spielte sie in einer Off-Broadway-Produktion des Henry Bloomstein-Stücks Calling in Crazy im Andy Warhol-eigenen Fortune Theatre. Sie war in einem TV-Pilot, der nicht verkaufen, The Choice (1969) und erschien am Broadway in The Nest (1970).

1969 gab Clayburgh ihr Leinwanddebüt in The Wedding Party, geschrieben und inszeniert von Brian De Palma. Die Hochzeitsgesellschaft wurde 1963 gefilmt (während der Clayburgh bei Sarah Lawrence war), aber erst sechs Jahre später veröffentlicht. Der Film konzentriert sich auf einen zukünftigen Bräutigam und seine Interaktionen mit verschiedenen Verwandten seiner Verlobten und Mitgliedern der Hochzeitsgesellschaft; Clayburgh spielte die zukünftige Braut. Zu ihren Co-Stars gehörten Robert De Niro in einer seiner frühen Filmrollen und Jennifer Salt. In seiner Rezension von der New York Times, Howard Thompson schrieb, „Als belästigtes verlobtes Paar, Zwei Neuankömmlinge, Charles Pfluger und Jill Clayburgh, sind so ansprechend wie möglich.“

Broadway successEdit

Clayburgh erregte Aufmerksamkeit, als sie im Broadway-Musical The Rothschilds (1970-72) auftrat, das 502 Aufführungen dauerte. 1971 spielte sie Desdemona an der Seite von James Earl Jones in der Produktion von Othello in Los Angeles und hatte einen weiteren Broadway-Erfolg mit Pippin (1972-75), der 1944 aufgeführt wurde. Clive Barnes von der New York Times fand, dass Clayburgh „alles süße Duldung war, als die Witwe ihren Mann holen wollte.“

Während dieser Zeit hatte Clayburgh eine Reihe kurzer Charakterrollen in Film und Fernsehen. Einige von ihnen sind eine kleine Rolle in The Telephone Book (1971) und Portnoy’s Complaint (1972), Tiger on a Chain (1973), Shock-a-bye, Baby (1973) und 1974’s The Terminal Man, gegenüber George Segal.

Nach einer Gastrolle in einer Episode von The Snoop Sisters spielte Clayburgh Ryan O’Neals Ex-Frau in Der Dieb, der zum Abendessen kam (1973) und spielte in einem TV-Piloten, der nicht abgeholt wurde, Going Places (1973). Sie spielte auch in Medical Center, Maude und The Rockford Files. Sie moderierte Saturday Night Live am 28. Februar 1976 (Staffel 1, Folge 15) mit dem musikalischen Gast Leon Redbone. Später kehrte sie für Tom Stoppards Jumper an den Broadway zurück, das lief für 48 Aufführungen. Trotz ihres Erfolgs am Broadway war es die Filmschauspielerei, die Clayburgh wirklich begeisterte: „Eines der Dinge, die ich an den Filmen mag, ist das Abenteuer“, sagte sie. „Ich gehe gerne an verschiedene Orte und mache jeden Tag gerne eine andere Szene.“

Clayburgh wurde für ihre Auftritte in den Fernsehfilmen Hustling (1975), in denen sie eine Prostituierte spielte, und The Art of Crime (1975) gelobt. Hustling war ein Aufbruch für sie: „Bevor ich Hustling machte, war ich immer eine nette Frau. Ich war nicht sehr gut darin. Dann mit Hustling, es war eine schöne Rolle und es war eine Abfahrt. Die Menschen sahen eine andere Dimension.“ Ihre Leistung in dem TV-Film brachte ihr schließlich eine Emmy-Nominierung ein; Sie sagte später, es habe ihre Karriere wiederbelebt. „Es hat meine Karriere verändert“, sagte Clayburgh. „Es war ein Teil, den ich gut gemacht habe, und plötzlich wollten die Leute mich. Sidney Furie sah mich und wollte mich für Gable und Lombard.“

Eine unverheiratete Frau und Filmstarbearbeiten

Clayburgh wurde 1976 als Carole Lombard in der Biografie Gable and Lombard mit James Brolin als Clark Gable besetzt. Variety nannte es einen Film mit vielen wichtigen Vorteilen, Nicht zuletzt die atemberaubende und überwältigende Leistung von Clayburgh als Carole Lombard“ und Time Out London fühlte, dass sie „eine sehr moderne Version der lombardischen Lerche produzierte.“ Vincent Canby von der New York Times schlug vor, dass ihre Leistung „besser abschneidet“ als Brolins Giebel, da „sie einen Charakter zu erschaffen scheint, wann immer das furchtbar schlechte Drehbuch es zulässt.“ Trotzdem fühlte er, dass beide Schauspieler als das berühmte Paar fehlgeschlagen waren, und schrieb weiter: „Miss Clayburgh könnte eine interessante Schauspielerin sein, aber es gibt immer Probleme, wenn kleine Darsteller versuchen, die Art von Riesenlegenden darzustellen, die Gable und Lombard waren. Da sowohl Gable als auch Lombard in ihren Filmen im Fernsehen und in den Repertoiretheatern immer noch sehr lebendig sind, ist es schwierig, ernsthaft auf Mr. Brolin und Miss Clayburgh zu reagieren.“

Sie spielte in dem gefeierten Fernsehfilm Griffin and Phoenix (1976) mit Peter Falk. Es erzählt die Geschichte zweier unglückseliger Charaktere mittleren Alters, die beide mit einer Krebsdiagnose im Endstadium konfrontiert sind und noch Monate zu leben haben. Bemerkenswerterweise entwickelte Clayburgh die gleiche Art von Krebs, die ihr Charakter in diesem Film hatte, und erlag ihm 2010. Ebenfalls 1976 hatte sie ihren ersten großen Kassenerfolg, als sie das Liebesinteresse von Gene Wilders Charakter in der Comedy-Mystery Silver Streak spielte, in der auch Richard Pryor die Hauptrolle spielte. Kritiker waren der Meinung, Clayburgh habe in Silver Streak wenig zu tun, und die New York Times nannte sie „eine Schauspielerin mit zu viel Intelligenz, um sich mit einer Rolle identifizieren zu können, die im Wesentlichen die eines befreiten Einfallsreichtums ist.“

1977 hatte sie einen weiteren Hit mit Semi-Tough, einer Komödie in der Welt des amerikanischen Profifußballs, in der auch Burt Reynolds und Kris Kristofferson die Hauptrolle spielten. Clayburgh spielte Barbara Jane Bookman, die eine subtile Dreiecksbeziehung zu Reynolds und Kristoffersons Charakteren hat. Vincent Canby mochte ihre Leistung, Schreiben, „Fräulein Clayburgh, Wer wurde gebeten, verrückte Heldinnen in Gable und Lombard und Silver Streak von Leuten zu spielen, die es versäumt haben, ihr Material zur Verfügung zu stellen, hat diesmal viel mehr Glück. Sie ist charmant“, und die Washington Post genoss ihre Chemie mit Reynolds: „Reynolds und Clayburgh sehen wunderbar zusammen aus. Sie scheinen auf eine Weise zu harmonisieren, die nur offensichtlicher wäre – und ihre eventuelle Anerkennung, verliebt zu sein, angemessener erscheinen zu lassen.“ Sowohl Semi-Tough als auch Silver Streak brachten ihr den Ruf ein, „eine beliebte moderne Stylistin der Screwball-Komödie zu sein“, und der Guardian bemerkte, dass Clayburgh „die Art von Wärme und witziger Raffinesse hatte, die man in Hollywood seit Carole Lombard und Jean Arthur kaum gesehen hat“.

Clayburgh’s Durchbruch kam 1978, als sie die erste ihrer beiden Oscar-Nominierungen für die beste Schauspielerin für Paul Mazurskys Eine unverheiratete Frau erhielt. In dem, was ihre Karriere definierende Rolle sein würde, Clayburgh wurde als Erica gegossen, die mutige verlassene Frau, die mit ihrer neuen ‚Single‘ Identität kämpft, nachdem ihr Börsenmakler Mann sie für eine jüngere Frau verlässt. Nach der Veröffentlichung, Eine unverheiratete Frau wurde gelobt und war an der Abendkasse beliebt, kurz Clayburgh machen, beim 34, ein Star. Clayburghs Auftritt erhielt einige der besten Kritiken ihrer Karriere: Roger Ebert nannte den Film „eine Reise, die Mazursky zu einem der lustigsten macht, wahrsten, manchmal herzzerreißendste Filme, die ich je gesehen habe. Und so viel von dem, was am besten ist, ist wegen Jill Clayburgh, deren Leistung ist, ganz einfach, leuchtend. Clayburgh nimmt Chancen in diesem Film. Sie ist auf einem emotionalen Glied. Sie lässt uns Dinge sehen und erleben, die viele Schauspielerinnen einfach nicht preisgeben konnten“, während die New York Times schrieb, „Miss Clayburgh ist nichts weniger als außergewöhnlich in der bisherigen Leistung des Jahres. In ihr sehen wir Intelligenz, die gegen das Gefühl kämpft – Vernunft, die durch aufdringliche Bedürfnisse an die Wand gedrückt wird.“

Schreiben für den New Yorker, bemerkte die erfahrene Kritikerin Pauline Kael:

Jill Clayburgh hat eine gebrochene, warbly Stimme – eine moderne verschmutzte Stadt Heiserkeit. Und ihre zitternde, fast schöne Schönheit deutet auf viel Druck hin. Auf der Bühne kann sie blendend sein, aber die Kamera ist nicht in sie verliebt – sie scheint nicht von innen beleuchtet zu sein. Als Ericas Leben auseinander fällt und ihre Reaktionen außer Kontrolle geraten, ist Clayburghs schwebende, nicht ganz sichere, nicht ganz hier Qualität genau richtig. Und sie weiß, wie man es benutzt: Sie hat keine Angst, vom Weinen geschwollene Augen zu bekommen oder ihr Gesicht locker zu lassen. Ihre Anziehungskraft auf das Publikum liegt in ihrer gedämpften Ausstrahlung; sie wirkt so druckvoll, dass wir uns ein wenig Sorgen um sie machen. Kein anderer Film hat so einfühlsam und einfühlsam für das Bedürfnis einer modernen Frau plädiert, ihre Seele ihr eigen zu nennen.

Neben ihrer Oscar–Nominierung erhielt Clayburgh auch ihre erste Golden Globe-Nominierung als beste Schauspielerin in einem Filmdrama (beide verlor sie gegen Jane Fonda für Coming Home) und gewann den Preis als beste Schauspielerin bei den Filmfestspielen von Cannes, den sie und Isabelle Huppert teilten.

Während dieser Zeit lehnte sie die Hauptrolle in Norma Rae ab, einem Film, der Sally Field ihren ersten Oscar einbrachte. Dennoch hatte Clayburgh 1979 einen Karrierehöhepunkt, nachdem sie in zwei Filmen mitgespielt hatte, die ihre breite Anerkennung fanden. Die erste war Bernardo Bertoluccis La Luna (1979), die sie in Italien herstellte. Der Film zeigt eine inzestuöse Beziehung zwischen einer Mutter und ihrem drogenabhängigen Sohn und wurde zu dieser Zeit schlecht aufgenommen. Clayburgh stimmte zu, in diesem Film mitzuspielen, weil sie der Meinung war, dass „die meisten großen Rollen etwas erforschen, das sozial tabu ist.“ Bertolucci war besonders beeindruckt von ihrer Arbeit und lobte ihre Fähigkeit, „in derselben Einstellung von einem Extrem zum anderen zu wechseln, in derselben Szene lustig und dramatisch zu sein. Trotz der Kontroverse des Films wurde Clayburghs Leistung als manipulative Opernsängerin allgemein gelobt: Kritiker Richard Brody nannte es „ihre extravaganteste Rolle“ und eine Rezension in der New York Times fühlte, dass sie „außergewöhnlich unter unmöglichen Umständen“ war.“ Auch in der London Review of Books schrieb Angela Carter: „Jill Clayburgh, die die Gelegenheit, mit einem großen europäischen Regisseur zusammenzuarbeiten, am Hals ergreift, gibt eine bravouröse Leistung: Sie ist wie die Lebenskraft persönlich“.

Ihr zweiter und letzter Film von 1979 war Alan J. Pakula’s Starting Over, eine romantische Komödie mit Burt Reynolds und Candice Bergen. Pakula stellte sie ein, weil, „Das Außergewöhnliche ist, dass sie so viele Leute sind. In einem Film von Jill Clayburgh weiß man nicht, was man bekommt.“ Als Kindergärtnerin, die sich widerwillig in Reynolds geschiedenen Charakter verliebt, wurde ihre Leistung von der New York Times gelobt: „Miss Clayburgh liefert eine besonders scharfe Charakterisierung, die im ersten Teil der Geschichte perfekt und im zweiten ohne eigenes Verschulden nicht überzeugend ist.“ Starting Over brachte ihr eine zweite Oscar- und Golden Globe-Nominierung als beste Schauspielerin ein. Auch in diesem Jahr, Später kehrte sie mit In the Boom Boom Room als Go-Go-Tänzerin auf die Bühne zurück. Sie wollte diese Rolle seit 1972 spielen, als das Stück ursprünglich am Broadway uraufgeführt wurde, aber sie verlor die Rolle an Madeline Kahn. Obwohl sie in David Rabes Stück nicht besetzt war, heiratete sie ihn später 1979.

Ihr Back-to‐Back-Erfolg mit einer unverheirateten Frau und dem Neuanfang veranlasste die Schriftstellerin Mel Gussow zu der Annahme, dass Clayburgh neben Meryl Streep und Diane Keaton einer der wenigen „Stars für die frischen, natürlichen Anti-Ingenues der 80er Jahre“ war und fügte hinzu: „Dies sind Bühnenschauspielerinnen, die zu ihren eigenen Bedingungen zu Filmstars geworden sind, frei von „Glamour“, bereit, sowohl Clowns als auch Heldinnen zu spielen.“ 1980 wurde sie neben Michael Douglas in einer romantischen Komödie, It’s My Turn, besetzt, in der sie den Beweis des Schlangenlemmas lehrt. Die Schriftstellerin Eleanor Bergstein, die das Drehbuch geschrieben hatte, war begeistert von Clayburghs Casting. „Für mich“, sagt Bergstein. „Jill ist eine der wenigen Schauspielerinnen, die so aussieht, als hätte sie sich ihr Leben vorgestellt, ihr Leben möglich gemacht. Ich denke, das teilt Frauen in gewisser Weise, Frauen, deren Intelligenz ihre Gesichter belebt. Sie haben sich gewünscht, schön zu sein, genau zu sein, wer sie sind. Ihre Gedanken informieren ihre Gesichter. Ich denke, Jill ist so. Viele Schauspielerinnen sind genau das Gegenteil.“ Clayburgh selbst fühlte sich von der Rolle angezogen, weil „Kate die mir am nächsten stehende Person ist, die ich je gespielt habe. Die Leute sagen immer: ‚Oh, eine unverheiratete Frau, das bist du.‘ Aber wirklich, natürlich, ist es nicht.“ Im folgenden Jahr war sie eine konservative Richterin am Obersten Gerichtshof in Erster Montag im Oktober, eine Komödie mit Walter Matthau. Ihre Leistung wurde gelobt und brachte ihr eine Golden Globe–Nominierung als beste Schauspielerin in einer Filmkomödie oder einem Musical ein.

Karriereübergang und Fernsehfilmebearbeiten

Mitte der 1980er Jahre trat Clayburgh in immer weniger erfolgreichen Filmen auf, obwohl er sich dramatischerem Material zuwandte. Sie spielte eine Valiumsüchtige und Dokumentarfilmerin in Ich tanze so schnell ich kann (1981), geschrieben von David Rabe, ihrem Ehemann. „Ich denke, die Leute schauen mich an und denken, ich sei ein damenhafter Charakter“, sagte Clayburgh, „aber es ist nicht das, was ich am besten kann. Ich mache am besten mit Charakteren, die aus allen Nähten auseinander kommen.“ Der Film erhielt negative Kritiken, aber Janet Maslin von der New York Times mochte Clayburghs Leistung und schrieb, dass sie ihre leistungsstarke Karrierefrau „ernsthaft und energisch “ spielte.“ In der umstrittenen Hanna K. (1983) war sie eine vom Gericht ernannte israelisch-amerikanische Anwältin, die einen palästinensischen Mann für Regisseur Costa Gravas verteidigen sollte. Der Film war ein Kassenfehler und verletzte ihre Karriere. Verärgert über den Empfang des Films, Clayburgh gab das Kino für drei Jahre auf, Während dieser Zeit war sie damit beschäftigt, ihre Kinder großzuziehen.

Neben den damals aufstrebenden Stars Raúl Julia und Frank Langella kehrte Clayburgh an den Broadway zurück, um Noël Cowards Design For Living (1984-85) unter der Regie von George C. Scott für 245 Vorstellungen wiederzubeleben. John Beaufort schrieb für den Christian Science Monitor: „Jill Clayburghs Gilda ist nicht nur sexy und flüchtig. Sie kann süß weiblich sein. Sie ist eine Frau, die darum kämpft, sich selbst zu finden und herauszufinden, wo sie in diesem Dreieck hingehört. In mehr als einer Hinsicht erfasst Miss Clayburgh sowohl die tieferen als auch die oberflächlich amüsanten Aspekte ihres Dilemmas.“

Als ihre Spielfilmkarriere nachließ, begann Clayburgh, Rollen in Fernsehfilmen anzunehmen, darunter Where Are the Children? (1986) als geschiedene Frau, die sich an ihrem Ex-Ehepartner rächt, und Meilen zu gehen… (1986). Sie kehrte 1987 zum Film zurück, als sie Lob für die Darstellung eines flachen, raffinierten Manhattan-Magazinautors in Andrei Konchalovskys wenig gesehenem Independent-Film Shy People erhielt; Obwohl der Film floppte, war dies ihre bedeutendste Filmrolle nach Hanna K. Der Guardian fand sie „amüsant“, während Ebert Clayburghs Arbeit „leider übersehen“ und ihre „andere beste Rolle“ nach einer unverheirateten Frau nannte.

Nach Shy People übernahm Clayburgh eine Reihe von Rollen in den Fernsehfilmen Who Gets the Friends? (1988) und Fear Stalk (1989), wo sie eine angehende Karikaturistin im ersteren und einen willensstarken Seifenopernproduzenten im letzteren porträtierte, bevor sie in Unspeakable Acts (1990) eine Ermittlerin spielte, die einen Fall von Kindesmissbrauch untersuchte. 1991 erhielt Clayburgh anständige Kritiken für ihre Rolle als englische Schauspielerin und Sängerin Jill Ireland in der Fernsehbiografie Reason for Living: The Jill Ireland Story (1991), in der Irlands Kampf gegen Krebs beschrieben wurde und ihr Adoptivsohn helfen sollte, seine Heroinsucht zu überwinden. Obwohl Clayburgh Irland nie getroffen hat, Sie las ihr Buch und hörte sich zur Vorbereitung aufgezeichnete Interviews mit ihr an. Ken Tucker von Entertainment Weekly lobte Clayburghs Akzent in Reason for Living, Schreiben „Ganz abgesehen von ihrer sanften Zusicherung, Clayburgh zieht Irlands englischen Akzent ab, ohne auf sich aufmerksam zu machen.“ Diese Leistung veranlasste die New York Times zu schreiben, dass ihre Arbeit auf kleinen Bildschirmen „ein Zeichen der Zeit “ sei: Ältere Schauspielerinnen, die es gewohnt sind, starke Rollen zu spielen, finden ihre beste Arbeit im Fernsehen.“

Allmählich verwandelte sich Clayburgh in den 90er Jahren eher in eine Nebendarstellerin und übernahm so unterschiedliche Rollen wie eine antagonistische Richterin in Trial: Der Preis der Leidenschaft (1992) und die störende Frau von Alan Aldas Charakter in Whispers in the Dark (1992). Nach Auftritten in Ben Gazzaras Beyond the Ocean (1990), der auf Bali gedreht wurde, und dem unveröffentlichten Pretty Hattie’s Baby (1991) wurde sie als attraktive Mutterfigur typisiert: Sie war die lange vermisste Matriarchin in Rich in Love (1992), eine rollstuhlgebundene Mutter in Firestorm: 72 Stunden in Oakland (1993) und Eric Stoltz ‚alleinerziehende Mutter in Naked in New York (1993). Eine Rezension im People Magazine empfand Clayburgh als „ihr Bestes als ungebundene Mutter“ in Rich in Love, während Roger Ebert ihr Casting in Naked in New York als „genau am Ziel“ lobte. Sie spielte auch Kitty Menendez, die von ihren Söhnen ermordet wurde, zu Ehren von Vater und Mutter: Die wahre Geschichte der Menendez-Morde (1993), eine Rolle, die Variety als „unvollständig“ empfand, aber das hat mehr mit dem Drehbuch als mit Clayburghs Leistung zu tun.“ Sie spielte weiterhin besorgte, schützende Mütter in Für die Liebe von Nancy (1994), Das Gesicht auf dem Milchkarton (1995), Den ganzen Weg gehen (1997), Narrenrausch in (1997), wenn Unschuld verloren geht (1997) und Sünden des Geistes (1997) und war in „guter Form“ als kraftvolle, aufdringliche Bühnenmutter in Gekrönt und gefährlich (1997).

In den späten 90er Jahren war Clayburgh in Episoden von Law & Order und Frasier zu Gast und spielte in einer weiteren kurzlebigen Sitcom, Everything’s Relative (1999), und einer kurzlebigen Serie, Trinity (1999).

Spätere Karriere und letzte Rollenbearbeiten

Nach ihrem Auftritt in My Little Assassin (1999) und The Only Living Boy in New York (2000)hatte sie ihre erste prominente Hauptrolle seit Hanna K. und Shy People in Eric Schaeffers Komödie Never Again (2001). Roger Ebert lobte Clayburgh „dafür, dass sie alles menschlich Mögliche getan hat, um eine Figur zu schaffen, die süß und glaubwürdig ist“ und nannte es „eine Erinnerung an Clayburghs Gaben als Schauspielerin“, während Stephen Holden von der New York Times ihr „emotionales Gewicht“ verlieh “ für die Rolle einer verzweifelt einsamen 54-jährigen alleinerziehenden Mutter.“ Ebenfalls 2001 trat sie in Falling auf und hatte eine halb wiederkehrende Rolle bei Ally McBeal als Allys Mutter und bei The Practice, bevor sie regelmäßig in einer anderen kurzlebigen Show, Leap of Faith (2002), auftrat.

Sie kehrte als fälschlicherweise verurteilte Mutter von zwei Kindern in Bob Balabans Produktion von The Exonerated (2002-04) mit Richard Dreyfuss an den Off-Broadway zurück. Schreiben für Variety Magazine, Charles Isherwood lobte Clayburgh für ihre Rolle „mit klaren Augen Würde spielen.“ Sie trat dann in Phenomenon II (2003) auf und erhielt 2005 eine Emmy-Nominierung für Gastauftritte in der Serie Nip / Tuck. In diesem Jahr setzte sie ihre wiederbelebte Bühnenkarriere in A Naked Girl on the Appian Way fort, das lief für 69 Aufführungen. Erfolgreicher war The Busy World is Hushed (2005-06) am Off-Broadway, wo sie Christine Lahti ersetzte und eine verwitwete Bischofsministerin und Gelehrte spielte. Der Variety-Kritiker David Rooney lobte Clayburghs „Weisheit und ruhigen Humor, während er sich weigerte, Hannahs fragwürdiges Verhalten und ihre Überzeugungen als richtig oder falsch zu definieren, gesund oder ungesund“ und ihre“Umarmung der Unsicherheiten der Frau, mak sie umso menschlicher.“

2006 trat sie am Broadway in Neil Simons Barefoot in the Park mit Patrick Wilson und Amanda Peet auf; Sie spielte Peets Mutter, eine Rolle, die von Mildred Natwick stammt. Es lief für 109 Vorstellungen und wurde mit gemischten Kritiken getroffen. Immer noch, Clayburghs Leistung wurde gelobt und der Kritiker der New York Times, Ben Brantley, lobte „ihre gewinnende Art und Weise mit Dialogen, die synthetische Einzeiler wie filigrane Epigramme klingen lassen können. Trimmen und blendend blond, sie ist eine glamouröse eyeful in Isaac Mizrahi reichen Witwe Kostüme.“ Im selben Jahr kehrte sie als exzentrische Frau eines Therapeuten in Ryan Murphys All-Star-Ensemble-Dramedy Running with Scissors auf die Leinwand zurück, einer autobiografischen Geschichte über Angst und Dysfunktion im Teenageralter, die auf dem Buch von Augusten Burroughs basiert; mit Annette Bening, Gwyneth Paltrow und Evan Rachel Wood erhielt Clayburgh eine Nominierung als beste Nebendarstellerin von der St. Louis Gateway Film Critics Association. Ende 2006 spielte Clayburgh einen wehmütigen Exzentriker in ihrem letzten Bühnenauftritt The Clean House (2006-07) am Off-Broadway und wurde von der Post Gazette für ihre „alberne Leichtigkeit“ gelobt.

In den Jahren 2007-2009 trat Clayburgh in der ABC-Fernsehserie Dirty Sexy Money auf und spielte die wohlhabende Prominente Letitia Darling. Sie spielte dann Jake Gyllenhaals Mutter in Edward Zwicks Love & Other Drugs (2010) und Kristen Wiigs Mutter in Judd Apatows gefeierter Blockbuster-Komödie Bridesmaids (2011), dem letzten Film, den Clayburgh fertigstellte.